domingo, 4 de enero de 2009

Elton John - Captain Fantastic And The Brown Dirt Cowboy [2005 Deluxe Edition] (1975 UK Pop)

Este Captain Fantastic And The Brown Dirt Cowboy fue el broche de oro de la gran etapa creativa de Elton John. En los 33 años trascurridos desde su edición, Elton John no ha podido producir otro album de ese nivel; a partir de los 80 mantendría su fama con singles altamente vendedores y legendarios recitales pero sin volver a hacer una obra que marcara un hito en la música de su tiempo, razón por la cual 2 generaciones de melómanos han crecido con la imagen de Elton John como artista puramente comercial, ignorando que en los 70 fue (en tandem con su letrista Bernie Taupin) una de las fuerzas creativas más grandes de la música Pop. Como frontman y cantante fue sencillamente único y como pianista supo combinar brillantemente la sobriedad de Ray Charles con la explosividad de Little Richard. Volviendo al disco, se trata de una obra 100% autobiográfica (lo cual es fácil de notar al examinar el libro de fotos y el cómic incluidos en la edición original) con canciones muy intimistas e interpretadas con una gran carga emocional apoyado por una fenomenal banda (Davey Johnstone a las guitarras, Dee Murray al bajo, el ex Uriah Heep Nigel Olsson a la batería y el brillante percusionista Ray Cooper) y bordando con melodías de oro las elegantes y nostálgicas letras de Bernie Taupin. A pesar de su enorme aceptación (fue el primer disco de la historia en debutar directamente como N°1 en las listas) dejó perplejo a muchos fans quienes no se hallaban entre piezas tan personales y muchos aún lo consideran una obra menor respecto a Goodbye Yellow Brick Road, disco que suele ser declarado como su obra maestra. Dos de su temas fueron grandes hits, la estupenda Someone Saved My Life Tonight (basada en un intento de suicidio de su autor) y la hermosa We All Fall In Love Sometimes, no obstante se trata de un album que hay que escuchar entero, sin pausas y preferiblemente prestando atención a las letras para dejarse capturar por su magia, magia que baña piezas desnococidas aún en la actualidad pero de altísima calidad y muy inspiradas, como Tower Of Babel, la barroca Bitter Fingers, la Funky Tell Me When The Whistle Blows, la extravaganza Better Off Dead (que habría calzado a la perfección en A Night At The Opera de Queen) y la soberbia Curtains que cierra solemnemente un gran disco. Esta Deluxe Edition del sello Universal está llena de gratas sorpresas: el primer CD se completa con 4 caras de singles no incluidos en el album donde destaca la magnífica versión de Lucy In The Sky With Diamonds que, con permiso de mis adorados Beatles, deja bien atrás a la original. El segundo CD contiene el recital completo de Elton John en el Midsummer Music, un festival realizado en el verano de 1975 en el Wembley Stadium de Londres (junto a Joe Walsh, Eagles y Beach Boys entre otros) y donde Elton ejecutó el album de principio a fin en una jugada arriesgada pues no tenía mucho tiempo en el mercado y muy pocos se habían empapado de el, de hecho hacia la mitad del recital el público comenzó a marcharse en gesto de desaprobación a pesar de tratarse de un excelente concierto con una gran banda ampliada a 10 miembros. En una de las piezas del disco Elton John canta "¿sonarán las cosas que escribimos hoy tan buenas mañana?"... para mí la respuesta es afirmativa si se trata de una obra atemporal, sincera y llena de honestidad como este Captain Fantastic. Dedicado a nuestro amigo Vikingo para animar sus noches de insomnio.

