domingo, 31 de agosto de 2008

Renaissance - Island (1969)

Me encontré este video en YouTube con la formación original de Renaissance tocando el tema Island de su primer album homónimo de 1969. Integraban entonces la banda los ex Yardbirds Keith Relf (guitarra, canto) y Jim Mc Carty (batería), junto a la hermana de Keith, Jane Relf (canto), Louis Cennamo (bajo) y John Hawken (piano). Para más información pueden chequear el post de Renaissance publicado el 28 de Junio. Que lo disfruten ...

Renaissance - Island

[via FoxyTunes / Renaissance]


miércoles, 27 de agosto de 2008

Love - Da Capo [2002 Expanded Edition] (1967 US Psycho)

Da Capo fue el segundo album de Love y en él presentan una formación ampliada a 7 miembros, con la incorporación del baterista Michael Stuart (pasando "Snoopy" a los teclados) y el saxofonista/flautista Tjay Cantrelli. Es también un album con 2 partes que muestra 2 facetas bien diferentes a solo un año de su promisorio disco debut. El equivalente a la cara A muestra una notable evolución sobre el disco anterior: canciones maduras, muy bien construídas en música y letra, amplia gama de recursos instrumentales, mayor abanico de influencias en cuanto a estilos y, sobre todo, la maduración de un "sonido Love" que los hacía ya inconfundibles. Arthur Lee demuestra a sus anchas su talento como autor, con letras llenas de mensajes crípticos y un soberbio manejo de la melodía. Stephanie Knows Who es en su breve espacio toda una joya con su entrada de clavicordio, su ritmo a mitad entre el vals y el jazz y el break central con el saxo de Cantrelli. Orange Skies es el único aporte individual de Bryan Mclean como compositor y una de sus más hermosas canciones. ¡Qué Vida! es premonitoria de los elementos Latinos desarrollados en el siguiente album. La psicodélica 7 & 7 Is es una de las cumbres del disco, un torbellino instrumental lleno de guitarras fuzz y un sorpresivo cambio de ritmo al final. la onírica The Castle (con su break de guitarra de sabor Flamenco) y la tierna She Comes In Colors cierran la primera parte dejando bien alto el listón. La segunda parte está ocupada por Revelation, una larga Jam de 19 minutos que, si no me equivoco, fue el primer tema en ocupar una sola cara en un disco Pop. La pieza es derivativa de la larga Goin' Home de Los Rolling Stones (de su album Aftermath) pero mucho más variada; tiene sus buenos momentos, toda la banda trabaja muy bien y aunque me encantan este tipo de temas largos, pienso que en el contexto de Love es una pérdida de espacio. Si Arthur Lee hubiera accedido a incluir el material que Bryan Mclean había compuesto para Da Capo (posteriormente editado en su disco solista Ifyoubelievein') posiblemente estaríamos comentando una obra tan buena como la sucesiva Forever Changes ... pero la inclusión de esta larga pieza es muestra del control que Lee comenzaba a ejercer dentro de la banda en detrimento de los demás. No obstante Da Capo es un disco que ha ganado muchos puntos con el paso de los años y una pieza indispensable para los fans de Love. La presente re-edición Europea incluye el album en mono y stereo, 1 bonus track y un excelente libreto con texto del "Loveólogo" Andrew Sandoval.

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codificado con lame 3.98 a 320 kbps

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Iron Butterfly - Heavy [2006 Japan Remaster] (1968 US Rock)

Es probable que la música de Iron Butterfly suene algo desfasada hoy en día, pero ellos fueron una de las grandes bandas rompedoras de la floreciente escena Californiana en los 60; su dura y compacta sección rítmica, sus canciones basadas en riffs y la aureola mística creada por el órgano de Doug Ingle influenciaron tanto al naciente Hard Rock como a las primeras bandas progresivas, especialmente en Inglaterra donde contaban con seguidores de la talla de Led Zeppelin y Deep Purple. Heavy fue su primer disco con la formación original integrada por Ingle, el batería Ron Bushy, el bajo Larry Pernod, el guitarra Danny Weiss y el cantante Darryl Deloach; la madurez y consagración aún estaban por venir (el legendario album In-A-Gadda-Da-Vida ese mismo año con una formación remozada), sin embargo este es un buen album, con un sonido menos "Heavy" y más cercano a pautas del común de las bandas de la Westcoast (con ciertos ecos Doorsianos). Las canciones son bloques compactos y cortas en duración, con poco espacio para el lucimiento de los solistas, no obstante piezas como Possession, Gentle as It May Seem, Look For The Sun, Fields Of Sun o Iron Butterfly Theme son una muestra de los cambios que estaban a la vuelta de la esquina. Visto retrospectivamente este Heavy es a mi juicio uno de los discos más satisfactorios de la mariposa de acero.

Este rip lo encontré en el antiguo torrent Torrentreactor en WAVE CUE. Tuve que rehacer el cue sheet pues los temas se cortaban 3 segundos antes de finalizar. Para incluírlo aquí lo separé en archivos individuales y lo codifiqué con Lame 3.98 a 320 kbps.

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Syd Barrett - Wouldn't You Miss Me ? - The Best Of Syd Barrett (2001 UK Psycho)

Tras su muerte acaecida en Julio de 2006, el culto a Syd Barrett se ha disparado hasta alturas insospechadas, suspendido entre la leyenda y la infamia (como acertadamente escribe Mark Paytress en el estupendo texto del libreto de este CD). Su meteórico ascenso a la fama, su derrumbe psíquico-emocional y posterior reclusión en su Cambridge natal lejos del "circo" del Rock no hicieron sino apuntalar más y más el mito y la aureola de genio incomprendido que siempre lo perseguió. Pero su historia es menos trágica y más clara de lo que la mitología Pop se ha encargado de prodigar. Nacido en uno de los más grandes focos culturales de Inglaterra (la citada ciudad de Cambridge), Syd fue un niño inteligente y lleno de imaginación criado en un hogar donde se le inculcó el amor por la música y la lectura, lo que le permitió desarrollar su vena artística en distintas direcciones (pintura, diseño, poesía, música); la guitarra y la composición fueron sólo 2 facetas más pero que a la larga prevalecieron sobre las demás. Ya de adolescente metido de lleno en la música, conoce una banda llamada The Abdabs (entre otros nombres utilizados) y se une a ellos; bajo la influencia de Syd pasan a llamarse Pink Floyd y mutan del primitivo Rhythm & Blues hacia la psicodelia más atrevida. Un primer disco considerado la obra cumbre de la Psicodelia Británica (The Piper At The Gates Of Dawn) y un futuro promisorio que repentinamente se trastoca: Syd sufría de un desorden psicopático no diagnosticado, potenciado por el consumo de LSD y agravado cuando el propio Syd, en su ignorancia, trató de controlar automedicándose altas dosis de Prozac (un potente anti-depresivo). Su comportamiento se volvió errático y en su caída arrastraba a su propia banda. En un intento por salvar a PF aceptó la entrada de un quinto miembro, su amigo de la infancia David Gilmour; el plan era que Syd trabajara solo en el estudio componiendo y grabando (al estilo de Brian Wilson en los Beach Boys) mientras la banda salía de gira con Gilmour, pero Syd había perdido paulatinamente interés en PF y su salida era inevitable. Sin embargo el ex manager de PF Peter Jenner creía ciegamente en el talento de Syd y lo insta a proseguir como solista, se organizan sesiones de grabación que resultan un desastre por la actitud de Syd y su cada vez mayor rechazo a trabajar con el formato de banda. Jenner llama a David Gilmour para que se haga cargo de la producción y con la ayuda de otros amigos (Roger Waters, Rick Wright, Jerry Shirley, los miembros de Soft Machine) se completan en el transcurso de 2 años los 2 únicos discos solistas de Syd, The Madcap Laughs y Barrett en 1970. Ambos son colecciones de temas cantados por Barrett con su guitarra acústica, la mayoría de ellos con acompañamiento instrumental grabado en sesiones aparte. La música podría catalogarse como Acid-Folk (para ubicar a los no familiarizados), pero a pesar de la poca producción, la falta de disciplina, el escueto acompañamiento, las voces desafinadas, y el sentido de lo inconcluso, la obra de Syd tenía un innegable encanto y una calidad innata. Son canciones muy personales que reflejan en parte el estado de inestabilidad en que se encontraba su autor y su desencanto por las limitaciones de ser un astro Pop. Canciones que evocan imágenes de todo tipo: oníricas, inquietantes, pesadillescas, poéticas y hasta humorísticas. Canciones que las amas o las odias pero que a nadie dejan indiferente. Después de estos 2 discos Syd se iría alejando paulatinamente del "circo Pop" (como él lo llamaba), se retiró a su ciudad natal recluyéndose en la casa de su madre, aceptó por primera vez tratamiento psiquátrico y si bien jamás se recuperó del todo halló al menos un sentido de lo que quería ser: una persona normal, anónima, dedicada a la pintura, la restauración de obras de arte y la reparación de objetos dañados (desde muebles hasta bicicletas). Una decisión increíble pero respetable, que le permitió pasar el resto de su vida en paz consigo mismo y ahorrándose un final a lo Jimi Hendrix o Jim Morrison. A medida que el mito Barrett crecía y se hacía obvio que no habrían más nuevas grabaciones, se armó un disco con los remanentes de sus históricas sesiones (Opel en 1988) y otro con unas cortas sesiones que hizo para la BBC (editado como The Peel Sessions). Este recopilatorio es el último eslabón de la cadena, con 21 temas que cubren acertadamente todos los trabajos anteriores más una pieza inédita: una demo llamada Bob Dylan Blues, una de las primeras composiciones de Syd (aunque no grabada hasta 1970) y que constituye un mordaz y humorístico retrato de uno de sus héroes de la adolescencia. Si aún no has descubierto el fantástico mundo de Syd Barrett, aquí tienes por donde empezar.

