miércoles, 30 de julio de 2008

Elvis Presley - Platinum: A Life In Music (1997 US Rock & Roll)

Esta caja fue lanzada en 1997 para conmemorar los 20 años de la muerte del Rey del Rock And Roll a través de 100 temas repartidos en 4 CD's, 78 de los cuales son completamente inéditos. Cada una de las etapas de la obra de Elvis están representadas en forma temática: el primer CD cubre los años 50 en los que Elvis arrasó USA como un huracán llevando al Rock And Roll directo hacia la cima; es probable que otros hayan sido superiores musicalmente (Chuck Berry, Eddie Cochran) y hayan plasmado mejor la esencia de la rebeldia juvenil (Gene Vincent, Jerry Lee Lewis), pero fue Elvis quien convirtió al incipiente Rock en un fenómeno de masas. El segundo CD comienza con su regreso del servicio militar y recorre toda su etapa de cantante/actor, más sus coqueteos con el Gospel para disgusto de sus fans rockeros. El tercer CD es mi favorito y documenta los preparativos del regreso de Elvis a la música a tiempo completo: ensayos privados, el Comeback Special, las nuevas sesiones de grabación y su retorno a los escenarios. El último CD dá fé de su etapa más glamourosa llena de capas y lentejuelas, funcionando más como espectáculo nostálgico para cuarentones que como un modelo a seguir por los jóvenes, pero con su maravillosa voz intacta como lo demuestra la gran cantidad de temas en directo incluidos, aunque es inevitable el sentimiento de tristeza que invade al oyente al aproximarse el final del disco trayendo consigo el fatal desenlace del Rey. El material inédito, tanto en cantidad como en calidad, justifica plenamente la escucha de esta excelente caja, doblemente valiosa como documento histórico y pieza de colección para fans.

Rip hecho con Exact Audio Copy
Codificado con Lame 3.98 a 320 kbps

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martes, 29 de julio de 2008

Fleetwood Mac - Live in Boston Volume 1 [2003 HDCD Remaster] (1970 UK Blues)

A comienzos de 1970 Fleetwood Mac (los únicos y originales, no los impostores) remataron su gira Norteamericana con 3 conciertos en el prestigioso club Boston Tea Party de esa ciudad. Con la incorporación de un tercer guitarrista, la joven promesa Danny Kirwan, Fleetwood Mac se consagró como una de las formaciones más sólidas del Rock. La presencia de Kirwan lucía como una extravagancia, pues la pareja formada por el brillante y extraordinario Peter Green y el erudito de la slide-guitar Jeremy Spencer parecía más que suficiente, no obstante en los últimos tiempos Spencer se había ido abriendo su propio espectáculo dentro de los recitales de la banda a base de exhibir su técnica rindiendo tributo a su ídolo Elmore James y haciendo parodias de Elvis y otros grandes del Rock And Roll, dejando a Green prácticamente solo en el escenario resintiéndose de la necesidad de una segunda guitarra con la cual dialogar y complementarse. De modo que esta nueva formación ampliada a 3 guitarras y con la mejor sección rítmica del Blues Británico (el bajista John Mc Vie y el baterista Mick Fleetwood) Fleetwood Mac alcanzaría la cima de su creatividad. La idea era lanzar un album en vivo de esos conciertos para capitalizar el enorme prestigio que la banda se estaba labrando en USA, pero la inesperada salida de Peter Green echó por la borda el proyecto y las cintas fueron archivadas. A mediados de los 80 se editaron 2 discos, Live In Boston y el doble Cerulean, a partir de una grabación pirata de aquellas noches con un sonido mediocre pero que constituyó durante algunos años el único medio para acercarse a lo que entonces ocurrió en el Boston Tea Party. A comienzos de este milenio se encontraron las cintas originales y a partir de ellas el sello Inglés Snapper editó los 3 conciertos en 3 volúmenes separados con un repertorio para llorar de felicidad, con sonido remasterizado a 24 bits y una excelente presentación, haciendo así justicia a una las páginas más brillantes de una de las mejores agrupaciones de todos los tiempos. Aquí les presento el primer volumen de los 2 que tengo en mi poder. Que lo disfruten.

Rip hecho con Exact Audio Copy
codificado con DbpowerAmp Converter Lame 3.97 a 320 kbps
codificado con Monkey's Audio en Ape Cue a 926 kbps

@320 Parte 1
@320 Parte 2
Flac
Artwork


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lunes, 28 de julio de 2008

George Winston - Night Divides The Day ° The Music Of The Doors (2002 US Instrumental)

George Winston es un pianista que pertenece a la plantilla de Windham Hill Records, el famoso sello discográfico de musica New Age. Cuando a comienzos de los 80 se hablaba de este estilo musical, se le señalaba como el futuro de la música; 25 años después soy de la opinión que la New Age no pasó de ser un producto de su tiempo y que hoy en día suena bastante anquilosado, no obstante tipos como este George Winston demuestran el suficiente talento y personalidad para sobrevivir a la debacle y seguir su propio camino, haciendo buena música sin estúpidas etiquetas y sí mucha lucidez. El que aquí nos ocupa es para mí el mejor tributo a la música de The Doors que haya escuchado. No es el típico disco de música relajante para quedarse dormido tras un duro día de trabajo, sino una obra que apoyada únicamente en el piano de Winston rescata toda la esencia de la música de The Doors con una fidelidad extraordinaria pero sin renunciar a darle su propio toque personal. Son versiones cargadas de genio, romanticismo, misterio y pasión, canciones que sugieren imágenes visuales, tal y como ocurre con la música de los aquí homenajeados. Es tan impresionantemente bueno este disco que el propio Ray Manzarek no sólo lo alabó en entrevistas sino que acompañó a Winston en varios recitales de su revisión pianística de la música de The Doors. Difícil destacar algún tema pues todos son de altísimo nivel, pero en lo personal pienso que Spanish Caravan, The Crystal Ship, Love Her Madly y Riders On The Storm podrían ponerle la piel de gallina a una estatua. 100 % recomendable.

Encontrado en emule
Rip hecho con Audiograbber
Codificado con Lame 3.97u a 320 kbps

Parte 1
Parte 2

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The Doors - Waiting For The Sun [40th Anniversary Mixes] (1968 US Rock)

Tercera entrega de las ediciones 40 aniversario de The Doors en nuevas mezclas hechas por los 3 miembros supervivientes y Bruce Botnick, ingeniero de sonido de la banda. Respecto a las diferencias entre esta y la mezcla original, reitero la invitación a todos los fans que descarguen estas versiones a compartir sus impresiones. En cuanto al contenido, si los 2 primeros discos de The Doors tenían cada uno su propia estética y concepto, este Waiting For The Sun resultó una obra mucho más variada, pues los temas apuntaban hacia diferentes direcciones: las comerciales Hello I Love You y Love Street; los típicos cortes incendiarios Not To Touch The Earth y Five To One; la teatralidad de Unknown Soldier; el romanticismo de Yes, The River Knows; el barroquismo de Spanish Caravan (espléndida Españolada esta); el mantra de My Wild Love, y así sucesivamente. En el apartado de bonus tracks no podemos dejar de advertir la única versión en estudio de la epopéyica Celebration Of The Lizard, la obra cumbre de The Doors tanto en música como letra y que supuso una especie de frustración para ellos pues su plan era llamar así al disco y que fuese un doble LP con el tema homónimo en una de sus caras; lamentablemente jamás pudieron obtener una toma de estudio que les satisfaciera (la aquí incluida es interesante pero suena inacabada) y en el futuro se dedicarían a perfeccionarla en escena. Nuevamente se trata de una excelente edición, con sonido y presentación gráfica de primera.