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sábado, 3 de enero de 2009

The Doors - Live In Pittsburgh 1970 (2008 US Rock)

El doble LP Absolutely Live fue el único album en vivo de The Doors editado durante la carrera del grupo y constituyó por años la única referencia oficial a lo que era un recital de la banda. Aquel viejo doble LP fue seleccionado entre varios conciertos tenidos en diferentes ciudades Americanas (Nueva York, Los Angeles, Detroit, Boston, Philadelphia, Pittsburgh) entre 1968 y 1970. A partir del nuevo milenio los 3 miembros restantes de The Doors con el apoyo de su fiel ingeniero de sonido Bruce Botnick han ido publicando los conciertos completos que sirvieron de base al lanzamiento original, y tras la aparición de los conciertos de Nueva York (incluido en el boxset de 1997), Boston y Detroit, le ha tocado el turno al recital de Pittsburgh en Marzo del 2008 (el recital de Philadelphia también se lanzó hace muy poco). Dicho concierto fue grabado en el Civic Arena de esa ciudad en Mayo de 1970 durante el que sería el último tour de la banda. A pesar que tenían prácticamente sus días contados tras el legendario y bochornoso episodio de Miami en 1969, los conflictos con promotores que de la noche a la mañana decidieron desligarse de ellos y no organizar más sus conciertos y dado el progresivo desgaste de la voz de Jim y su deseo de desaparecer por un tiempo, The Doors seguían siendo grandes sobre el escenario; mágicos, brillantes, potentes, orgiásticos y sobre todo una maravillosa entidad colectiva aún cuando el foco de la atención pública estuviese siempre sobre la figura de el rey lagarto. Este recital es prueba clara de ello, un repertorio excelente con los temas más esperados pero también con varias sorpresas como las inéditas Universal Mind y Someday Soon (inéditas en disco pero habituales en sus recitales), la estupenda jam construida alrededor del clásico Rockabilly de los 50 Mystery Train (aquí desglosado en 3 piezas diferentes) o la siempre imprevisible When The Music's Over; la manera como Morrison se "sale" del libreto conduciendo la pieza hacia otros territorios (formados por retazos de otros temas) y la manera como el resto de la banda lo sigue casi telepáticamente sin perder el compás un solo segundo es la demostración inequívoca de la fuerza casi sobrenatural que los unía como banda. Mención especial también a una Light My Fire de 10 minutos más sensual que nunca y que cierra el CD con Ray, Robbie y John explorando con sus instrumentos hasta el más oculto de los rinconces de esta pieza en su afán por darle un toque siempre diferente. En fin, un excelente documento de lo que fueron los últimos conciertos masivos de The Doors en el tope de su creatividad y de su fuerza escénica. Este CD lo tenía hacía meses bajado de un Torrent a 320 kbps, hace poco lo ví en una tienda y no pude evitar comprarlo, y es que cuando un artista te interesa realmente no hay nada que pueda suplantar el placer de tener sus discos originales, por eso considero que la polémica esa sobre la "piratería " es absolutamente ridícula pues los fans nunca dejarán de pagar por la música de sus ídolos. El rip es mío pero a fin de no forzar inútilmente el frágil digipack he optado por conservar los scans del post que bajé originalmente.

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viernes, 2 de enero de 2009

Jimi Hendrix - Band Of Gypsys Live At The Fillmore East (1999 US Rock)