PD. Como Bonus incluyo una carpeta con algunas de las pinturas de Syd, tomadas de la página Neptune Pink Floyd de mi amigo Keith Jordan. También incluyo un bonito obituario hecho y publicado por la página Pink Floyd Club Hispano en ocasión de su muerte.

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codificado con Lame 3.98 a 320 kbps

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martes, 26 de agosto de 2008

Peticiones ...

A continuación publico las dos peticiones hechas por Juan hace unos días, cortesía de nuestro amigo Kikas de las Islas Azores (Portugal). No las comento con propiedad por tratarse de bandas que no conozco (leí algo sobre Colours en otro blog pero no le presté mucha atención). Que los disfuten !.

Colours - Colours (1968 US Psych pop)
@320 + full artwork



Cottonwood - Camaraderie (1971 US Folk Rock)
@192 + front scan

Love - Love [2001 Expanded Edition] (1966 US Psycho)

Primer album de una de las grandes leyendas de la música Californiana, me refiero a Love en su formación original liderada por el gran Arthur Lee (guitarra, cantante, compositor principal), el más grande rocker de color después de Jimi Hendrix. Este primer trabajo nos muestra a una banda prometedora y llena de talento pero con un sonido aún por madurar. Lo primero que se nota al escucharlos es la gran influencia de The Byrds quienes por aquel entonces (1966) eran el punto de referencia obligado para todas las noveles bandas de la Costa Oeste. El mismo Bryan McLean (guitarra y segundo compositor de Love) había sido roadie de The Byrds. Este factor junto a la influencia de las bandas Británicas (en especial Rolling Stones y Kinks) hizo que estos primeros Love sonaran como una versión "Punky" de The Byrds. Las composiciones también estaban en fase de maduración, pero varios temas muestran ya el enorme talento de Lee como autor, especialmente A Message To Pretty y Signed D.C. (dedicada al primer baterista de Love, Don Conka, y que narra en primera persona su descenso al infierno de las drogas). El instrumental Emotions es el homenaje de Lee al sonido surf que también tuvo gran influencia en él. En la delicada Softly To Me, Bryan Mclean emerge como el segundo talento compositivo de Love que, lamanteblemente, no podrá desarrollar a plenitud dada la prolificidad de Lee. A nivel interpretativo la banda es muy buena, con los coloridos juegos de guitarra del solista John Echols y de Bryan Mclean (Arthur casi no tocó en este disco, concentrándose en cantar), las excelentes líneas de bajo de Ken Forssi (la versión de Hey Joe es el mejor ejemplo) y el gran sentido rítmico del baterista Alban "Snoopy" Pfisterer. Mención especial también merecen la versión de My Little Red Book de Burt Bacharach (que fue un pequeño hit single) y la mágica composición colectiva Mushroom Clouds. La presente es la re-edición Inglesa del 2001 con las mezclas en mono y stereo (los discos de Rock de esos años sonaban muy bien en mono, más compactos si cabe) y 2 bonus tracks. Como nota curiosa ¿ alguien más ha notado el enorme parecido entre Signed D.C. y la futura Nights In White Satin de Moody Blues ? ... parece que John Lodge y Justin Hayward tenían el tema de Love rondando sobre sus cabezas cuando hicieron el disco Days Of The Future Passed ...

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codificado con Lame 3.98 Frontend 1.2 a 320 kbps

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domingo, 24 de agosto de 2008

Jaco Pastorius - Live In Italy (1991 US Jazz Rock)

No sé cuantos de ustedes aprecien o recuerden al gran Jaco Pastorius. Este hombre fue al bajo eléctrico lo mismo que Jimi Hendrix a la guitarra eléctrica, es decir, el músico que revolucionó y redefinió por completo el uso de aquel instrumento. Si Nicoló Paganini hubiera nacido en el siglo XX y hubiera elegido el bajo eléctrico en lugar del violín, sólo así habría existido otro bajista que se le equiparara. Un monstruo, un virtuoso, no hay palabras que describan la grandeza de este músico. Como muchos genios, tuvo una ascensión meteórica al pasar de ser un completo desconocido a integrar en 1976 una de las bandas punteras del Jazz-Rock en los 70, y me refiero a Weather Report. También como muchos genios, cuando esta banda le quedó chica inició una brillante carrera solista donde la perfección fue la nota predominante. Pero al igual que otros tantos genios la muerte lo sorprendió cuando aún podía dar más de sí. Una muerte estúpida, casi un accidente; Jaco trató de entrar a un club privado de Nueva York en estado de ebriedad, se puso impertinente y el portero (que no lo reconoció) lo lanzó por los aires y su cabeza fue a fracturarse contra la calzada. Una vida apagada, un talento desperdiciado, pero en fin ... este directo del cual no conocía su existencia lo descubrí hace casi 3 años en una oscura tienda de mi ciudad, dudé en llevármelo pensando se trataba de un bootleg pero convencí al encargado de ponerlo y a los pocos segundos me convertí en su feliz comprador. Fue grabado durante su gira Europea de 1986, concretamente en Marzo de ese año en Italia (no se especifica la ciudad) y editado por el sello Alemán Jazzpoint. Quizá estos fueron sus últimos conciertos. Acompañado por una banda reducida pero a la altura de su genio, integrada por el virtuoso de la guitarra Bireli Lagrene y el baterista Thomas Böröcz, Jaco ofrece un recital impecable con un repertorio de origen dispar que incluye temas propios, versiones de Weather Report (Black Market), Buster Brown (Fannie Mae), Duke Ellington (Satin Doll) y una soprendente I Shot The Sheriff de Bob Marley, muestra de su eclecticismo a la hora de incorporar cualquier estilo a su concepción musical. Una joya que recomiendo ampliamente.