Rip hecho con Exact Audio Copy
Codificado con Flac Frontend en Flac level 8 (avg. bitrate 856 kbps)

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domingo, 27 de julio de 2008

Pink Floyd - Dark Side Of The Moon [30th Anniversary Edition SACD Hybrid] (2003)

Edición 30 aniversario de uno de los grandes discos de la historia, un disco que ha roto la barrera de las limitaciones estilísticas para erigirse en un clásico atemporal y universal. Y como un disco de semejante calibre merece el mejor de los tratamientos sonoros, he aquí la versión remasterizada en formato SACD Hybrid reproducible tanto en reproductores de SACD como stereo convencionales. Como esta obra no necesita presentaciones intentaré aclarar algunos detalles respecto al formato utilizado. SACD (Super Audio Compact Disc) es un formato diseñado por Sony que usa discos similares a los DVD's y una novedosa técnica de codificación llamada DSD (Direct Stream Digital) para obtener la mejor calidad de sonido existente. Para ponerlo más fácil, un CD regular se codifica usando muestras de 16 bits y una tasa de muestreo de 44,1 khz; un DVD se codifica con muestras de 24 bits y tasa de 96 khz, aunque otros ván más allá al usar muestras de 32 bits y tasas de 192 khz. Pues bien, los SACD usan muestras de sólamente 1 bit pero con tasas de 2822,4 khz lo que se traduce en una altísima fidelidad donde hasta el más mínimo sonido, que en un CD convencional yace sepultado al fondo del espectro, puede ser apreciado claramente. El sonido SACD puede ser en stereo o multicanal. Para ayudar a popularizar el formato SACD, Phillips desarrolló un formato híbrido llamado SACD Hybrid que permite que en un mismo disco coexistan 2 pistas: una para ser reproducida sólo en reproductores SACD y otra reproducible en cualquier otro medio convencional (CD Player, Car Player, unidades CD de las computadoras, etc) y también ser ripeadas en todos los formatos loosy y lossless conocidos. Dicho esto, la presente edición es SACD Hybrid con la pista SACD en Sourround 5.1 (5 canales). Obviamente el poseedor de esta copia sólo podrá oírla en stereo pues la pista SACD no puede ser ripeada, pero aún así se trata de un stereo también de altísima calidad que deja atrás a cualquier otra previamente editada, aunque los inconformes/aguafiestas aseguran que la mezcla cuadrafónica de 1974 sigue siendo la mejor (cuestión de apreciación). Para hacer de este post algo especial lo hice en FLAC con CUE sheet para quienes deseen guardarlo como item de colección. Que lo disfruten.

Rip hecho con Exact Audio Copy
Codificado con DbpowerAmp Converter en Flac Level 8 (cue sheet)

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sábado, 26 de julio de 2008

The Rolling Stones - Singles Collection * The London Years [2002 SACD Hybrid] (1989 UK Rock)

Triple CD editado originalmente en 1989 como parte de la primera remasterización del catálogo Decca de The Rolling Stones, y que recoge todos los singles correspondientes a dicha casa discográfica entre 1963 y 1975. La presente edición es del 2002 cuando en conmemoración de los 40 años de la banda se lanzaron nuevos remasters de toda su discografía Decca a partir de cintas de mejor calidad (las multitracks originales usadas la primera vez estaban incompletas y en mal estado de conservación), con la música codificada en formato SACD/Hybrid que permite escuchar los CD's tanto en reproductores SACD (Super Audio Compact Disc) como en reproductores convencionales, y con los discos enfundados en lujosas mini-replicas de los LP's originales. Por otra parte se trata de una colección de vital importancia para todo fan de Los Stones pues contiene singles descatalogados desde hacía más de 30 años (incluso la B side I Want To Be Loved jamás había sido reditada en ningún formato), versiones mono originales sólo aparecidas en singles, y un par de rarezas: la versión larga de Paint It Black y la mezcla alterna de Street Fighting Man. A nivel de sonido hay un gran avance respecto a los primeros remasters (que en honor a la verdad no fueron muy buenos), se corrigieron errores de distorsión y edición presentes en algunos temas (What A Shame y 19th Nervous Breakdown las más evidentes), y aún en la versión convencional la claridad sonora es notable. Sin duda que los más beneficiados a nivel musical son la dupla de guitarras Jones/Richards en los temas del primer CD (por primera vez se les escucha interactuar con gran detalle), los geniales toques de Brian Jones con su arsenal de instrumentos diversos (slide guitar, armónica, sitar, dulcimer, marimba, acordeón, theremin, melotron, percusiones, vientos, etc), y el trabajo de Bill Wyman al que por primera vez se le puede escuchar en toda la extensión de su habilidad y talento. El detalle de los temas está de más, simplemente son The Rolling Stones, quizá la banda de Rock más importante junto a The Beatles, The Who y Led Zeppelin, y al final es la música la que tiene la última palabra.

PD. por alguna extraña razón el libreto está pegado al interno del digipack de una manera que resulta difícil leerlo y aún más escanearlo. Para remediarlo incluí una copia del libreto de la primera edición.

Rip Hecho con Exact Audio Copy
Codificado con Lame 3.98 a 320 kbps (versión definitiva liberada el pasado 06/07/08)

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jueves, 24 de julio de 2008

Miles Davis - Seven Steps: The Complete Columbia Recordings Of Miles Davis 1963-1964 (2004 US Jazz)

El punto focal de este impresionante boxset es el álbum Seven Steps To Heaven, editado en 1963, y que marcó un punto de inflexión en la carrera de Miles Davis: los ecos de su primer gran quinteto comenzaban diluírse en la distancia, el subsiguiente cuarteto se desmoronó cuando sus miembros (Wynton Kelly, Paul Chambers, Jimmy Cobb) se fueron para formar su propio trío, y Miles se dedicó a la tarea de buscar nuevos músicos que le permitieran poner en práctica las nuevas ideas que ya bullían en su cerebro. Después de las sesiones iniciales en California con Ron Carter al contrabajo, George Coleman al sax tenor, Frank Butler a la batería y Victor Feldman al piano, Miles se traslada a Nueva York con Carter y Coleman y recluta nuevos músicos para terminar el disco: el pianista Herbie Hancock y el baterista Tony Williams, sembrando la semilla de su segundo gran quinteto que a la vuelta de poco años cambiaría de nuevo el curso del Jazz. El primer CD y la mitad del segundo de esta colección son testimonio de esas sesiones. El resto del boxset lo componen varios conciertos grabados durante la gira mundial del quinteto entre 1963 y 1964 y que, como comentaría acertadamente el crítico Stuart Broomer, nos muestra a un Miles Davis a la caza del saxofonista ideal, meta que alcanzaría a finales de ese mismo año con la incorporación de Wayne Shorter. En los años sucesivos parte de estos directos aparecieron saltuariamente en diversos LP’s, CD’s y boxsets (Quiet Nights, In Europe, My Funny Valentine, Four & More, In Tokyo, In Berlin, Directions, Heard ‘Round The World, The Columbia Years), frecuentemente con los temas recortados en su duración, pero esta maravillosa colección los rescata en su totalidad, sin edits y en el orden original. Espero lo disfruten.

Rip hecho con DbpowerAmp CD Ripper
Codificado con Lame 3.97 a 320 kbps

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Omití el libreto pues resulta imposible meterlo al scanner; se trata de un libro de tapa dura con 92 páginas, los 7 CD's y lomo de metal. Lo único que pude anexar fue una foto exterior de la caja obtenida por Google Search y la hoja promocional que vino con la misma, además de los scans de los 7 Cd's.

NOTA.
Este rip lo hice originalmente para el sitio Zona de Jazz . Hoy eliminé los 9 links en Rapidshare para hacer uno solo en Megaupload, y por casualidad descubrí que en el sitio taringa tienen mi post publicado. Este hecho no tiene mayor importancia pues no soy el propietario intelectual de los discos que compro, pero sí me molestó que usaran mi reseña, palabra por palabra y coma por coma, sin citar la fuente directa, pues si bien en alguna parte se nombra a ZDJ la reseña está firmada por mí que de ese sitio fui sólo colaborador. Taringa tiene la nada envidiable fama de ser una cueva de ladrones (hasta el nombrecito suena a pariente de Alí Babá), de hecho, hace 1 año más o menos "tomaron prestado" del blog Música Acida de Pablo Cazorla un mega-link de The Doors sin citar la fuente original; este caso fue aún más descarado pues el verdadero autor hizo un duro trabajo para catalogar, documentar y subir el material, pero como entre cielo y tierra no hay nada oculto la verdad salió a relucir. Lo único que pretendo con esto es advertirles que cualquier post de este boxset que utilice esta misma reseña es de mi completa autoría. para comprobarlo comparen mi post en Zona de Jazz contra el de taringa. En resumen, yo no puedo impedir que alguien reutilice mis links sin citar el origen, pero si ese alguien reutiliza reseñas redactadas y firmadas por mí, está obligado a citarme. Eso es todo. De nuevo les deseo que disfruten este post.