Volviendo a los 4 recitales que sirvieron de base para el legendario album Band Of Gypsys, este doble CD Live At The Fillmore East editado por Experience Hendrix permite ahondar aún más al ofrecer 16 temas adicionales a los de aquel disco. Lo que más me gusta de este lanzamiento es que complementa perfectamente al anterior pues no existe duplicidad de piezas entre ambos. La calidad de sonido es excelente y al comparar los temas que se repiten se aprecian las suficientes diferencias como para hacer atractiva su escucha. Aquella larga noche la Band Of Gypsys no subió al escenario con un setlist prestablecido para los 4 recitales sino que lo fueron armando espontáneamente sobre la marcha, esa es la razón por la que cada recital tuvo su propio repertorio y algunas piezas sólo se tocaron una vez, como el caso de Message To Love. Otra detalle bastante notorio está en que las 6 piezas seleccionadas por Jimi para entrar en el album original son las versiones definitivas, es decir las mejores de cada una. Las 2 versiones de Machine Gun, por ejemplo suenan magníficas, cada una con su propia estética demostrando la gran capacidad del trío para "crear" música sobre el escenario sin limitarse a repetir la ejecuciones, no obstante la incluida en el album original es la mejor, algo que no es de extrañar teniendo en cuenta el perfeccionismo del autor; lo mismo ocurre con Who Knows, la versión del album original barre por completo a la versión alterna del doble CD. Lo cierto es que ambos albumes son indispensables para entender la enorme trascendencia de esta efímera pero intensa etapa en la carrera del gran Jimi Hendrix. Una última consideración: contrariamente a lo que se cree estos 2 albumes no recogen la totalidad de los 4 recitales, para agregarle más piezas al rompecabezas habría que recurrir al documental Band Of Gypsys (disponible en DVD) y el viejo vinilo Band Of Gypsys 2, editado a finales de los 80 por Alan Douglas Productions y no disponible en CD, y aún así quedan algunos temas por fuera. Ojalá podamos ver algún día la edición definitiva de aquellas largas 12 horas de música.

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miércoles, 31 de diciembre de 2008

Jimi Hendrix - Band Of Gypsys [1997 Remaster] (1970 US Rock)