Rip hecho con DbpowerAmp CD Ripper
codificado con Lame 3.97 a 320 kbps

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jueves, 21 de agosto de 2008

Deep Purple - Come Taste The Band [1997 Mini Replica] (1975 UK Hard Rock)

Come Taste The Band es sin duda alguna el disco más infravalorado de Deep Purple. Ya unos meses antes, concretamente con la edición de Stormbringer (disco que no convenció del todo) el interés por DP había bajado considerablemente, la orientación Funk-Soul de ese disco decepcionó a muchos de sus seguidores y propició la crisis que terminó con la salida de Ritchie Blackmore a mediados de 1975. Despúes de probar a varios guitarristas, entre ellos Clem Clempson (ex Colosseum y Humble Pie) la banda se decidió por Tommy Bolin el joven guitarra Norteamericano que saltó a la fama por su participación en el album Spectrum del baterista Billy Cobham y que había sido miembro de James Gang. Después de ensayar en unos estudios en Los Angeles la banda se traslada a los Musicland Studios de Munich (Alemania) y allí graban el único disco en el estudio del llamado Mark IV de DP. Obviamente que la ausencia de Blackmore le pareció a mucha gente determinante y el disco fue unánimemente rechazado, incluso sin oírlo, pero con el paso de los años ha ido ganando adeptos y se le ha reconocido su calidad. El disco representa un avance dentro del nuevo sonido que DP adquirió con la entrada de David Coverdale y Glenn Hughes, el Rhythm & Blues sigue estando presente pero más integrado a la base musical de DP, Coverdale asume por sí sólo su papel de cantante solista y lo cumple a cabalidad (Hughes tiene ahora su propio espacio para cantar), y lo más importante, el nivel compositivo se ha elevado respecto al album anterior. Los temas son muy buenos, con la única excepción del vulgar I Need Love, y muchos merecerían estar entre los grandes logros de la banda, como la desatada Coming Home (una lección de Rock duro) y toda la cara B integrada por Drifter (magnífica la guitarra de Bolin y la vocalización de Coverdale), Love Child, This Time Around (gran trabajo vocal de Glenn sobre los teclados de Jon Lord), Owed to "G" (un instrumental conducido por Tommy Bolin) y la densa You Keep On Moving, el único dueto entre David y Glenn que cierra el disco en forma brillante. El nivel interpretativo es de primera: Bolin era un guitarra completamente diferente a Blackmore y eso se nota, pero su calidad estaba fuera de discusión; Ian Paice alcanzó en esa época su zenith como baterista, tocando mejor que nunca; Jon Lord ya no hacía un trabajo tan vistoso como en el pasado pero sus teclados eran la base que sostenía todo el peso del sonido Purple. Lamentablemente la gira de presentación del disco no fue tan buena debido a los excesos de Coverdale/Hughes con el alcohol y de Bolin con la heroína y DP terminarían por disolverse, dejando como testamento este sólido disco y un puñado de buenos directos editados años después. La presente edición forma parte de una colección de mini-replicas lanzadas por EMI en 1997 para celebrar sus 100 años de actividad, los discos vienen en estuches de 3 por artista (el presente viene junto con Who Do We Think We Are y Stormbringer) y poco a poco iré publicando otras.

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codificado con Lame 3.98 Frontend 1.2 a 320 kbps

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miércoles, 20 de agosto de 2008

Jimi Hendrix - The Jimi Hendrix Experience (2000 US Rock)

Esta caja de 4 CD's es el compendio "oficial" definitivo dedicado a la música de Jimi Hendrix. Subrayo lo de oficial pues existe un inmenso mercado pirata de música Hendrixiana recopilada en cajas similares, como por ejemplo In The Studio (10 CD's) y Unsurpassed Masters (5 CD's). Colecciones obviamente mucho más extensas y con material muy interesante pero que no pueden competir con esta por un "pequeño" detalle: la calidad de sonido. Experience Hendrix no sólo posee todos los masters originales de las grabaciones de Jimi, sino que cuenta con Eddie Kramer, el ingeniero de sonido que más cerca trabajó con Hendrix, y su presencia es una garantía de alta calidad y profesionalismo a la hora de mezclar y masterizar el material. Como bien lo indica el título y la foto frontal, la caja cubre básicamente el corto pero intenso período del trío Jimi Hendrix Experience con Noel Redding al bajo y Mitch Mitchell a la batería, conjunto que a pesar de la gran sombra del genial guitarrista mostraba una cohesión y un equilibrio que no tenía por ejemplo Cream, donde el virtuosismo de sus integrantes hacía que cada quien jalara para su lado. No obstante también están representadas otras formaciones sucesivas del grupo de Hendrix, incluyendo el trío que formó con Mitchell y el excelente bajista Billy Cox quienes lo acompañaron hasta el final de sus días. El material seleccionado no tiene desperdicio y cubre prácticamente toda su carrera: outtakes, demos, mezclas alternas, versiones diferentes, recitales ... casi todo inédito salvo algunas piezas que habían sido editadas pero difíciles de conseguir, como los directos que formaron el disco en vivo póstumo Jimi Hendrix In The West. Otro punto favorable de esta caja es la concreción, pues a diferencia de las largas e interminables jams contenidas en muchos bootlegs, aquí todas son canciones concretas (por supuesto unas más largas que otras) lo cual es un aliciente para el fan casual o primerizo. Citar temas sería supérfluo pero no se pierdan la versión completa de Third Stone From The Sun, la toma instrumental de Burning Of The Midnight Lamp con Jimi tocando la melodía en un clavicordio, la maravillosa "demo" de Angel o la versión en estudio del Himno Nacional Estadounidense, donde Jimi muestra su dominio ilimitado de los tonos, adelantándose en más de 10 años a los sintetizadores de guitarra.

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codificado con Lame 3.98 Frontend 1.2 a 320 kbps

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martes, 19 de agosto de 2008

The Who - My Generation [2002 Deluxe Edition] (1965)

El primer disco de The Who (titulado My Generation en UK y The Who Sings My Generation en USA) podría catalogarse como el típico producto Inglés de su tiempo: Rock furioso y vital, derivativo del Rhythm & Blues negro con versiones de temas conocidos y alguna que otra incursión en la composición. Sin embargo este disco de The Who se pone por encima de los debuts típicos del período en cuestión, merced del genio compositivo de Pete Townsend, superado sólo por el debut de The Beatles, sin olvidar el notable nivel de la banda en el plano interpetativo. En cuanto a las composiciones, 8 de los 12 temas del album original Inglés pertenecen a Pete y el otro está firmado colectivamente por el grupo; si bien algunos de estos temas propios se resienten de la influencia de sus ídolos (Out In The Street, The Good's Gone, La-La-La Lies) otros ya rizan el rizo de lo memorable, y me estoy refiriendo específicamente a My Generation, el más grande himno generacional de su tiempo, la canción que mejor encierra y expresa el germen de la rebeldía juvenil, la frustración, la incomprensión; un tema que desde una óptica diferente expresa lo que Bob Dylan nos decía en The Times They Are A-Changin' referente a un nuevo orden dentro de la sociedad moderna. Sin embargo este mismo sentimiento está presente en otras piezas, quizá de forma menos grandiosa pero igual de reveladora, como en The Kids Are Alright, Circles (tema presente sólo en la versión USA del disco) y en el single (no incluído en el disco pero sí en esta colección) Can't Explain, por no dejar de lado la excelente A Legal Matter, cargada de un humor e ironía que sería la base para muchas de las mejores composiciones futuras de Pete. Por otra parte, en el plano interpretativo estamos ante una de las más grandes fuerzas musicales de su tiempo: John Entwistle y Keith Moon son, juntos y por separado, la sección rítmica más poderosa del Rock And Roll, siendo John el padre espiritual de todos los bajos solistas en el Rock y el segundo uno de los más increíbles bateristas que hayan existido. Pete sin ser un gran técnico de la guitarra sabía como manipular el feedback (siguiendo la escuela de su modelo, el gran Link Wray) para extraer de su instrumento los más desgarradores sonidos, al mismo tiempo que Jeff Beck y antes que Jimi Hendrix. Roger Daltrey obviamente no tocaba ningún instrumento salvo una ocasional armónica, pero eso no es impedimento cuando se tiene una de las mejores voces de la historia del Rock. Para resumir este punto, basta escuchar la orgía instrumental de The Ox para comprender de qué clase de banda estamos hablando. Como todas las ediciones de lujo del sello Universal no hay nada que reprocharle a este doble CD: sonido remasterizado, el album original expandido, 14 temas adicionales entre versiones diferentes y mezclas alternas y un espectacular libreto de 27 páginas, todo enfundado en un lujoso digipack. Que lo disfruten.