The Yardbirds - Little Games (1968 UK Rock)

Little Games fue apenas el segundo album de estudio de The Yardbirds y documenta el peor período en la historia de la banda, marcado por los malos manejos financieros, la desorganización general y la frustración artística de sus integrantes. Tras un caótico tour Norteamericano que tuvo que ser cancelado antes de tiempo por el abandono de Jeff Beck, The Yardbirds reducidos a cuarteto (Keith Relf, Jimmy Page, Chris Dreja, Jim Mc Carty) regresa a Londres, despiden al inepto de Simon Napier-Bell (entre cuyos logros está el dejar las finanzas en rojo) y contratan como mánager/productor a Mickie Most. Si bien la elección parecía adecuada en el plano administrativo (Most fue el hombre tras el éxito comercial de The Animals, Herman's Hermits & Donovan) no lo fue en el artístico: A Most solo le importaban los singles, el lado creativo y experimental de sus pupilos le traía sin cuidado y no puso ningún interés en la producción del disco; la tensión entre ambos fue tal que ante la negativa de la banda a grabar 2 de los temas que Most eligió para lanzar en single (Ha Ha Said The Clown y Ten Little Indians) este contrató músicos de sesión para hacer los respectivos backing tracks. No obstante Little Games, merced de su estética Hard Rock con toques progresivos, tiene sus méritos, entre ellos sembrar la semilla que 1 año después germinaría bajo el nombre de Led Zeppelin. La dinámica Little Games abre el disco y dá cuenta de la creatividad de The Yardbirds, construída alrededor de un riff de Page y con un curioso acompañamiento de cello. Smile On Me es un torbellino eléctrico 2 veces roto por un interludio blues con unos mágníficos punteos de Jimmy; excelente la vocalización de Keith Relf. White Summer es una de las joyas del disco, un tema de corte Hindú pero con guitarras acústicas emulando la función del sitar; un tema muy querido por Page hasta el punto que siguió figurando por años en el repertorio de Led Zeppelin. Tinker Taylor Soldier Sailor es un rock propulsivo donde Jimmy por primera vez toca la guitarra con arco de violín, un recurso que también explotaría en LZ. Glimpses nos remite a los Yardbirds místicos y orientalistas de Still I'm Sad y Turn Into Earth, el final con samplers de voces y diversos efectos se adelantó en casi 1 año al experimentalismo de gente como los United States Of América, la Westcoast Pop Art Experimental Band o los Holy Modal Rounders. Drinkin' Muddy Water es otro salto al pasado, esta vez a los Yardbirds de sus inicios R&B con una irónica letra llena de dobles sentidos (Drinkin' Muddy Water ... Drinkin' Marihuana, frases pronunciadas de manera que ambas suenan iguales). No Excess Baggage es Heavy Rock en estado germinal, mostrando nuevamente una puerta abierta al futuro. Stealing Stealing es casi una broma, una pauta de distensión con toques de Vaudeville que resulta de lo más refrescante. La solemne Only The Black Rose, muestra el camino por los que Keith & Jim transitarían con Renaissance y es en su oscura belleza otro de los grandes momentos del disco. El album original se cierra con la inocente e irónica Little Soldier Boy con su claro mensaje antibélico. La presente edición si bien no está remasterizada tiene buen sonido y viene con 8 bonus tracks: los antes citados singles donde el único Yardbird presente es Keith, el otro single Goodnight Sweet Josephine en 2 versiones (la Inglesa y la Americana con phasing agregado para hacerla sonar psicodélica), 2 magníficas B sides en clave Heavy Rock (Puzzles y Think About It) y una sing-a-long que parece grabada por unos borrachos en un pub (I Remember The Night). Mención aparte merece el tema Together Now pues no pertenece a The Yardbirds, fue grabada por Keith Relf & Jim Mc Carty bajo el pseudónimo de Together y constituyó la primera piedra en la formación de Renaissance. Lamentablemente el fracaso de los singles de Mickie Most hizo que el disco no saliera entonces en Inglaterra y fuera mal distribuido en USA, un poco glorioso epitafio para una de las más influyentes bandas de su tiempo; como dijo una vez Jimmy Page "jamás me avergonzaré de haber tocado en Los Yardbirds, pudimos haber sido la banda más grande de la historia".

Rip hecho con Exact Audio Copy
Codificado con Flac Frontend en Flac level 8 (avg. bitrate 729 kbps)

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miércoles, 23 de julio de 2008

Uriah Heep - Fallen Angel [1997 Remaster] (1978 UK Hard Rock)

En 1977 Uriah Heep con una nueva formación que incluía al cantante John Lawton y al bajista Trevor Bolder edita uno de sus mejores discos, Firefly . A pesar de su calidad y los buenos comentarios de la prensa, los fans lo recibieron con frialdad quizá por considerar que sin el cantante original David Byron ya nada sería igual (30 años depués algunos piensan aún así). En un intento por recuperar la fama perdida, el siguiente disco Innocent Victim (1977) mostraba ciertos visos de comercialidad con resultados ambíguos, a pesar que uno de sus temas (Free Me) sería un hit en varios países Europeos. Con el siguiente disco, el presente Fallen Angel, trataron de recuperar la credibilidad, el resultado fue un muy buen disco, superior a su predecesor, pero que aún mostraba ciertas lagunas. El inicio es demoledor con Woman Of The Night, rock duro, compacto e incisivo muy bien ejecutado y que presagia lo mejor. El siguiente Fallin' In Love es casi la continuación del anterior, de no ser por el espacio de silencio entre ambos hasta se diría que es el mismo tema, pero el resultado lejos de repetitivo resulta efectivo. One More Night mantiene la línea dura pero esta vez se trata de un driving-boogie en la línea de antaño tipo Easy Livin' (quizá el tema más conocido UH) con un corto y corrosivo solo de guitarra. Put Your Lovin' On Me es simple y llanamente un tema correcto sin más. Come Back To Me es una de las baladas más conocidas de la banda pero que a mí no me acaba de convencer, agradable y ligeramente cursi. La debacle se llama Whad'ya Say, un vulgar intento por hacer Disco Music (!!!). Aún no respuestos del shock suena Save It con una introducción que promete pero que lamentablemente se diluye en una canción festiva de lo más intrascendente, y que sólo se salva en el break central donde Mick Box y Ken Hensley se enfrascan en un duelo de guitarras sobre el motivo inicial. Por fortuna a partir de aquí el disco comienza a coger vuelo nuevamente con la magnífica Love Or Nothing, tema semi-acústico que de no ser por la letra habría calzado perfectamente en Demons & Wizards o The Magician's Birthday, virtud de su mágica atmósfera. I'm Alive es el mejor tema del disco, una joya de principio a fin que arrasa los oídos y nos remite a los mejores temas de la banda (gran trabajo de Trevor Bolder al bajo). El final es de antología, con la balada progresiva Fallen Angel, para muchos la mejor canción de la etapa Lawton, muy bien conducida por la guitarra acústica y el sintetizador, una letra que es pura poesía, hermosas armonías vocales y todo un derroche de talento vocal por parte de John. Los bonus tracks de esta edición remasterizada confirman que la falla de este disco no fue de calidad sino de selección, bastaba poner la mágica Cheater y la soulful A Right To Live en lugar de la bochornosa Whad'ya Say y la grisácea Save It respectivamente, y de seguro estaríamos hablando de uno de los grandes discos de finales de los 70. Del resto una excelente edición, impecablemente remasterizada por Robert Corich y con un desplegable que incluye comentarios de Mick Box y Ken Hensley, datos y las letras de los temas.