Sin duda que este es el disco ideal para cerrar el año, toda vez que los temas fueron extraídos de los 4 recitales que Jimi Hendrix ofreció amparado tras el trío Band Of Gypsys entre la noche del 31 de Diciembre de 1969 y la madrugada del 01 de Enero de 1970. Si bien el corto período transcurrido con Buddy Miles y Billy Cox fue enormemente fructífero y liberador para Jimi, su formación no se debió a razones musicales sino contractuales. Resulta que en 1965 Hendrix firmó un contrato con el productor Ed Chalpin para grabar como parte de Curtis Knight & The Squires, una banda de R&B liderada por el citado saxofonista y con quien Jimi había trabado amistad. Después de un par de singles fallidos y algunos recitales, Hendrix abandonó la formación y se instaló en el Greenwich Village de New York donde a la postre fue descubierto por el ex bajista de The Animals Chas Chandler, quien se lo llevaría a Inglaterra y el resto es historia conocida. Pues bien, durante todo el período de fulgor de la Jimi Hendrix Experience, Chalpin demandó a Jimi por incumplimiento de contrato y ambos entraron en una larga batalla legal. Resuelto a sacar provecho del nombre de Jimi Hendrix, Chalpin se alió con Capitol Records y a través de ellos editó 2 albumes con jams de estudio y directos grabados durante la estancia del guitarrista con Curtis Knight (Get That Feeling en 1967 y Flashing en 1968). Jimi se sentía furioso e impotente al ver como sus discos con la Experience tenían que competir con material que estaba muy por debajo de sus altos y rigurosos estándares de calidad, no obstante sus managers Chas Chandler y Michael Jeffreys lograron un acuerdo con Capitol que lo liberaría de tan molesta situación: Capitol compraría el contrato de Jimi con Chalpin y lo cedería a cambio de un album con nuevo material. Por aquel entonces la Experience se había disuelto y Jimi formó una nueva agrupación llamada Gypsy Sun & Rainbows (Billy Cox al bajo, Larry Lee a la guitarra, Mitch Mitchell a la batería, Jerry Vélez & Juma Sultan a las percusiones) que tampoco llegó a cuajar aunque acompañaron a Jimi en el festival de Woodstock. Por fortuna para Hendrix sus amigos Billy Cox y el baterista Buddy Miles lo convencieron de formar un trío para grabar el dichoso album y fué así como nació la Band Of Gypsys. Después de muchas horas de ensayos en los Baggy's Studios de Manhattan, el nuevo trío preparó un sólido repertorio de nuevos temas. Las razones por las que este material no fue a parar a un disco en estudio sino en vivo grabado en el legendario Fillmore East de Nueva York nunca han sido del todo aclaradas, pero lo cierto es que estos recitales constituyeron todo un acto liberatorio para el guitarrista, quien buscaba desesperadamente una nueva dirección musical que le permitiera desprenderse de los clichés escénicos de la Experience. El propio Jimi expresó su enorme satisfacción al día siguiente al declarar a la prensa que "lo que hicimos ayer noche lo deseaba desde hacía tiempo, creamos nuevas canciones que son fantásticas y pasamos a dominarlas de inmediato tanto mental como técnicamente, en verdad nos divertimos muchísimo". La influencia de Cox y Miles se reveló determinante, primero porque permitieron a Hendrix confrontarse nuevamente con sus raíces de Rhythm & Blues dándole al nuevo sonido un sabor decididamente Funky, y segundo porque al contar con otro cantante (Miles en este caso) Jimi se sentía más libre para dedicarse a la guitarra. Ya desde el primer estupendo tema Who Knows escuchamos a un Hendrix más relajado y explosivo como hacía tiempo no se le escuchaba; el solo de guitarra es de los más vibrantes de Jimi, al final del cual Buddy Miles toma control del tema para conducirlo magníficamente hacia su culminación. Machine Gun es la gran joya de todo el disco, 12 dramáticos minutos donde la voz de Jimi se funde perfectamente con el más completo, desesperado y cortante solo de guitarra jamás ejecutado. La atmósfera es totalmente frenética, casi apocalíptica, con Jimi logrando una gran musicalidad a partir del más puro caos sonoro, con las perfectas pulsasiones del bajo de Cox y los redobles de batería de Miles imitando ráfagas de ametralladora; uno de los momentos cumbre de toda la historia del Rock. El resto del disco mantiene el nivel bien alto: Them Changes del repertorio personal de Buddy Miles es simplemente estupenda con Jimi haciendo el papel de acompañante de lujo. Power To Love se despliega ante los oídos como una enorme bandada de aves en psicodélico vuelo con la guitarra sonando más libre que nunca, y Message To Love es toda una novedad con un par de magníficos solos de Jimi muy cercanos al Free Jazz y un delicioso coro de aires Gospel. El broche de oro lo pone otro tema de Buddy Miles titulado We Gotta Live Together, una excelente jam cargada de Soul, con un Billy Cox magnífico al bajo y un solo de guitarra maravillosamente fluido. Si bien el repertorio de esas 4 noches incluía también algunos clásicos de la Experience, sólamente se incluyeron temas nuevos en el disco a fin de cumplir con el convenio con Capitol. Lamentablemente este proyecto no tuvo continuidad a pesar que hicieron intentos por grabar en estudio. Las enormes presiones a las que Hendrix estaba sometido y su voluble caracter hizo que esta formación se disolviera en menos de 2 meses. No obstante este album quedó para la posteridad como uno de los más grandes albumes en directo del Rock y como una obra tremendamente influyente cuyos ecos llegarían directamente hasta las bandas de Rock fusion de finales de los 80 como Red Hot Chilli Peppers, Faith No More o Living Colour.

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Parte 1
Parte 2


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martes, 30 de diciembre de 2008

Gustav Holst - The Planets [Yoel Levi & The Atlanta Symphony Orchestra] (1998 US Classical)