Rip hecho con Exact Audio Copy
codificado con DbpowerAmp en Ogg Vorbis, bitrate promedio de 429 kbps

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Roxy Music - Ladytron

Otro video más de mis adorados Roxy Music, esta vez se trata de la formación original interpretando el tema Ladytron de su primer album en el programa de la TV Inglesa The Old Grey Whistle Test. Al comienzo parece que la banda estuviese doblando (o haciendo mimo sobre) el tema original, pero no, Bryan canta ligeramente diferente y la ejecución es 2 minutos más larga que el original en estudio. probablemente los toques de percusión (castañuelas y pandereta) sí provengan del disco pues no se vé a nadie tocándolas. Esta es también una de las pocas filmaciones con Brian Eno. Que lo disfruten.

Roxy Music - Ladytron

[via FoxyTunes / Roxy Music]


Roxy Music - Out Of The Blue

El tema Out Of The Blue del album Country Life tocado en vivo con John Wetton al bajo. Excelente versión. Durante una temporada Wetton estuvo en Roxy Music debido a que Johnny Gustafson no pudo salir de gira con ellos, al final le ofrecieron el puesto fijo pero John prefirió irse con Uriah Heep. Durante su estancia en Roxy, Wetton y Eddie Jobson congeniaron y formarían más adelante el supergrupo prog UK. Que disfruten de este video.

ROXY MUSIC OUT OF THE BLUE

[via FoxyTunes / Roxy Music]

lunes, 18 de agosto de 2008

Sun Ra - Space Is The Place [Remaster] (1972 US Jazz)

Nueva visita al blog del ecléctico y estrafalario Sun Ra, el freak N° 1 del Jazz. Para los que precisen los antecedentes de tan pintoresco mas no por ello menos genial músico, les invito a revisar el post a él dedicado el 25/06/08. Space Is The Place fue editado en 1972 y corresponde a la etapa más radical de Sun Ra, marcada por el abandono de los esquemas jazzísticos convencionales para entregarse a la más pura improvisación, y la incorporación de cantos tribales. El tema homónimo es la prueba de la expuesto, una cacofonía de sonidos y voces que a lo largo de 21 minutos te envuelve en un torbellino musical difícil de descifrar, un bizarro caos que resulta tan esquivo como fascinante y que, una vez asilimado (como quien asimila un virus infeccioso en su organismo), amenaza con llevarte a un viaje sin retorno hacia otra dimensión. Los temas Images y Discipline son más "normales" y no se distancian mucho del Miles Davis previo a su conversión al Rock en albumes como Sorcerer o Nefertiti. Sea Of Sounds es otro torbellino, puro Free Jazz con el saxo de John Gilmore (el brazo derecho de Sun Ra) traspasando los límites en feroz lucha con la trompeta, las percusiones y el órgano Farfisa del líder; si el disco en su conjunto representa un viaje al espacio, este tema debe ser algo así como volar entre una lluvia de meteoritos. El disco se cierra con la breve pero intensa Rocket Number Nine, con las voces y los instrumentos en veloz carrera como apresurándose en atravesar una puerta a punto de cerrarse por siempre, dejando al oyente con la interrogante si la experiencia sonora vivida fue real o fruto de una alucinación. La música de Sun Ra puede calificarse de muchas maneras: vanguardista, premonitoria, secular, fascinante, envolvente, inquietante, inconexa, bizarra o aburrida según el prisma con que se mire, pero en lo que todos están de acuerdo es en la originalidad y honestidad de su propuesta sin precedentes en los anales de la música. Sun Ra sólo hubo y habrá uno.

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codificado con Lame 3.97 a 320 kbps

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domingo, 17 de agosto de 2008

Jimi Hendrix - First Rays Of The New Rising Sun (1997 US Rock)

En 1995 los herederos de Jimi Hendrix (su padre Allen, su hermanastra Janie y sus primos Bob & Diane) forman la empresa Experience Hendrix para administrar el legado del gran guitarrista. Una de las primeras medidas tomadas fue poner orden en la ilimitada discografía del artista, retirando del mercado buena parte del material póstumo aparecido desde la misma muerte de Jimi. Si bien algunos de estos discos eran piezas esenciales para todo fan del gran Hendrix, la mayoría le hicieron un pésimo servicio a su fama de perfeccionista, reciclando piezas desechadas (cuando Jimi descartaba una pieza su destino era la basura, no existía la más mínima posibilidad de que la volviera a escuchar alguna vez), agregando overdubs a temas inacabados e incluso haciendo copy-paste a pequeños fragmentos para formar un tema con ellos. La nueva política de Experience Hendrix fue editar todo lo grabado por Jimi pero sin contravenir los estándares de calidad y perfección a los que él se había habituado a trabajar. Una de las primeras ediciones fue este First Rays Of The New Rising Sun en 1997, un CD que recopila buena parte del nuevo material que Hendrix había grabado en sus propios estudios Electric Ladyland en Nueva York, y que él pensaba efectivamente lanzar en un album doble como primer trabajo de estudio tras la separación de su trío Experience. Si bien Jimi jamás hizo la selección definitiva de los temas, los que trabajaron con él entonces, en especial su ingeniero de sonido Eddie Kramer, avalan que era de estos temas dónde Hendrix pensaba escoger, con la única excepción de My Friend, una jam entre amigos que data de 1968. Obviamente la muerte de Jimi abortó el proyecto, sin embargo Michael Jeffreys (el nuevo mánager de Hendrix tras el alejamiento de Chas Chandler) no estaba dispuesto a renunciar al filón de oro que significaba explotar comercialmente todo ese material y, con la ayuda del propio Kramer en las mezclas, comenzó a inundar el mercado con discos póstumos; los 2 primeros de ellos fueron The Cry Of Love y Rainbow Bridge, que aunque falsamente anunciados como "terminados por Hendrix poco antes de morir", eran buenos discos llenos de temas clásicos del repertorio Hendrixiano, pero a partir de ahí y ante la cada vez mayor ausencia de material terminado, comenzaron las chapuzas: War Heroes, Loose Ends, Midnight Lighting, Crash Landing (en estos 2 últimos se llegó al extremo de completar algunos temas con músicos de estudio). Por fortuna todo eso ha quedado ya atrás y CD's como este ofrecen una imagen más pulcra, honesta y fiel de los trabajos finales de Hendrix. Como decía antes, hay muchas piezas que si bien no tuvieron la obvia aprobación del autor, son clásicos indiscutibles de su discografía como Freedom, Izabella, Angel e Ezy Rider, temas que sus fans ya conocían de sus conciertos. En aquel año final Jimi era un músico que buscaba reinventarse a sí mismo, como lo demuestran piezas cargadas de Funk tales como Night Bird Flying, Room Full Of Mirrors o Dolly Dagger, mientras otras eran insinuaciones a todo un mundo nuevo como Drifiting (maravillosa y mi favorita de la colección), Hey Baby e In From The Storm. La edición es simplemente excelente tanto a nivel de sonido como la presentación que incluye un magnífico libreto con anotaciones canción por canción, fotos poco conocidas y manuscritos del propio Jimi con su larga caligrafía infantil. Un CD imprescindible.