Rip hecho con Exact Audio Copy
Codificado con Lame 3.98 Beta 6 a 320 kbps

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martes, 22 de julio de 2008

Mad Season - Above (1995 US Rock)

Un salto hacia adelante respecto a la música de este blog: los primeros años 90, una etapa que para mí fue tan buena como cualquier otra época dorada del Rock. Primero por la gran cantidad de nuevas bandas que traían aires de frescura tras los maquinalmente aburridos años 80; segundo por la relación calidad/cantidad de la oferta musical, pues no sólo se grabaron decenas y decenas de discos sino que se trataban de grandes discos, algunos muy promisorios de cara al futuro y otros que se revelaron como auténticas obras maestras del rock; y tercero porque todas sin excepción trajeron consigo un proceso de revalorización de las grandes bandas de los 60 y 70, a diferencia del punk que en los 70 renegaba visceralmente del pasado musical como si todo lo anterior a ellos fuese basura. Y si, por ejemplo, el legado de Neil Young es hoy en día valorado en su justa dimensión y el hombre está más de moda que nunca se debe indirectamente a la reivindicación pública que le hizo gente como Pearl Jam. El disco que aquí les ofrezco es a mi juicio uno de los más brillantes trabajos de la pasada década, un proyecto paralelo que bajo el nombre de Mad Season cobijó en 1995 a un pequeño grupo de leyendas de entonces: el fallecido vocalista de Alice In Chains Layne Staley, el guitarrista de Pearl Jam Mike McCready y el baterista de Screaming Trees Barrett Martin, apoyados por el bajista de sesiones John Baker Saunders, quienes juntos facturaron un disco sobresaliente, un disco que fue más que la suma de sus partes; canciones duras, oscuras y cargadas de densidad, un disco que quizá refleja el tormento que Staley vivía entonces en su lucha contra la adicción a la heroína a través de unos textos fatalistas e indolentes, arropados por la Zeppeliniana guitarra de McCready y la vibrante sección rítmica del dueto Saunders/Martin. Sonido duro, pesado pero sin llegar nunca a desbocarse descontroladamente (en este aspecto me recuerda mucho al primer trabajo de David Gilmour, ex guitarrista de Pink Floyd). Un disco atemporal que recomiendo a todos los fans del Rock con R mayúscula, no importa sus preferencias.

Rip hecho con BonkEnc Audio Encoder
Codificado en formato Ogg Vorbis avg. bitrate 467 kbps

Parte 1
Parte 2
Parte 3


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lunes, 21 de julio de 2008

The Move - Flowers In The Rain EP (2007 UK Pop)

A fin de completar la primera tanda de los últimos lanzamientos de The Move, anexo este EP para todos aquellos que no lo han bajado todavía de los otros sites donde lo tengo publicado. Lanzado tanto en CD como en vinilo, dicho EP constituye una especie de sampler de los lanzamientos programados para el 40 aniversario de The Move y que ya he publicado en este blog; contiene una nueva mezcla en stereo del célebre single Flowers In The Rain (famoso por ser el primer tema que transmitió Radio One de la BBC, y también por el escándalo que suscitó su polémica portada), Beautiful Daughter del album Shazam, un single-edit de Feel Too Good y una versión instrumental de Fire Brigade nunca antes editada. Que lo disfruten.

Rip hecho con Exact Audio Copy
Codificado con Lame 3.98 Beta 6 a 320 kbps

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The Move - Looking On [2008 Deluxe Expanded Edition] (1970 UK Rock)

Tercera entrega de las ediciones remasterizadas conmemorativas de los 40 años de The Move, correspondiente en este caso al tercer disco de la banda Looking On, el primero sin el cantante original Carl Wayne, cuyo puesto fue tomado por uno de los músicos clave de los futuros 70 y 80, Jeff Lynne. Después de un album debut enmarcado en la florida escena psicodélica pop Británica, y un segundo album que se desprendió de esa directriz pop para adoptar un sonido más duro y por momentos progresivo, este Looking On nos presenta a unos Move más directos y viscerales, su nuevo sonido caracterizado por densos riffs de guitarra, largas líneas de bajo y batería pesada y atronadora los coloca a la vanguardia de los pioneros del más puro heavy rock, un heavy rock por momentos suavizado con elementos Blues y Jazz y toques barrocos gracias a una variada gama de instrumentos (piano, sitar, banjo, vientos, secciones de cuerda) pero heavy rock al fin ... o proto-heavy metal si así lo prefieren. No obstante la dureza no es impedimento para unas canciones muy bien trabajadas en el plano melódico y formal. Sin querer caer en comparaciones, encuentro muchos ecos de este disco en algunas noveles bandas Inglesas de entonces, como los Uriah Heep de su primer album, por ejemplo, cosa que por lo demás no tendría nada de extraño pues los Heep prácticamente nacieron cuando The Move iniciaban su ocaso. Repasen el disco de punta a punta a través de las letales Looking On, Turkish Tram Conductor Blues y When Alice Comes Back To The Farm, la oscura What? o la dramática Open Up Said The World At The Door, amén del tema-hit del disco (el clásico Brontosaurus) y la extravaganza psycho-soul de Feel Too Good, y sabrán a qué me refiero. Volviendo a esta edición 2008 me parece que es el disco que más se ha beneficiado del proceso de actualización, la definición del espectro sonoro es sencillamente espectacular y deja bien atrás al mismísimo remaster Alemán del sello Repertoire que de por sí era muy bueno. Los Bonus Tracks son también muy buenos e incluyen outtakes de 5 temas del disco original, el excelente Lightin' Never Strikes Twice (b-side de Brontosaurus) y la inédita The Duke Of Edimburgh's Lettuce, posteriormente descartada como tema individual y agregada a la coda de Feel Too Good (supongo que tras el chasco de Flowers In The Rain lo mejor era no correr riesgos). Nuevamente la presentación gráfica es modélica. Un sólo detalle hay que criticar: la no inclusión de los bonus tracks online de las 2 ediciones anteriores; la explicación es que no han encontrado entre las cintas más material adicional, pero prometen remediarlo en el futuro (por lo demás impreciso). Ahora sólo nos resta esperar por la caja de 4 CD's anunciada para Octubre y el tantas veces prometido Live At The Fillmore West. Crucemos los dedos.

Rip hecho con DbpowerAmp CD Ripper
Codificado con Lame 3.97 a 320 kbps

Parte 1
Parte 2


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Yehudi Menuhin & Ravi Shankar - Menuhin Meets Shankar (1968 UK Raga)

Muchas gracias a Babelain, amigo de este blog, por cederme gentilmente este CD para su publicación. Yehudi Menuhin fue uno de los más grandes violinistas contemporáneos. Nacido en EUA de padres Bielorrusos-Judíos (aunque posteriormente tomaría la ciudadanía Británica), creció en una familia 100% musical (sus hermanas fueron eximias concertistas de piano). Músico precoz, fue educado desde muy niño en el aprendizaje del violín, pero la falta de un entrenamiento adecuado hizo que en la madurez sufriera molestias con las articulaciones. Durante la segunda guerra mundial fue reclutado para girar por Europa tocando para las tropas aliadas, y finalizada esta fue el primer músico de origen Judío en tocar en la nueva Alemania como gesto de reconciliación. Pero el exceso de trabajo durante esos años agravó sus dolencias, las cuales logró superar gracias a la práctica del Yoga y la Meditación. Estas actividades lo pusieron en contacto a finales de los 50 con las doctrinas Hinduístas que comenzaban a expandirse por Occidente y por supuesto con la música Hindú. Músico de mente muy abierta (colaboró varias veces con el violinista Francés de Jazz Stephanie Grapelli) a mediados de los 60 conoce al maestro del sitar Ravi Shankar y en 1968 graban juntos este estupendo disco que sería la primera de varias colaboraciones musicales entre ambos. Si bien el violín no es un instrumento completamente ajeno a la tradición Hindú, su introducción en la música de Shankar fue toda una revelación pues la empatía musical entre ambos genios creó momentos de inagotable riqueza, unas veces complementándose mutuamente, y otros enfrascados en maravillosos duelos capaz de dejar atónito al más escéptico. Tengo un recuerdo muy personal de esta dupla pues ambos vinieron a mi país en 1.983 invitados por el Ministerio de la Cultura a inaugurar el Complejo Cultural Teresa Carreño (uno de los más fastuosos de Latinoamérica) como participantes del Primer Festival Internacional de Música de Caracas. Como la entrada a los eventos era gratuita, el teatro se sobrellenó en menos de 1 hora, lo que obligó a los organizadores a repetir la función al día siguiente, retransmitiéndola en vivo por la TV estatal para evitar un nuevo llenazo. Yo fui uno de los tantos que se pegó al televisor atraído por la leyenda de Shankar y su vinculación con George Harrison, para luego presenciar uno de los mejores recitales que al menos un servidor ha tenido el privilegio de escuchar y ver. Desde entonces la música Hindú dejó ser una referencia exótica para pasar a ser una constante en mis gustos, y este soberbio CD me ha hecho revivir esa mágica tarde de hace 25 años. De más está invitarlos a liberarse de prejuicios y relajarse disfrutando con la estupenda fusión musical de 2 mundos en apariencia diferentes pero que constituye la más clara demostración del poder de la música para unir a la gente.