A muchos quizá les extrañe la publicación de esta suite sinfónica en el blog, pero tuve 3 razones para hacerlo: primera porque es, sin discusión alguna, una de las piezas musicales más maravillosas de la historia de la música; segunda por ser uno de mis obras favoritas; y tercera por ser una obra con varias conexiones Rockeras que explicaré más adelante. The Planets fue compuesta entre 1914 y 1916 por el músico Inglés Gustav Holst (1874-1934), se estrenó de forma semi-privada en 1918 en la ciudad de Birgminham y vió su estreno público en el Queen's Hall de Londres pocos meses después. Holst fue un anónimo profesor de música del St. Paul's Girls' School de Dulwich y sólo había compuesto piezas corales y canciones convencionales, no obstante su fascinación por el sistema solar lo llevó a componer la que sería su única pieza larga sinfónica, una suite en 7 movimientos que describían en música y desde el punto de vista mitológico a cada uno de los 7 planetas conocidos entonces (salvo por La Tierra). Como todas las piezas musicales que de una forma u otra han roto esquemas, The Planets tuvo una fría acogida pero con el tiempo fue calando en el gusto popular hasta convertirse en una de las obras orquestales más hermosas, emotivas y brillantes de la música contemporánea y un reto para todo director que se precie dado que fue concebida para una orquesta con una cantidad de instrumentos mucho mayor a la habitual. Otra característica de The Planets es su corta duración (50 minutos) lo que ha facilitado su asimilación por el público no entendido en música clásica. Mars The Bringer Of War es el primer movimiento y una de esas piezas que todos hemos oído (y disfrutado) alguna vez sin conocer su nombre; siendo Marte el Dios de la guerra la pieza tiene un andar marcial y una atmósfera llena de intensidad y violencia que vá creciendo paulatinamente hasta alcanzar un clímax similar al choque en una batalla final. Venus The Bringer Of Peace es en contraposición al anterior un movimiento de una belleza apacible y serena con un final lleno de hermosa calma y magia. Mercury The Winged Messenger está dedicada a Mercurio, el mensajero alado de los Dioses, y para lograr el efecto adecuado Holst eliminó los instrumentos más pesados de la orquesta para darle al movimiento ese aire de "ligereza alada". Para Jupiter The Bringer Of Jollity Holst imaginó a Júpiter (el más grande de los planetas) como un bonachón y voluminoso personaje de pesado andar y afecto a los grandes placeres y es por ello que el movimiento rezuma de una gran y "pesada" jovialidad. Saturno es el más viejo de los planetas, por tanto Saturn The Bringer Of The Old Age describe el choque o la lucha interna de un ser que se debate entre el final de la juventud y el inicio de la vejez con una sucesión de fuertes y contrastantes imágenes. Uranus The Magician tiene una gran estructura dramática para simbolizar las épicas andanzas del Dios Urano y que ciertamente podrían ser adaptadas a cualquier melodrama moderno. La suite se concluye con Neptune The Mystic; como Neptuno fue el último planeta descubierto para la época y era poco lo que se sabía de el, este movimiento está envuelto en una atmósfera de "imprecisión" y de "viaje hacia lo desconocido" realzada por un etéreo coro femenino que casi imperceptiblemente se une a la música y se disuelve en un misterioso final como perdiéndose en la inmensidad del cosmos. The Planets es una obra que ha perdurado admirablemente en el tiempo y por alguna curiosa razón ha servido de inspiración a muchos músicos de Rock, especialmente por lo que se refiere al primer movimiento. La formación original de King Crimson, por ejemplo, tenía una adaptación de Mars en su repertorio que puede ser escuchada en la caja Frame By Frame y otras colecciones de temas en directo de la banda; por cierto que la obsesión de Robert Fripp por esta pieza lo llevó a plagiarla nota por nota en el tema The Devil's Triangle del album In The Wake Of Poseidon. En la giras de Led Zeppelin de 1969 Jimmy Page incluyó el motivo de Mars como parte del tema How Many More Times. Una readaptación de la melodía de Mars se encuentra en la introducción de White Room de Cream (Wheels Of Fire 1968) y en la de Eyes Of The World de Rainbow (Down To Earth 1979). Por no hablar de la versión de Mars que cierra el único album de Emerson, Lake & Powell de 1987. En cuanto a los demás movimientos, The Mothers Of The Invention usaron el motivo de Júpiter en la pieza The Invocation and Ritual Dance of the Young Pumpkin del album Absolutely Free (1966), mientras que Manfred Mann's Earth Band incluyó en su album Solar Fire (1973) una relaboración de Júpiter titulada Joybringer y una medley compuesta por Mercury y Saturn. En 1985 Rick Wakeman hizo una versión reducida de toda la suite, sé que la tocó en vivo pero no sé si llegó a editarla. Y estos son sólo algunos de los muchos ejemplos existentes. Tengo 2 versiones de esta obra en vinilo y ante la imposibilidad de conseguirla en CD me he bajado algunas de emule entre las cuales destaca esta, editada en 1998 y ejecutada por la Orquesta Sinfónica de Atlanta. Lo que más me atrajo es que está ripeada de un CD en formato Surround DTS (proceso que ignoro como lograron hacerlo) y por tanto con una calidad sonora más que óptima incluso en mp3. Que lo disfruten.