Rip hecho con Exact Audio Copy
codificado con Lame Frontend 1.2 a 320 kbps

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sábado, 16 de agosto de 2008

Roxy Music - Country Life [1999 HDCD Remaster] (1974 UK Art Rock)

Country Life fue el cuarto album de Roxy Music, y la obra crucial en las esperanzas de Bryan Ferry para quebrar la resistencia del público Norteamericano. Para ello se elaboró una estrategia de asalto que comenzó por la misma portada. Siendo Bryan un estudioso de la publicidad de masas (mass media), sabía que no había nada mejor para llamar la atención que un escándalo, por tanto la portada del disco debía ser escandalosa pero sin romper los cánones estéticos de Roxy. Todo comenzó en Portugal a donde Bryan se "retiró" para escribir las letras de las canciones (ese era el esquema de trabajo de Roxy Music, primero grababan las partes instrumentales, luego Bryan se retiraba varios días a solas para escribir las letras y finalmente se grababan las voces). Allá conoció a 2 hermosas turistas Alemanas, Constanze Karoli y Eveline Grunwald (que seguramente hicieron parada obligada en la habitación de Herr Ferry); la idea surgió de golpe y en menos de 2 días la foto para la portada estaba lista. Al final la estratagema funcionó, el disco tuvo que ser distribuido en USA envuelto en un plástico verde y sus secuelas llegaron hasta Holanda (donde se eliminó a las chicas de la portada) y España (donde simplemente ampliaron el rostro de la chica de la izquierda para que ocupara toda la portada). En cuanto a la parte musical la elección fue más delicada pues se trataba de ganar adeptos en USA sin desilusionar a sus fans Europeos, objetivo que sólo se logró a medias. El producto final (con John Gustafson de nuevo como bajista invitado) tenía varias concesiones de cara a las masas: El single All I Want Is You era un tema bailable sin los méritos de sus predecesores (Do The Strand, Steet Life); If It Takes All Night rozaba el Boogie-Rock de carretera con solo de armónica y todo (seguro Bryan cándidamente imaginaba a los camioneros que circulan por las superautopistas Yanquis tarareándola); Three & Nine seguía el mismo esquema de 2HB (del primer album) pero suavizada también por una armónica, amén de una melodía más convencional; pero el verdadero descaro lo constituía Prairie Rose, tema de aires Country con una letra dedicada al Estado de Texas. Bryan se defendió diciendo que en realidad estaba dedicada a su novia Texana Jerry Hall (sí, la mismísima futura Señora de Mick Jagger) pero no quedó muy bien parado. Por fortuna el resto del disco compensa estas concesiones: The Thrill Of It All estaba en la misma onda de Virginia Plain o Do The Strand pero con una estructura más rica y compleja, combinando pasajes intensos (con el violín de Eddie Jobson poniendo el contrapunto) y momentos de calma (marcados por el saxo de Andy Mckay); Out Of The Blue era magnífica y llena de densidad, con la inconfundible guitarra de Phil Manzanera, buenos "breaks" de John Gustafson al bajo y un solo de violín pasado por sintetizador de Jobson que eriza la piel; Bitter-Sweet era un remake de A Song For Europe con una estrofa cantada en Alemán que hace referencia a las Señoritas de la portada; Triptych era otra joya con una inusual estructura medieval que habría hecho la envidia de bandas como Clannad, aunque más inusual sonaba la martilleante Casanova, Hard Rock con una pizca de Funk; A Really Good Time era una de las más brillantes odas narcisistas de Ferry apoyada por una sección de cuerdas tocada íntegramente por Jobson. A pesar de sus méritos y su oportunismo (repartidos 50 y 50) el disco no pasó de la parte baja del top 40 en USA (aunque sí fue todo en éxito en Europa, Japón y Australia) lo cual seguía siendo una victoria con sabor a derrota para Bryan, a quien no le quedó más remedio que seguir esperando tiempos mejores.

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viernes, 15 de agosto de 2008

Simon & Garfunkel - Wednesday Morning, 3AM [2001 Remaster] (1964 US Folk)

El primer trabajo de Simon & Garfunkel bajo sus propios nombres editado en 1964 se considera generalmente una obra menor dentro de su discografía, pero es en su sencillez y falta de dirección una obra de arte del Folk contemporáneo. El disco se subtitula "exciting new sounds in the Folk tradition", y esa es su mejor definición: un catálogo de canciones en tiempo presente que mira tanto hacia la rica tradición Folk Norteamericana del pasado como al futuro de la música. Un camino por el que muchos Folkies transitarían en mayor o menor medida. Pero ante la rabia contenida y la visceralidad de los cantautores del Greenwich Village Neoyorkino, S&G representaban la intelectualidad, el refinamiento y la perfección; y si bien gran parte de la comunidad Folk los rechazaba por ello, fueron precisamente esos factores que les permitieron sobrevivir y evolucionar cuando el movimiento de la canción de protesta se agotó. Volviendo al disco, las canciones se dividen en 3 frentes: las canciones tradicionales (You Can Tell The World, Last Night I Had The Strangest Dream, Peggy O, Go Tell The Mountain), versiones de sus contemporáneos (The Sun Is Burning y la infaltable versión de Dylan, en este caso The Times They Are A-Changin') y material propio. Y es en este último donde hay que detenerse, pues es la simbiosis perfecta entre las melodías de Paul, los arreglos vocales de Artie y la conjunción vocal de ambos donde reside el carisma especial del dueto. A excepción de la emotiva He Was My Brother (el único intento del dúo por hacer una canción de protesta) son piezas que llevan el fermento del estilo compositivo de Paul que los haría célebres: las imágenes poéticas y metáforas de Bleecker Street y Sparrow, el catálogo de lugares y situaciones de Wednesday Morning, 3AM; y la guinda del pastel, la maravillosa oda a la incapacidad del hombre moderno para comunicarse con sus semejantes de The Sound Of Silence en su versión acústica. Mención especial merece también un tema del que poco se habla, el maravilloso cántico religioso Benedictus, muestra del enorme talento vocal de ambos y, en especial de la capacidad de Garfunkel como arreglista vocal. Lamentablemente el disco fue un pequeño fracaso a pesar de llegar al puesto 30 en los charts. Un decepcionado Paul Simon se iría a Londres, introduciéndose en la floreciente escena Folk Británica donde su sensibilidad sería mejor entendida llegando incluso a grabar su primer album como solista en 1965 (The Paul Simon Songbook) mientras que Art Garfunkel volvería a sus estudios universitarios. Pero sería un año después, gracias a una brillante jugada del productor del disco Tom Wilson que S&G ocuparían finalmente su merecido lugar en la historia de la música. Versión remasterizada en el 2001, incluye 3 bonus tracks; curiosa la primera toma de He Was My Brother con armónica que supongo Tom Wilson prefirió eliminar para evitar las comparaciones con Dylan.

PD. Saludos a Juan quien solicitó este disco. Muy buena e inteligente elección.