Rip a 320 kbps & Scans by Babelain

Parte 1
Parte 2

domingo, 20 de julio de 2008

Various Artists - Essential Sun Records (2004 US Rock and Roll)

Cuando a finales de los 60 Sam Phillips le vendió el catálogo de Sun Records al sello Inglés Charly, quizá no vislumbró que su legado llegaría hasta el nuevo milenio en tan perfecto estado de salud; el trabajo hecho desde entonces por este sello para la preservación y difusión de las raíces del Rock And Roll ha sido más que modélico gracias a ediciones hechas con seriedad y mucho esmero; un sello discográfico para fans dirigido por fans. Hablando de Sun Records, esta fue nada más y nada menos que la casa del Rock And Roll. Fundado y dirigido por el ya citado Sam Phillips, Sun fue más que un sello discográfico, fue una auténtica familia musical. Siendo un sello que albergó por igual a artistas blancos y negros (en una época donde el racismo alcanzaba su apogeo en USA), esta confluencia de estilos (Country, Hillibilly, Bluegrass, Rhythm & Blues, Blues, Doo-Wop) fue la que dió nacimiento al Rockabilly, la primera forma de Rock And Roll. Fue en Sun donde Elvis Presley (un descubrimiento de Phillips) grabó sus primeros singles; fue en Sun donde dieron sus primeros pasos dos artistas clave para la evolución y el asentamiento del Rock And Roll: Jerry Lee Lewis y Carl Perkins. Siendo un lugar totalmente abierto a la creación Sun le dió la primera oportunidad a futuros monstruos de la música en otros estilos como Roy Orbison, Conway Twitty, Johnny Cash, Howlin' Wolf y Rufus Thomas, amén de una larguísima serie de promesas que en otras circunstancias y con un poco más de suerte hubiesen pasado a la historia en primera fila merced de su gran calidad: Sonny Burgess, Warren Smith, Charlie Rich, Rosco Gordon, Gene Simmons (nada que ver con quien ustedes creen), Little Junior Parker, Billy The Kid Emerson ... en fin, diamantes en bruto que lamentablemente no encontraron al joyero que los puliera convenientemente. Entre los múltiples lanzamientos que Charly (por cuenta propia o con licencias cedidas a otros sellos como Bear Family y Varese Sarabande) ha hecho desde el 2002 para conmemorar los 50 años del nacimiento del Rock And Roll existen recopilaciones simples, dobles, triples y cajas, tanto de artistas individuales como colectivas. Entre todo este material figura este magnífico doble CD que repasa a lo largo de 60 canciones parte de la brillante historia de Sun Records. Detenerse en el detalle resultaría cansino y supérfluo pues cada uno de estos 60 temas es de indispensable escucha, pero a manera documental hay que citar la inclusión de Rocket 66, compuesta por un joven llamado Ike Turner (¿les suena?) e interpretada por Jackie Brenston & His Delta Cats, considerada por los historiadores como la primera légitima canción de Rock And Roll.

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sábado, 19 de julio de 2008

The Doors - Strange Days [40th Anniversary Mixes] (1967 US Rock)

Segunda entrega de la discografía de The Doors en nuevas mezclas hechas por los miembros supervivientes y el ingeniero de sonido Bruce Botnick para conmemorar los 40 años de la banda. No pienso extenderme en el comentario pues el foco de atención no es el contenido de un disco que todos conocemos de sobra sino las mezclas que tanta polémica han despertado. Sólo agregaré que se trata de la obra más lisérgica de The Doors, tanto en música y letra como en estética, y que los puso a la cabeza de la nueva concepción del rock como vehículo para trascender artísticamente (escuchar la sorprendente Horse Latitudes como ejemplo de lo expuesto). A pesar que todas las canciones ya existían (algunas datan incluso de las primeras demos en 1965) la banda se tomó más tiempo para grabarlas pues su nuevo status de estrellas les permitió más recursos y tiempo de estudio, lo que se tradujo también en una producción más formal. Aunque no aparece en los créditos el bajista Douglas Lubann de la banda Clear Light toca en algunos temas. Excelente edición con 2 bonus tracks y un estupendo libreto.

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viernes, 18 de julio de 2008

David Gilmour - David Gilmour (1978 UK Rock)

En mi opinión muy personal este es junto a los 2 trabajos de Syd Barrett el mejor disco de cualquier miembro de Pink Floyd. Un disco hecho a base de canciones simples pero efectivas y con una fuerte carga emocional. Grabado con pocos recursos, con la ayuda de un núcleo de amigos (Rick Wills - bajo, Willie Wilson - batería), David Gilmour facturó un soberbio disco de Rock, relajado, mágico en su sencillez, sin exhibiciones gratuitas de guitarra y muy equilibrado; un disco que ni se desboca excesivamente en los temas más duros ni languidece en los temas mas suaves, un disco de "electricidad controlada" como lo catalogaría un crítico de la época y que representa la antítesis de la sobreproducción que dominaba en los últimos trabajos de Pink Floyd. Mihalis es un instrumental que abre el disco con los mejores augurios con la guitarra de David dibujando las notas ascendentemente y la sección rítmica apoyándolo a la perfección. There's No Way Out of Here pertenecía a un desconocido grupo Inglés llamado Unicorn y grabada para un disco que Gilmour les produjo en 1974; David había quedado prendado con la melodía y no pudo resistir la tentación de hacer su propia versión que es uno de los momentos más efectivos del disco, con un coro femenino creando una sensación casi onírica. Cry From the Street es el tema más Heavy del disco: riff omnipresente, bajo y batería con perfección de relojería Suiza, la voz de David en eco, buen solo de guitarra y un final a todo galope. So Far Away es en contraposición el momento más melódico y emotivo del disco, conducida por el piano (tocado a la vez por David y otro amigo llamado Mick Weaver) y una impecable (y muy sensitiva) vocalización de Gilmour apoyada nuevamente por las chicas del coro. Sigue el que, a mi juicio, es el mejor tema del CD, Short And Sweet, compuesta junto a su amigo y leyenda del Folk Británico Roy Harper, con una grandiosa y casi orquestal introducción de guitarras, un desarrollo sencillamente espectacular y una vocalización (en double track) perfecta. Raise My Rent quizá sea el tema más cercano a PF de todo el disco, un denso instrumental conducido por la guitarra y que no habría desentonado para nada en Animals. No Way es otro de los puntos fuertes, similar a Cry From The Street pero con un aire decididamente soulful, guitarra incisiva y unas armonías vocales que se te quedan grabadas en la mente. Deafinitely es un torbellino instrumental que te arrastra hasta dejarte emocionalmente exhausto, quizá el único tema que podría llamarse exhibicionista sin que esto signifique que flote en el vacío sino todo lo contrario. El disco se cierra de manera muy sencilla con I Can't Breathe Anymore, un inicio acústico, muy melódico que se quiebra por el peso instrumental del trío en una coda que rápidamente se diluye dejando un muy buen sabor en la boca, y las ganas de volver a presionar Play. El disco fue remasterizado en el 2006 pero la aquí presente es la primera versión en CD de principios de los 90; la compré en un viaje a México después de años buscándolo al romperse la cinta donde lo tenía grabado, y la verdad no suena nada mal; al menos me ha servido para volver a revivir los múltiples placeres que me proporcionó en mi adolescencia.