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lunes, 29 de diciembre de 2008

Neil Young - Decade (1977 US Folk Rock)

Hablar objetivamente de Neil Young resulta imposible, pues se trata de un artista que despierta pasiones extremas entre sus fans y detractores. Afortunadamente para la gran mayoría el nombre de Neil Young está escrito con letras de oro en los anales de la música. Como solista o como miembro de Buffalo Springfield y Crosby, Stills, Nash & Young, con la guitarra acústica o la eléctrica, cantando suaves melodías Folk o tocando punzante Rock & Roll, en sus momentos de máximo esplendor o tocando el fondo de sus tormentos, Neil Young es punto de referencia obligado para la música de los últimos 40 años. Como autor es una de las vetas compositivas más fértiles de la historia, su carisma escénico es único siendo capaz de galvanizar a 100,000 personas solamente con su guitarra acústica y su voz nasal. Como guitarrista eléctrico puede que no llegue a los niveles de excelencia de otros pero sus feroces punteos y torrentes de distorsión muestran una elocuencia y expresividad pocas veces igualado. Y en cuanto a su influencia... ¿cuántos artistas pueden vanagloriarse de haber sido ellos solos padres espirituales de todo un movimiento musical? (el llamado Grunge). A parte de esto Neil ha sido el artista de su generación que mejor ha plasmado su propia vida en su obra musical, vivencias personales suyas pero que han tocado la sensibilidad de millones de personas. Como él mismo afirmó hace años "Ya sé que estábamos bastante borrachos cuando grabamos Tonight´s The Night, pero pienso que es algo que la gente debería oír, deben oír como suena un artista bajo todas las circunstancias si quieren tener un retrato completo". Pero lo más grande de este Señor radica en que tras su etapa de oro y después una década de incertezas saltando de un estilo al otro (New Wave, Tecno, Rockabilly, Country, AOR y Blues) Neil experimentó la resurrección musical más espectacular de la historia, reivindicado en los 90 por las nuevas corrientes del Rock y ofreciendo algunos de sus mejores discos (Freedom, Ragged Glory, Harvest Moon, Mirrorball), hazaña que sólo él y Dylan han sido capaces de lograr. El presente disco fue editado originalmente en 1977 como triple LP para conmemorar la primera década de actividad de Neil (1967-1977) y ofrecía un excelente repaso a su carrera, desde Buffalo Springfield hasta The Stills-Young Band pasando por los legendarios CSN&Y y, por supuesto, su magnífica obra solista, con o sin el acompañamiento de esa gran banda que fue (y sigue siendo) Crazy Horse. Junto a todos sus temas clásicos de entonces figuran un puñado de piezas inéditas y otras difíciles de conseguir, aunque algunas han ido apareciendo en cajas y albumes póstumos. A finales de los 80 fue reeditada en formato de triple CD y poco después reapareció como doble CD que aquí nos ocupa. El libreto tiene anotaciones canción por canción manuscritas por el propio Neil con letra bastante fea y poco inteligible por cierto. Una colección imprescindible para fans y curiosos.