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jueves, 14 de agosto de 2008

Caravan - If I Could Do It All Over Again, I'd Do It All Over You (1970 UK Prog Rock)

Caravan fue una de las bandas más significativas entre las catalogadas con la abstracta e imprecisa denominación de música progresiva. Surgidos de la llamada Canterbury Scene, Caravan mostró desde sus inicios la variante más lírica de la psicodelia Británica bañada por el Free Jazz y con toques de Folk. El aquí presente es su segundo disco de críptico título (los miembros de la banda sonreían embarazosamente cuando les preguntaban por su significado) lanzado en 1970, un puente entre su promisorio debut del año anterior y la perfección de su obra maestra (In The Land Of Grey And Pink de 1971); un disco que partiendo de unas estructuras muy simples se escapa hacia largos pasajes instrumentales donde manifiestan su gusto por la más pura improvisación Jazzística, piezas marcadas por la labor de David Sinclair al órgano, sea solo o en contrapunto con Jimmy Hastings (saxos y flautas) quien aparece como músico invitado. En el aspecto más melódico cobra brillo también la labor de su primo Richard Sinclair (bajo y cantante) con su histriónica voz, pero en general toda la banda (completada con Pye Hastings a las guitarras y Richard Coughlan a las percusiones) trabaja en perfecta sincronía sin renunciar a sus momentos de brillo personal. A pesar de su errática carrera llena de continuos cambios de personal y re-admisiones de antiguos miembros, Caravan dejó su sello como una de las más imaginativas bandas Británicas. Esta no es la edición remasterizada de 2001 sino una edición Alemana de 1989, pero con muy buen sonido.

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martes, 12 de agosto de 2008

Ladies WC - Ladies WC (1969 Venezuela Psycho)

A pesar de haber grabado este album sólamente, Ladies WC fue una de las bandas más representativas del sonido Psych/Garage en la Venezuela de finales de los años sesenta. Un vinilo original se valoraba sobre los US$ 200 entre los coleccionistas de rarezas del Rock en Español, hasta que en el 2004 el sello Alemán Shadoks Music (especialista en música psych/garage de Latinoamérica y Asia) lo lanzó en CD. Los primeros Ladies WC se forman en Caracas en 1968 con el guitarrista Adib Casta, el cantante Wolfgang Vivas, el bajista Chema y el baterista Frank Rojas, pero no ganaban dinero con sus tocadas y se separan. Sin embargo al año siguiente Adib forma unos nuevos Ladies con el Norteamericano crecido en Venezuela Stephen Scott (bajo, armónica, cantante), Jaime Seijas (guitarra, teclados) y su hermano Mario Seijas (batería). Su vibrante directo y la decisión de tocar sólo material propio llamó la atención del pujante sello Souvenir con quienes graban en 1969 este homónimo y único album. Musicalmente Ladies WC practican la típica mezcla de psych-garage-blues tan común entre las bandas Latinoamericanas de entonces, cantaban en Inglés como la mayoría de las agrupaciones Venezolanas de la época pero sobresalían del montón gracias a Stephen Scott (excelente bajista y que cantaba en correcto Inglés), al talento de Adib Casta (uno de los grandes guitarristas Venezolanos de todos los tiempos) , y a la gran dupla compositiva formada por ambos. Además del buen nivel compositivo e interpretativo, el disco destacaba por presentar los temas enlazados con efectos sonoros pregrabados: el ruido de un retrete que se descarga, alguien chapoteando en una piscina, un bebé que llora, una orquesta afinando, sonidos del tráfico citadino, etc. Sin duda un recurso totalmente inédito para la época. Del disco se prensaron 4000 ejemplares y según Mario Seijas todos se vendieron. A pesar de la buena recepción que tuvo el disco, Ladies WC se separan cuando Stephen es enviado de vuelta a EUA estudiar en la Universidad. de Carolina del Norte. El disco francamente suena muy bien (aunque no se dice si está remasterizado), y el libreto contiene un texto de Scott y una entrevista a Mario Seijas. Curiosamente ambos textos fueron traducidos de Español a Inglés y de muy mala manera, por lo que su lectura revela una serie de imprecisiones bastante cómicas. Pero la música sigue sonando grandiosa a pesar de los años.

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lunes, 11 de agosto de 2008

Various Artists - Uptight Tonight : The Ultimate 60s Garage Collection (2005 US Garage)

Desde la consolidación del mercado del CD a comienzos de los 90, este se ha visto invadido por toneladas industriales de recopilatorios colectivos de Garage/Psych/Freakbeat, tantos como para provocarle cefaléas al más dedicado y acérrimo de los fans. Discos que celebran el efímero paso por el Rock de centenares de bandas que no pudieron saltar a la primera división, sea por falta de apoyo, promoción, sentido de la oportunidad, suerte, o simplemente por falta de ese "algo" especial que los hiciera sobresalir de entre el montón. Bandas que a pesar de formar parte del subconsciente de la historia del Rock dejaron en cierta forma su huella la cual pareciera ser seguida a intervalos regulares por hordas de novatos en busca de su oportunidad, llámense estos Punks, Neopsicodélicos o Grunges. Bandas recogidas en centenas de CD's bajo los genéricos motes de Nugetts, Peebles, Rubbles y pare usted de contar. Quizá las ediciones de la serie Nuggetts del sello Rhino (hijas de un viejo doble LP de los 70) hayan tenido mucho que ver en la explotación de este filón a nivel masivo. La presente colección, dedicada a bandas del sonido Garage US 60s, del sello Inglés Big Beat es sólo una más, y aunque no brille precisamente por su extensión (26 temas en un sólo CD) tiene sus puntos de interés: primero, está producida y recopilada por Alec Palao (el hombre detrás de las cajas Nuggetts de Rhino y de los remasters de The Zombies) lo cual es garantía de calidad; segundo, la presentación está muy cuidada con un libreto de 19 páginas que incluye un prólogo de Norman Sheppard (editor de la revista Ugly Things, decana de esta clase de música) y anotaciones canción por canción del propio Palao; y tercero, incluye un par de rarezas, la versión alterna del tema 99th Floor de The Moving Sidewalks y el tema Get Out Of My Eye de The Soul Vendors. No sé si estas serán razones suficientes para que los dedicados y acérrimos fans de estos sonidos la tomen en cuenta, pero lo que a mí más me gusta de este recopilatorio es su concreción: si eres de los que desea explorar estos territorios aunque sea por curiosidad y no quieres morir en el primer intento por sobresaturación, entonces esta colección puede ser útil como punto de partida; al menos tendrás más éxito que tratando de digerir en una sóla sentada cualquiera de las mega cajas que circulan por ahí.

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Roxy Music - Stranded [1999 HDCD Remaster] (1973 UK Art Rock)

Para no alargar las novelescas andanzas de Roxy Music (en especial para nuestro amigo Rafa) he aquí la tercera parte de la saga. Se vá Eno explusado por Bryan y es sustituído por el ex miembro de Curved Air Eddie Jobson. A diferencia de Eno, quien gustaba de auto catalogarse como un no-musico (por su caracter intuitivo y experimentador), Jobson era un virtuoso de los teclados y el violín que con su background dotaría a Roxy Music de mayor solidez en el plano formal, acercándolo a ciertas pautas progresivas. Si bien la salida de Eno rompe el equilibrio e inclina la balanza hacia el lado de Ferry, Roxy Music sigue funcionando como una entidad colectiva, es más, este disco es otra obra maestra, tan bueno como For Your Pleasure pero en un plano diferente. También hay un nuevo bajista, Johnny Gustafson (ex Big Three, Episode Six y Quartermass) aunque no aparece como miembro oficial. Por otra parte, este es el primer disco de Roxy donde Phil Manzanera y Andy Mckay aparecen como compositores. Cinco de los temas son auténticas maravillas que figuran entre los mejores logrados de su discografía: Amazona es tan sensual como la portada, con un sorprendente trabajo de guitarras por parte de Phil; Psalm es un tema solemne para el lucimiento de Bryan quien ofrece una de sus mejores interpretaciones vocales con el Welsh Male Choir de fondo y un soberbio saxo cuasi jazz; A Song For Europe es en su barroquismo lo más cercano que RM ha estado del sinfonismo Rock, y muchos la consideran su obra cumbre, una pieza sencillamente espectacular. Mother Of Pearl arranca como un aluvión para luego desembocar en un motivo agradablemente repetitivo sobre el cual Bryan desgrana una de sus más narcisistas historias. La preciosista Sunset, con la gran intervención de Chris Lawrence al contrabajo, cierra el disco brillantemente, llena de imágenes extra musicales y demostrando el gran nivel instrumental de la banda. Los otros 3 temas (el single-hit Steet Life, la lacrimógena Just Like You y la trepidante Serenade) son más convencionales pero se escuchan con placer y le dán más variedad al disco. Con Stranded Roxy Music arrasaría en Europa y extendería su prestigio hasta el Japón, aunque EUA seguía resistiéndose a los guiños de Bryan, recibiendo excelentes críticas pero la más fría indiferencia del público. remasterizado en 1999 con el sistema HDCD a 24 bits.