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John Coltrane - Live At The Village Vanguard ... The Master Takes (1998 US Jazz)

En 1961 John Coltrane al frente de su propio cuarteto (McCoy Tyner - piano, Reggie Workman - contrabajo alternándose con Jimmy Garrison, Elvin Jones - batería) es contratado para cuatro noches en el prestigioso club Village Vanguard de New York, y los asistentes presenciaron sin saberlo el nacimiento de un nuevo capítulo en la evolución del jazz. Ese mismo año Trane había cosechado su primer impacto comercial con su versión del tema standard My Favourite Things, convertido en una suite influenciada por el espiritualismo Hindú que se estaba asentando entre los menos conservadores de la comunidad Jazzística. Con la confianza adquirida, Trane aprovecha el debut en vivo de su nueva banda para iniciar su propia revisión de la tradición del Jazz y buscar un nuevo lenguaje sonoro que implicaba el uso cada vez mayor por parte suya del saxo soprano (variante muy poco utilizada hasta entonces) y la mutación de los roles convencionales en su banda para evocar la atmósfera de las ragas Hindúes pero sin dejar la estética del Jazz. Por supuesto que dicha revolución no tuvo lo que llamaríamos una cordial bienvenida por parte de los círculos ortodoxos (tanto de la prensa como del público), se le acusó de transgresor y hubo quien calificó esos conciertos como anti-jazz pero a la larga no les quedó más remedio que rendirse a las evidencias. El documento sonoro de dichos experimentos apareció en 1962 con el título de Live At The Village Vanguard con 3 temas de esos conciertos (Spiritual, Softly As In A Morning Sunrise y Chasin' The Trane); poco después Trane incluyó otros 2 temas de esas sesiones (India e Impressions) en su album Impressions de 1963. Esta edición remasterizada en 1998 junta los 5 temas en su sólo CD, aunque para los que deseen ir hasta el fondo existe una caja de 4 CD's, The Complete 1961 Village Vanguard Recordings (1997), con la totalidad de lo que se grabó en aquellas 4 noches. De más está decir que este disco en su edición original fue la plataforma de lanzamiento de la llamada "fase mística" de Trane que alcanzaría su zenit 2 años depués al grabar uno de las mejores obras de todos los tiempos: la sublime oda A Love Supreme. Mención especial merecen las piezas Spiritual e India donde Coltrane hace una insólita dupla con el joven saxofonista Eric Dolphy ejecutando el clarinete bajo (algo insólito en el Jazz) creando sonoridades de una extraña belleza para regocijo de los progresistas y la mortificación de los puristas; de haber dependido de éstos aún estaríamos anclados en el viejo Jazz de Nueva Orleans.

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miércoles, 16 de julio de 2008

Link Wray - Rumble! The Best Of Link Wray (1993 US Instrumental Rock)

Otro de los grandes innovadores de la guitarra eléctrica y el primero nacido en plena fiebre del Rock And Roll fue sin duda Link Wray. Nacido Frederic Lincoln Wray en 1929 (Carolina del Norte) y descendiente de indígenas Norteamericanos, Link comenzó en la música al formar con sus hermanos Vernon & Doug la banda Lucky Wray & The Lazy Pine Wranglers, nombre posteriormente cambiado a Lucky Wray & The Palomino Ranch Hands para finalmente quedarse como Link Wray & The Ray-men con Link al frente como primera guitarra. Fascinado con el sonido de la nuevas guitarras eléctricas Gibson, Link era un curioso joven en busca de su propio estilo; un día al enchufar y tocar su guitarra percibe una extraña vibración que sale del amplificador, al revisarlo nota un agujero en el mismo por donde el sonido se "escapa" e intuitivamente (al menos así cuenta la leyenda) hace más agujeros, resultando en un sonido sucio con alta distorsión; para realzar el efecto Link toca su guitarra en el intervalo de quinta (disculpen si la cita es errada pero no soy guitarrista) naciendo así la llamada Power Chord, recurso que se convertiría en al ABC de los primeros guitarras de Hard Rock. Con este descubrimiento Ray graba el tema Rumble, censurado en las radios por la enorme carga de violencia implícita que producían esos extraños acordes realzada por un arreglo de los más oscuro y tétrico, mas eso no fue impedimento para que el tema llegara al Top 15 de los charts nacionales y pasara a la historia como el arquetipo de la dura y agresiva guitarra rockera. Lamentablemente todas las grabaciones posteriores no tuvieron el mismo impacto comercial, aunque musicalmente Wray siguó innovando y poduciendo temas de calidad como Rawhide, Ramble, Jack The Ripper, Deuces Wild & Ace Of Spades. Errando de una disquera a otra (aunque el grueso de su catálogo lo hizo con Epic, subsidiaria de CBS) y cediendo ante la presión de productores que le exigían un nuevo Rumble - de ahí la gran cantidad de secuelas del famoso tema: Ramble, Rumble Mambo, Rumble '68, I Got To Ramble, etc. - Link fue cayendo en el olvido. En 1993 el sello Rhino lanza esta estupenda colección, corta pero muy bien seleccionada, como una premonición de la reivindicación de nuestro héroe gracias al uso de Rumble en diferentes bandas sonoras, permitiendo a Wray abrir un nuevo compás en su carrera, recibiendo homenajes, citado como influencia por muchos guitarristas, grabando nuevos discos y dando giras por todo el mundo hasta su muerte en el 2005. Estas 20 canciones son sin lugar a dudas todo un pedazo de historia del Rock And Roll.

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The Shadows - The Shadows' Greatest Hits [2004 Remaster] (1963 UK Instrumental Rock)

The Shadows fue la banda de rock más grande de la Inglaterra pre-Beatle. Formados inicialmente por Hank Marvin (guitarra solista), Bruce Welch (guitarra rítmica, sustituído por Brian Bennett en 1963), Jet Harris (bajo) y Tony Meeham (batería), ejecutaban el típico rock instrumental de su tiempo, similar al que practicaban en EUA bandas como The Fireballs y con ciertos puntos de coincidencia con el Surf, pero con estilo y personalidad propias. Fueron inmensamente populares en Gran Bretaña, parte de Europa continental, Canadá, Australia e incluso Sudamérica (aquí en Venezuela fueron muy versionados por las primeras bandas de Rock del período 60-64). En EUA su impacto fue infinitamente menor (como todo lo proveniente de Gran Bretaña entonces) aunque el eco de Apache (su hit más grande) también se haría sentir. En Inglaterra llegaron a ser el grupo más imitado por las noveles bandas de rock, de hecho, Los Beatles surgieron como la respuesta anti-Shadows de unos chicos que se negaban a ser unos imitadores más y resulta irónico que la primera composición original de los Fab Four en su etapa de Hamburgo fuera un tema de Lennon/Harrison que parodiaba a The Shadows (Cry For A Shadow). En Canadá, por ejemplo, fueron los favoritos de un tal Neil Young cuya primera banda The Squires replicaba descaradamente a The Shadows. Artífices de su éxito fueron su brillante repertorio y su gran cohesión instrumental donde destacaba Hank Marvin, uno de los grandes guitarras de su tiempo al nivel de sus pares Noerteamericanos Duane Eddy, George Tomsco, Link Wray y Dick Dale. Este recopilatrorio se editó en 1963 como cierre de su época dorada que ya se veía afectada por la irrupción de Los Beatles, no obstante tuvo el honor de permanecer 49 semanas en los charts Británicos, de las cuales 41 semanas fueron en el top 10 y 8 semanas entre los puestos 1 y 2 desplazada sólamente por Please Please Me y With The Beatles. Todos sus clásicos inmortales están aquí: la ya citada Apache (el tema de rock instrumental por excelencia), Man Of Mystery (con un soberbio solo de Hank Marvin), la bellísima Wonderful Land y el bonus track inédito Quartermassters Stories. La presente edición remasterizada en el 2004 contiene el album original en mono y stereo junto a un conciso y bien anotado libreto. Sin duda toda una joya perdida en el tiempo.

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Parte 2


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martes, 15 de julio de 2008

Gene Krupa - The Drum Battle [1999 Remaster] (1952 US Jazz)

Este rip no es de mi autoría, lo conseguí hace años en un torrent (hasta hace poco fui un incondicional de los torrents) pero deseo compartirlo pues es el tipo de discos de Jazz que todo el mundo debería escuchar, al ofrecer una faceta menos académica y más cálida de este estilo musical. Año 1952, un local prestigioso mas no muy grande (el Philarmonic Concert Hall de New York), una magna ocasión (la serie de recitales semanales organizados por Norman Ganz con el nombre de Jazz At The Philarmonic), un público nada formal dispuesto a pasarla bien (no imagino a ningún snob colado esa mágica noche) y el Gene Krupa Trio. Para quienes no lo conozcan, Gene Krupa es la más grande leyenda de la batería jazzísitica; si leyeron mi reseña del CD de T-Bone Walker, podríamos afirmar que Krupa fue a la batería lo que T-Bone a la guitarra eléctrica: el músico que elevó de categoría el rol de la batería en el Jazz, abriendo el camino para la irrupción de los bateristas solistas, incluso en el Rock. Su técnica era absolutamente perfecta, limpia e impecable y su velocidad (recurso del que él modestamente jamás abusaba) era impresionante; bastaría remitirse a uno solo de los temas aquí incluidos (Drum Boogie) para comprobarlo, pero a lo largo de todo el registro sobran la muestras de su talento. El repertorio es puro swing del mejor, donde además del líder destacaba el pianista Hank Jones cuyo estilo hacía supérflua la presencia de un contrabajista y el saxo sensual de Willie Smith. En el tema The Drum Battle sube a escena otro de los pesos pesados de la batería en el Jazz, me refiero al no menos grande Buddy Rich para dilucidar en una corta batalla quien es el mejor (de ahí el título del disco), pero el único gran ganador es el público que se lo pasa de maravilla con semejante exhibición de técnica percusiva. El último tema es una interpretación colectiva de todas las estrellas que participaron esa noche, con la sublime voz de Ella Fitzgerald en un corto pero perfecto scat. Recomendado a cualquier amante de la batería, gústele o no el Jazz.