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viernes, 26 de diciembre de 2008

John Coltrane - A Love Supreme [2002 Deluxe Edition] (1965 US Jazz)

A pesar de estar considerado como uno de los grandes discos de la historia, A Love Supreme se ubica en el período más difícil de la corta pero densa carrera del gran John Coltrane. Su entrada al sello Impulse coincidió con el inicio de su etapa más experimental caracterizada por su deseo de romper con la ortodoxia jazzística y explorar nuevos territorios. Es la época en que buena parte de la crítica arremete ferozmente contra él llamándole transgresor y profanador, por no hablar de la legendaria crítica publicada en Downbeat donde John Tynan llamó a su música "anti-Jazz". Inteligentemente Coltrane supo acallar parcialmente los ataques grabando algunos discos standard (Ballads, y los discos a dúo con el cantante Johnny Hartman y el maestro Duke Ellington respectivamente) pero estaba claro que el hombre no iba a detenerse ahí precisamente. Fue también la época de su máximo interés por las filosofías orientales (que no era ninguna en particular sino una combinación de varias de ellas, con el Hinduísmo y el Budismo a la cabeza) que lo llevaría a explorar las formas típicas de la música Hindú y su adaptación al lenguaje del Jazz. También fue la época de su maravilloso cuarteto junto al baterista Elvin Jones, el pianista McCoy Tyner y el contrabajista Jimmy Garrison, para muchos su mejor formación y la que le permitió dar el gran salto hacia el infinito creativo. En este entorno John Coltrane grabó en una única sesión el día 9 de Diciembre de 1964 en los estudios de Rudy Van Gelder la que para algunos es su obra maestra y uno de los discos más representativos en la historia del Jazz. A Love Supreme está concebida como una suite en 4 partes dedicada a ese poder supremo que según su autor lo ayudó a superar sus problemas personales (su adicción a la heroína a finales de los 50) y lo guío encausando su talento musical en la dirección correcta. Una obra que rezuma de una gran espiritualidad pero sin renunciar a ese vigor y sensualidad típicos de la música de Coltrane; un disco atemporal que traspasó el ghetto del Jazz para erigirse como una obra universal apreciada por amplios sectores del público y alabada por músicos de todas las tendencias y que a 43 años de su edición sigue ganando adeptos. La suite se abre con Aknowledgement, pieza que tras una soberbia introducción a cargo del líder desemboca en un mantra construido alrededor del contrabajo de Garrison y recitado por el propio Coltrane primero con el saxo y al final con su propia voz. Resolution es un momento de mágica sensualidad merced de una estructura rítmica simplemente perfecta, un maravilloso solo de piano de Tyner y una de las ejecuciones de Coltrane más limpias, inspiradas y emotivas. Pursuance es un torbellino enmarcado por 2 soberbios solos a cargo de Elvin Jones (mi baterista de Jazz favorito) donde el líder y el pianista se miden en un intenso duelo. Un solo de contrabajo dá paso a la pieza de cierre, la enigmática Psalm donde Coltrane "recita" con su saxo el hermoso poema devocional incluido en la contraportada del disco, un concepto muy difícil de explicar y que el musicólogo Lewis Porter definió como "wordless recitation" (recitado sin palabras). Después de A Love Supreme, Coltrane entraría en su etapa más vanguardista iniciando una impresionante espiral evolutiva detenida sólo por su muerte en 1967, y dejando a esta magnífica obra no como un zenith sino como un nuevo punto de partida. La presente Deluxe Edition es una joya, como todas las del sello Universal. El primer CD contiene el album original remasterizado por primera vez de las cintas originales. El segundo CD incluye la única ejecución en vivo de la suite completa en el Festival Mondial du Jazz Antibes, Juan-les-Pins (Francia) el 26 de Julio de 1965 (una versión mucho más larga, menos reposada y llena de disonancias que presagian sus posteriores trabajos), además de 4 outtakes procedentes de una sesión de estudio posterior; por cierto que las 2 tomas de la inicial Aknowledgement incluyen al entonces jovencísimo saxofonista Archie Sheep y al bajista Art Davis. Una auténtica obra de arte ampliamente recomendada a cualquier aficionado a la música y el disco ideal para derribar los prejuicios hacia el Jazz.

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