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sábado, 9 de agosto de 2008

Larry Coryell - European Impressions (1978 US Jazz)

Gracias a mi amigo Crimhead, moderador de los blogs The Sky Moves Sideways y Jazz-Rock-Fusion-Guitar (entre los varios otros que lleva) por permitirme publicar el siguiente disco. Aunque no sea muy frecuente verlo en las listas de los más grandes guitarristas, Larry Coryell pertenece definitivamente a esa élite. Un músico brillante dotado de un talento especial. Un hombre con una trayectoria poco menos que legendaria tanto en el Rock como en el Jazz, destacando tanto con la guitarra eléctrica como con la acústica. Aún siendo 100% autodidacta, Larry desarrolló una técnica impecablemente perfecta, con notables dotes para la guitarra clásica y el Flamenco (muchos lo recordarán por el trío de ases que formó junto a John Mc Laughlin y Paco De Lucía), amén de un gusto exquisito por la improvisación. En 1978 Coryell giró por diferentes festivales de Jazz Europeos acompañado con su guitarra acústica solamente, y parte de esa experiencia está recogida en este fabuloso disco, inédito en CD y ripeado por Crimhead de su propio vinilo. Para decirlo en pocas líneas, este es uno de los mejores discos de guitarra jamás editados, un derroche de técnica y feeling, un compendio de diversos estilos (Jazz, Clásico, Flamenco, Folk) donde la improvisación lleva la batuta, una completa delicia para los fans de la guitarra acústica. Como lo he comentado en otras oportunidades, no es muy común que yo postee material ajeno pero esta es una de las pocas ocasiones que realmente lo vale. Espero que sepan apreciarlo.

PD. La portada incluida en este post la encontré por Google Search y es ligeramente mejor a la del post original.

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Roxy Music - For Your Pleasure [1999 HDCD Remaster] (1973 UK Art Rock)

El segundo album de Roxy Music, For Your Pleasure (1973), es para muchos su obra maestra. Aquí las ideas del primer album aparecen más asentadas, las canciones más maduras y el perfil experimental más atrevido y por momentos complicado. Fue también el ultimo disco con Brian Eno, pues su conflicto personal con Bryan Ferry llegó al límite. Sin querer "queriendo", Eno se convirtió en el centro de atención de la banda gracias a su aspecto ambíguo en escena (vestido con plumas de colores y todo maquillado), los extraños y deliciosos sonidos de su sintetizador y su extrovertido carisma en las entrevistas; esto por supuesto puso furioso (y celoso) a Bryan quien poco después de editado el disco le puso un ultimatum: obedeces o te vas ... y Eno se fue. Pero no adelantemos los acontecimientos y vamos a centrarnos en este magnífico disco. Tomando como referencia el vinilo original, la cara A no tiene desperdicio: Do The Strand fue un hit brillante, nada de lo que por entonces llegó a los charts de singles tenía a su vez tanta clase, calidad y comercialidad. La estupenda Beauty Queen define a la perfección la filosofía de RM, una balada aparentemente convencional cuyo break central combina elementos nostálgicos de los 50 con el más puro vanguardismo. Strictly Confidential está llena de misterio y dramatismo con un curioso dueto entre la guitarra de Phil Manzanera y el oboe de Andy McKay. Editions Of You es Rock & Roll de la era tecnológica, parecida a Remake-Remodel pero mucho mejor condensada, el break instrumental donde cada músico se luce con su instrumento es excelente. In Every Dream Home a Heartache es mi favorita, cargada de una tensa calma y envuelta en una morbosa atmósfera creada por los teclados de Bryan, los tratamientos eléctrónicos de Eno y el saxo de McKay, mientras un Ferry lleno de ironía y fingida afectación le canta a su amante: una muñeca de plástico inflable (!!); el final con la banda explotando al unísono es de antología. La cara B se abre con la larga y minimalista The Bogus Man, conducida estupendamente por Paul Thompson sobre la cual se alternan el perverso y atonal saxo de McKay y los ingrávidos licks de la guitarra de Manzanera. Grey Lagoons repite el tema de Editions Of You pero esta vez con un tono de profunda nostalgia. El disco se cierra con la homónima For Your Pleasure, quizá el tema más experimental de RM con una larga coda en la que Eno pone brillantemente el punto final a su experiencia con Roxy. Cabe señalar también que Graham Simpson dejó la banda apenas terminado el primer disco y aquí fue sustituído por John Porter quien hizo un estupendo trabajo pero tampoco duraría mucho. Edición remasterizada en 1999 con el sistema HDCD a 24 bits.

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viernes, 8 de agosto de 2008

Roxy Music - Roxy Music [1999 HDCD Remaster] (1972 UK Art Rock)

Hablar de Roxy Music no es tarea fácil ... ¿ cómo defines a una banda de Rock 100% inclasificable ?. Comencemos por decir que Roxy Music fue una de las bandas más originales que han existido, el vehículo de las ideas de Bryan Ferry, un joven artista que era la antítesis del hippismo Londinense: pulcro, elegante, sofisticado y hasta cierto punto muy burgués. Un fanático del cine de Hollywood y estudioso de las nuevas teorías sobre el comportamiento del hombre moderno. Un tipo que no sintiéndose a gusto con el giro que dió el Rock a finales de los 60, cortó por lo sano creando "su" propio concepto de Rock. Pero para ello necesitaba consolidar una banda que le permitiera traducir en música sus ideas. El primer núcleo de Roxy Music lo conformó Bryan con su amigo el bajista Graham Simpson (con quien militó en una banda de Soul llamada Gas Board) y al saxofonista Andy McKay; este último poseía uno de los primeros sintetizadores llegados a Inglaterra, pero como no sabía tocarlo llevó posteriormente a un amigo llamado Brian Eno que trabajaba en el laboratorio de una escuela de arte donde experimentaba con cintas y efectos de sonido futuristas. Tras probar infructuosamente con el baterista Norteamericano Dexter Lloyd y el ex guitarrista de The Nice Davy O'List, Roxy Music se consolida con Paul Thompson (batería) y el guitarrista Inglés de origen Colombo-Venezolano Phil Manzanera. Después de un sorprendente y exitoso single (Virginia Plain) la banda graba con la producción de Pete Sinfield (letrista de King Crimson) su primer album homónimo en 1972, que resultó toda una revelación. Musicalmente Roxy Music rescataba la esencia y la estética del Rock & Roll de los años 50 combinadas con elementos de la vanguardia experimental (minimalismo, electrónica, noise-music), de la música ligera y atmósferas llenas de dramatismo similares a algunas bandas progresivas, todo esto traducido en canciones que hablaban de decadencia moral, complejas relaciones, hedonismo y vitriólicas imágenes cinematográficas. Un cocktail tan extraño como único pero irresistible. Aunque al comienzo esta ambiguedad de concepto no les hizo nada bien, pues nadie sabía como catalogarlos (aún hoy en día se les endosa erróneamente la etiqueta Glam-Rock, lo que a su vez originó que RM fuesen por años rechazados en Norteamérica), con el tiempo Roxy Music se consolidó como una de las formaciones básicas de los 70 y con un rango de influencia que en los 80 abarcaría a muchas agrupaciones bajo las etiquetas de Post-Punk, New Wave, New Romantics y Techno-Pop. El disco en cuestión fungió de rompehielos en una época dominada por la musica progresiva y el Hard Rock, temas como Remake-Remodel, Ladytron, If There is Something, Chance Meeting o Would You Believe? fueron la puerta a un mundo nuevo donde el gusto por las buenas melodías y los pegajosos estribillos no necesariamente tenían que ir divorciados de la experimentación y de la capacidad de sorprender. Por esta y otras razones Roxy Music ha pasado a la historia del Rock como uno de los mejores discos debut. La presente edición fue remasterizada a 24 bits en 1999 con el rompedor single Virginia Plain agregado como bonus track.