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The Doors - The Doors [40th Anniversary Mixes] (1967 US Rock)

La explotación del legado de The Doors por parte de los 3 miembros supervivientes parece no tener fin. Desde la inducción de la banda en ese adhefesio conocido como Rock & Roll Hall Of Fame, los lanzamientos discográficos han sido incontables: CD's en vivo (casi que uno por cada ciudad que visitaron), cajas (The Doors Boxset, The Studio Recordings, Love/Death/Travel, Perception), los remasters a 24 bits, recopilatorios, DVD's ... y justo cuando parecía que el baúl se estaba vaciando aparecieron el pasado año 2007 mezclas alternas de los 6 albumes de estudio, editadas individualmente para conmemorar los 40 años del debut de la banda. Para ello Ray, Robbie, John y su fiel ingeniero de sonido Bruce Botnick se metieron al estudio con las multitracks originales a fin de buscar partes instrumentales y vocales desechadas en su momento para reinsertarlas en los 6 discos, y hacer además algunos pitch adjustments de los temas a fin de ajustarlos en velocidad con las ediciones originales en vinilo. Hay que estar claros en que los 3 Doors no han puesto los discos de cabeza como algunos creen, y que estos suenan similares a las versiones que conocemos, pero llama la atención a la primera escucha una mejor definición del espectro sonoro y mayor nitidez en los instrumentos. Las nuevas partes han generado todo tipo de opiniones, críticas y polémicas: para unos son un toque de frescura, para otros son una profanación; para unos permiten escuchar los viejos discos desde otra perspectiva, para otros las novedades simplemente son inaudibles. No voy a entrar en el detalle de las diferencias entre ambas mezclas (la original vs. la nueva) pues la idea es que cada quien juzgue por sí mismo; en lo particular yo he disfrutado mucho con estas nuevas mezclas pues me han permitido cambiar mi opinión sobre algunos temas que ahora me gustan más que antes, aunque, repito, cada quien tendrá su propia impresión al respecto. La presentación está muy bien hecha, el libreto es excelente (contiene 2 ensayos, fotos inéditas y las letras de las canciones) , pero los bonus tracks son los mismos de los remasters y de la caja Perception. Sea como sea, no está de más darle una nueva revisión a uno de los mejores discos-debut de toda la historia del Rock, un disco que en cierta manera le abrió al público joven las puertas de la literatura y de la experimentación musical.

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Velvet Underground - The Velvet Underground & Nico [2002 Deluxe Edition] (1967 US Rock)

Velvet Undergound, el grupo maldito por excelencia, una falla en el tejido del movimiento Hippie, una banda que tuvo que morir para descubrir su grandeza. Nacidos en esa Babilonia moderna llamada New York, fueron la suma de 5 personalidades musicales de lo más dispares: Lou Reed, un chico neurótico cuyas composiciones hablaban de caos, muerte, sexo, perversión y drogas; John Cale, tránsfuga de la música de vanguardia y ejecutante de la viola eléctrica cuando aún muchos no habían asimilado completamente las guitarras; Maureen "Mo" Tucker, una chica que trasladó a la batería su interés por las percusiones tribales prescindiendo casi totalmente del uso de los platillos; Sterling Morrison, el multi-instrumentista que hacía de pegamento amalgamando los 3 elementos anteriores. Y como guinda la bella Nico, un objeto decorativo impuesto a la banda por su mecenas Andy Warhol pero cuya voz mortuoria le daba su justa dimensión a 3 de las canciones más emblemáticas de este primer registro. Fueron la antítesis en música y letra del movimiento Pop y de la contracultura; sus discos parecían más bien sesiones de afinamiento con chirridos, distorsiones y feedback sonando por doquier; y sus canciones las menos indicadas para animar una fiesta: I'm Waiting For My Man, Run Run Run y Heroin eran viajes de pesadilla al mundo de las drogas duras; Venus in Furs era perversa y sadomasoquista; All Tomorrow's Parties parecía el eco proveniente de una tumba profanada; The Black Angel's Death Song sonaba como el preludio del día del apocalipsis; European Son era un asalto eléctrico a los sentidos, casi como una sesión de electroshock; Sunday Morning, Femme Fatale, There She Goes Again y I'll Be Your Mirror pudieron haber pasado por convencionales de no ser por la atmósfera decadente que las envolvía. No obstante estas "objeciones" los Velvet sonaban únicos, vanguardistas y excitantes. A veces me pregunto que habría sido de ellos si tras separarse de la banda Lou Reed no se hubiera hecho famoso. Esta edición de lujo de su excelente e influyente disco debut le hace plena justicia a su leyenda: el album original en stereo y mono (esta última editada por primera vez en CD), 2 singles con mezclas diferentes y 5 temas del primer album solista de Nico Chelsea Girl, compuestos inicialmente para el repertorio Velvet y grabados por aquella con la ayuda de Lou, John & Sterling. Ni el punk en su máximo apogeo pudo tan siquiera igualar semejante monumento al caos sonoro.

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domingo, 13 de julio de 2008

The Andrew Oldham Orchestra - The Rolling Stones Songbook [2004 Remaster] (1966 UK Instrumental Rock)

Andrew Loog Oldham fue el primer mánager de Los Rolling Stones y un tipo que genera sentimientos encontrados. Una persona que le hizo tanto bien como daño a sus ex apoderados. Por un lado él fue el artífice del éxito de Los Stones; como dijo Mick Jagger la pasada década en un documental televisivo para la BBC: "Andrew tenía el talento para pulir un diamante en bruto, sabíamos que la fama nos llegaría en algún momento pero sin él todo habría tardado mucho más tiempo". Más elocuente no puede ser. Pero Oldham era un tipo codicioso y cuando intuyó que Los Stones darían mucho dinero se encargó también de la producción para quedarse con una mayor porción del pastel; el problema fue que sus conocimientos musicales eran nulos, y esa es la razón por la que los primeros discos de Los Stones son un desastre en términos de producción, como dijo un periodista Norteamericano de la época "los discos de The Rolling Stones parecen grabados desde una cabina telefónica durante una llamada de larga distancia". Los discos sonaban brillantes sólo porque la banda y las canciones lo eran. Por otra parte, Andrew entró al negocio musical como empleado del mánager de Los Beatles Brian Epstein, y siendo testigo del éxito de los Fab Four, no tuvo rubor en copiar algunos de los métodos y decisiones de Brian: cuando Los Beatles se convirtieron en el conjunto más popular de Gran Bretaña tras su aparición en el programa televisivo Sunday Night At The Palladium, Andrew se las ingenió para que Los Stones tocaran allí también; cuando Lennon/Mc Cartney se convirtió en la dupla compositiva N° 1, Andrew presionó a Mick Jagger y a Keith Richards para que compusieran juntos (hay incluso una famosa leyenda, por supuesto desmentida, que dice que Andrew encerró a los dos en una habitación con un guardia en la puerta y no les permitió salir hasta haber compuesto un buen puñado de canciones); cuando Los Beatles maravillaron al mundo con su película A Hard Day's Night, Andrew hizo planes para que Los Stones también filmaran una llamada Only Lovers Left Alive, un bodrio que gracias a Dios y a todos los santos la banda se negó a hacer. Y cuando George Martin aprovechó su fama como productor de Los Beatles para lanzar discos con versiones instrumentales de sus pupilos, Andrew hizo lo propio editando este disco en 1966 a nombre de The Andrew Oldham Orchestra (advertencia: no acepto quejas airadas de fans recalcitrantes de Los Stones, amo ambas bandas y esta no es mi opinión, es historia). El resultado es uno de los productos más empalagosamente Kirsch que puedan pasar por tus oídos. Por supuesto el disco ya ocupaba su lugar en el gran basurero de la historia cuando en 1997 la banda Pop Británica The Verve sampleó la versión de The Last Time de Oldham en su clásico Bittersweet Symphony. Andrew junto a Jagger/Richards entablaron una demanda (que obviamente ganaron) y este curioso artefacto volvió a ser noticia. En el 2004 Decca buscó sacar provecho de la situación y lanzó esta versión remasterizada, y debo reconocer que casi 40 años despúes el experimento suena entretenido y divertido, a medio camino entre Phil Spector, Joe Meek y Nelson Riddle tras una fuerte resaca de whisky adulterado; incluso el disparatado texto escrito por Andrew para la contraportada del libreto (sus intentos anteriores siempre me resultaron irritantes) ha logrado por primera vez arrancarme una sonrisa ... para que no digan que lo mío por él es pura antipatía gratuita.

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Anoushka Shankar - Live At Carnegie Hall (2001 India Raga)

Sin duda que el gran legado de Ravi Shankar no es sólo musical pues su descendencia familiar ha sido de los más fructífera. Uno de sus sobrinos Ananda Shankar emigró a California a finales de los 60 donde grabó un par de excelentes discos que fusionaban el concepto de Raga con elementos modernos (Psicodelia, Jazz & Funk); su primer disco homónimo de 1970 está considerada una obra de culto con vibrantes y exóticas versiones de Jumpin' Jack Flash de Los Stones y Light My Fire de Los Doors. Cuando Norah Jones, una de las artistas del momento, saltó a la fama, inmediatamente se supo que era hija natural del gran Shankar (todo un pillo este Ravi !). Pero quien más ha dado de que hablar en su hija menor Anoushka Shankar que con solo 27 años es la más grande ejecutante del sitar en la actualidad. Bajo la dirección de su padre Anoushka debutó profesionalmente a los 13 años, a los 17 ya acompañaba a Ravi en presentaciones y giras y a los 18 saca su primer disco solista Anoushka (1998), al que le siguieron Anourag (2000) y este Live At The Carnegie Hall (2001), grabado durante el espectáculo de apertura tras el cual Ravi ejecutó su entonces más reciente album Full Circle. Pero lo que catapultó a esta chica hacia los mass-media fue su participación en el Concert For George conmemorativo al gran ex Beatle fallecido; en aquella ocasión Anoushka ejecutó una raga compuesta especialmente para dicho evento, dirigió el ensemble de músicos Hindués y acompañó a Jeff Lynne en su versión de The Inner Light, cautivando a todos con su exótica belleza, su madurez musical y su virtuosismo al sitar. Desde entonces la carrera de Anoushka ha subido como la espuma y se ha nutrido con más discos excelentes en los que ejecuta mayormente piezas compuestas por su padre, quien sigue siendo su máximo mentor y consejero. Ni que decir que el disco es toda una delicia para los fans tanto de la música de Shankar como del mágico sonido del sitar. Definitivamente el legado del gran Ravi Shankar no podría estar en mejores manos.

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jueves, 10 de julio de 2008

T-Bone Walker - The Best Of The Black & White And Imperial Years (2005 US Blues)

Si gente como BB King, Albert King, Freddie King, Chuck Berry, Jimmy Reed o Elmore James son el modelo y los padres espirituales de muchos de los grandes guitarristas de los 60, entonces el gran T-Bone Walker podría ser considerado legítimamente como el abuelo de todos ellos. Nacido en Dallas, Texas, Aaron 'T-Bone' Walker fue uno de los pioneros indiscutibles en el uso de la guitarra eléctrica, instrumento que ayudó a popularizar en las noveles orquestas que hacían la transición del Bop al Rhythm & Blues. Y es que no sólo tocaba la guitarra eléctrica sino que definió las técnicas y fraseos que influenciarían a todos los músicos citados al comienzo; fue, a menos que alguien demuestre lo contrario, el primer guitarrista en tocar de pié, lo cual le otrogaba un mayor control sobre el instrumento y le permitía desplegar su repertorio escénico. Showman y exhibicionista nato, T-Bone solía tocar con la guitarra detrás de su cabeza o pulsando las cuerdas con los dientes (suena conocido, ¿no?) impresionando así a los visitantes de los clubes donde tocaba, en especial porque estas rutinas chocaban con su sofisticación y buen vestir. Además de su calidad instrumental tenía una estupenda voz. Fue también uno de los primeros artistas negros en ser cabeza de cartel en los prestigiosos locales de New York frecuentados por blancos; y como guinda, su tema más conocido Call It Stormy Monday es una de las piezas definitivas de la música negra de todos los tiempos, versionada por BB King, John Mayall, Paul Butterfield Blues Band, Allman Brothers y Mountain entre otros. Un rompedor sí, pero también un bohemio que se entregó con pasión al juego y a las prostitutas, aficiones que lo condujeron en más de una ocasión a la comisaría más cercana y que les serviría de inspiración para algunas de sus canciones. Esta colección repasa parcialmente su pasantía por los sellos discográficos Black & White e Imperial entre 1940 y 1953 y si bien no compite con la caja de 6 CD's que recoge toda su obra, sí representa una magnífica introducción para los no expertos de esos lejanos años y a los reticentes a los sonidos menos 'modernos'.

Nota técnica: para manejar correctamente las imperfecciones y distorsiones típicas de ciertas grabaciones antiguas se recomienda codificarlas a bitrates bajos; peor es la grabación más bajo debe ser el bitrate. No lo digo yo por dármelas de sabiondo, se lo he leído a muchos expertos en la materia y lo he comprobado con mis propios oídos. Para este tipo de material se acepta 192 kbps como bitrate ideal, pero a fin de no bajar de los niveles de calidad que todos acostumbramos, decidí codificar este CD a 256 kbps.

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Codificado con Lame 3.97 a 256 kbps

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miércoles, 9 de julio de 2008

Rory Gallagher - BBC Sessions (1999 Irlanda Hard Rock)

Rory Gallagher ... eterno e insustituíble. Un brillante guitarrista, una leyenda absoluta, quizá la mejor combinación de técnica y feeling en su estilo. Un tipo que siempre hizo lo que debía hacer sin importar las modas y los cambios de tendencia en el rock, me refiero a grabar excelentes discos y a ofrecer inolvidables recitales. ¿ Glam ?, ¿ Punk ?, ¿ New Wave ?, ¿ Heavy Metal ?, ¿ Grunge ? ... ¿ A quién le importaba cuál era el "sabor del mes" cuando tenías a un tipo como Rory volándote la cabeza con sus incendiarios riffs, sus magníficos punteos, su arenosa voz y su brillante banda a las espaldas ?. ¿ Cómo resistirse a esos blues que se retorcían como una serpiente en celo azotada por los torrentes eléctricos de su guitarra ?. Su muerte si bien no ha llamado mucho la atención de las rapiñas necrófilas de la industria discográfica fue un durísimo golpe, pues hace falta un Rory Gallagher que nos recuerde la uniforme vulgaridad del Rock actual. Pero a falta de su añorada figura nos quedan al menos discos como este para recordar cuán grande fue nuestro querido Irlandés. El primer CD recoge temas grabados entre 1973 y 1979 en diversos conciertos producidos por la BBC de Londres para sus espacios radiales de Rock, con ejecuciones que te dejan con la boca abierta y que deberían ser escuchadas por todos los imberbes pichones de guitarrista que salen en la portada de Guitar Player sólo porque su banda vendió 1 millón de copias (sobran los nombres), con un Rory desbocado y apoyado por una fenomenal banda donde brillaba Gerry McAvoy, su alter-ego y uno de los mejores bajistas de todos los tiempos, sin olvidar al soberbio baterista Rod deAth (sustituído en los 2 temas finales por otro peso pesado llamado Ted Mc Kenna) y al pianista Lou Martin poniendo el contrapunto melódico a los desmanes de Rory. El otro CD está grabado en estudio (excepto el último tema) también para la BBC y nos muestra el lado más "controlado" de Rory Gallagher, incluso en los temas más duros; los temas son menos viscerales pero más trabajados en el plano formal, temas que a las primeras escuchas no dicen gran cosa pero que poco a poco ván creciendo hasta convertirse en piezas imprescindibles. Como siempre ocurre con estas producciones de la BBC todo está cuidado hasta el mínimo detalle, incluyendo un corto pero buen libreto con datos y un texto del hermano de Rory, Donald Gallagher. Dios te bendiga allá arriba Rory ... y no olvides guardarnos unas cervezas frías !.

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