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jueves, 7 de agosto de 2008

Simon & Garfunkel - Live From New York City, 1967 (2002 US Folk Rock)

El Philharmonic Hall de Nueva York es un recinto tremendamente especial para la música; un local de dimensiones modestas, pocas butacas, separación mínima entre el artista y el público, decoración sencilla y perfecta acústica lo han convertido a lo largo de los años en el espacio ideal para recitales íntimos y con mucha participación del público. En ese marco Simon & Garfunkel ofrecieron el 22 de Enero de 1.967 un recital para la historia; era la época de transición entre el éxito de sus 3 primeros discos y la consagración definitiva 1 año despúes con la banda sonora de la película El Graduado, una especie de "comeback home" tras las presentaciones a lo largo y ancho de Norteamérica, y nada mejor que saludar a su ciudad natal con un concierto intimista y completamente acústico. Parte de este recital apareció en 1997 en la caja Old Friends, pero esta es la primera vez que se ofrece en su totalidad. Un magnífico repaso a su discografía sólamente con la guitarra de Paul y las voces de ambos con sus perfectas armonías, unas veces al unísono y otras en contraposición pero siempre dejando en el público esa sensación de tranquilidad que siempre caracterizó sus interpretaciones. Un hecho que siempre me gusta comentar sobre el papel de ambos personajes: si bien existe la tendencia de endosar sobre Paul Simon el liderazgo del dúo, ambos funcionaban como una entidad orgánica y muy democrática; Paul era el autor de todas las canciones pero Art Garfunkel era el autor de todos los arreglos vocales y fué precisamente esa simbiosis la que los convirtió en el más famoso dueto en la historia del Rock And Roll. Un artefacto sonoro de lo mas refrescante para estos días de sofocante calor, aunque los habitantes del hemisferio sur también sabrán sacarle provecho.

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martes, 5 de agosto de 2008

Crosby, Stills, Nash & Young - 4 Way Street [1992 Remaster] (1971 US Folk Rock)

Uno de los grandes discos en vivo de la historia, un disco de obligada presencia en cualquier colección Rock mínimamante completa. Iniciados como trío (Crosby, Stills & Nash) y con la posterior adición de Neil Young para darle más solidez al conjunto, Crosby, Stills, Nash & Young escribieron en poco más de 1 año una de las paginas más brillantes de la música Norteamericana de finales de los 60, merced de un soberbio album en estudio (Deja Vú) y un agotador Tour de costa a costa que dejó como documento final este excelente doble en vivo. Y es que semejante reunión de egos no podía perdurar en el tiempo sin terminar devorándose unos a otros cual hidra. Desde entonces se han sucedido muchos intentos de reunificación pero es por este disco que CSN&Y pasaron a la historia del rock y por el que siempre serán recordados. Un aspecto curioso de este cuarteto es que nunca fueron una unidad creativa, cada quien jalaba la cuerda para su lado, sus discos eran algo que podría describirse así: "a continuación tocaremos 2 canciones de Nash y después de un largo tema de Young volveremos con CSN&Y para finalizar con algo de Stills" ... suena irónicamente exagerado pero era así. Sin embargo lo más fascinante era la manera como el material de uno se yuxtaponía perfectamente con el de los demás, dándole al resultado final, sea en disco que en concierto, un flujo natural y un sentido de colectivismo. Otro aspecto interesante, y quizá por el que más se les aprecia y recuerda, era su dicotomía acústico-eléctrica que los convertía en la antítesis de sí mismos. Mientras en el set acústico eran suaves e intimistas, en el set eléctrico eran duros y brutales. Mientras en el primer set reinaba la camadarería entre risas y palmadas en la espalda, en el segundo set eran una lluvia de altos decibelios, enfrascados en endiablados duelos de guitarras y una sección rítmica (en este disco Calvin Samuels - bajo y el ex Turtles John Barbata - batería) que no descansaba un segundo. De más está decir que este fantástico disco muestra ambas facetas con la cada quien se sentirá identificado, aunque en la síntesis de ellas está el verdadero disfrute. La presente edición fue remasterizada en 1992 y se le agregaron 4 bonus tracks al set acústico: Graham Nash rememorando sorpresivamente su pasado Inglés con The Hollies (King Midas in Reverse), David Crosby en otra de sus misantrópicas odas (Laughing), Stephen Stills estupendamente Bluesístico (Black Queen) y la gran Medley de Neil Young (The Loner-Cinnamon Girl-Down By The River). No me extiendo más en el repaso de los temas, pero no resisto citar los 2 aluviones Hard Rock en Ohio y Carry On.

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lunes, 4 de agosto de 2008

Led Zeppelin - How The West Was Won (2003 UK Hard Rock)

¿ Puede existir un blog sobre música Rock sin un disco de Led Zeppelin ? ... ¡ por supuesto que no !. Estamos hablando de una de las bandas definitivas de la historia. Y aunque sus detractores se regodeen echándoles permanentemente en cara los plagios en sus canciones, estos no ensombrecen lo más mínimo su transendencia. A partir de la herencia de The Yardbirds, Led Zeppelin trajo consigo una nueva forma de entender y tocar el Rock, estableciendo el arquetipo del grupo que dominaría a partir de 1970. Y conste que quien escribe, aún admirándolos y apreciándolos, no es uno de sus más fervientes fans. Por otra parte resulta insólito como una banda de este calibre Jamás ofreciera al público un album en vivo en pleno apogeo de su gloria; obviamente The Song Remains The Same no cuenta como tal pues no fue hecho con esa intención, y el BBC Sessions de 1997 fue un disco póstumo y solo parcialmente grabado en un auditorio. Pero a raíz del trabajo investigativo que hizo Jimmy Page en busca de material para el doble DVD aparecieron las cintas de 2 recitales que la banda ofreció en Los Angeles en el verano del 72 y que nos dá en 3 CD's, con la mejor calidad de sonido, una muestra de LZ sobre un escenario en su mejor momento. A menos que alguno de los más acérrimos coleccionistas de bootlegs de Zeppelin demuestre lo contrario, estas son las mejores versiones en vivo de los más grandes clásicos de la banda; si eres de los que solían aburrirse escuchando Dazed & Confused por lo larga, o bien Moby Dick por el cargante solo de batería (a mi juicio Bonzo jamás necesitó de solos para mostrar su talla) es porque no has escuchado aún las versiones aquí incluidas, llenas de cambios y variantes poco habituales. Por ser el tour promocional del album The Houses Of The Holly, podemos gozar de versiones (inéditas oficialmente) de Over The Hills and Far Away, Dancing Days y The Ocean. El pequeño set acústico muestra como LZ no necesitaban del fluido eléctrico para ser una banda potente. Mi preferida es el maravilloso torrente de vitalidad e intensidad de Since I've Been Loving You, quizá el mejor blues eléctrico jamás tocado por banda alguna. Todo el resto del material brilla con la misma intensidad y con un sonido que es todo un lujo. Un disco imperdible.

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