jueves, 30 de octubre de 2008

Gary Moore - Blues Alive (1993 Irlanda Blues)

Indudablemente Gary Moore es uno de los grandes guitarristas vivientes. Dotado de una técnica alucinante, velocidad, versatilidad y un dominio absoluto de las escalas y los tonos, su talento sin embargo no ha sido valorado en su justa dimensión. Me gustaría que algún erudito me explicase qué tienen Joe Satriani, Steve Vai, Edward Van Halen o el difunto Randy Rhoads que no tenga Gary Moore, por qué se le reconoce sólo como buen guitarrista a secas y nunca se le cita en el selecto grupo de los grandes. No obstante este Irlandés ha tenido una carrera tan brillante como coherente demostrando no sólo su virtuosismo sino también sus dotes como compositor y cantante, tanto como miembro de Skid Row (los originales, no los vulgares hard rockeros de los 90), Thin Lizzy y Colosseum II como al frente de su propia banda. Después de separarse definitivamente de Thin Lizzy tras el soberbio album Black Rose en 1979 y tras su breve paso por la banda de Greg Lake (ex bajista y cantante de ELP) a principios de los 80, Gary concentró todas sus fuerzas en su carrera solista produciendo muy buenos discos de Hard Rock marcados por su torrencial estilo, pero tras el album After The War de 1989 Moore redescubre su pasión por el Blues, grabando uno de sus discos más conocidos (el soberbio Still Got The Blues), formando una nueva banda llamada Midnight Blues Band con quienes se dedicaría a recorrer los escenarios del mundo para demostrar que lo suyo no se limita a las vertiginosas carreras por el mástil de la guitarra sino que también es un intérprete cargado de sensibilidad y expresividad. Este Blues Alive esta tomado de algunos conciertos en Los Angeles, París y Londres como parte de su gira mundial de 1992 y es el disco que más me gusta recomendar de este hombre. Una vibrante combinación de temas propios y clásicos del Blues respaldado por una extraordinaria banda donde se dan cita algunos viejos zorros del British Blues (el tecladista Tommy Eyre, el bajista Andy Pyle, el baterista Graham Walker) junto a una trepidante sección de vientos y un par de chicas haciendo coros. El tema Cold Day In Hell inicia los trámites por todo lo alto con la sección de vientos poniendo el contrapunto perfecto a los feroces punteos de Gary. La entrada de guitarra en Walking By Myself del inmortal Jimmie Rodgers deja en claro cual es el nivel de Moore. Algunas de sus propias composiciones suenan tan auténticas que resulta difícil distinguirlas de los clásicos del Blues, tal es el caso de Story Of The Blues, Since I Met You Baby y King Of The Blues (dedicada a su idolatrado Albert King). Su versión de The Sky Is Crying es una de las más intensas de este viejo clásico e incluso rescata a uno de los más injustamente olvidados héroes del Blues Inglés, el fallecido Duster Bennett, con el tema Jumpin' At Shadows. En So Tired (original de Johnny 'Guitar' Watson) Gary hace dúo con el legendario guitarrista de Blues Albert Collins (quien sinceramente no sale muy bien parado al tratar de seguirle el paso a la escurridiza guitarra de Gary). En un par de oportunidades nos cuela 2 de las sensibileras baladas que de vez en cuando escribe, pero el solo en Parisienne Walkways es tan impresionante que le perdonamos eso y más. Si te gusta el Blues Rock en vivo no dejes pasar este discazo.

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miércoles, 29 de octubre de 2008

The Rolling Stones - Big Hits (High Tide And Green Grass) [2002 SACD Hybrid] (1966 UK Rock)

Primera recopilación de éxitos de The Rolling Stones lanzada en 1966 en 2 versiones, una para el mercado Europeo y otra para USA, siendo esta la correspondiente a Norteamérica. Para los fans completistas este CD trae una remezcla del clásico Satisfaction (aunque lo único que trae de diferente es la guitarra acústica repartida entre los 2 canales del stereo con el resto de los instrumentos y la voz en el centro y mayor presencia del bajo) y la versión Europea de Time Is On My Side, diferente a la incluida en el album 12X5: la introducción está a cargo de la guitarra y ésta prevalece por sobre el órgano a diferencia de la versión USA; el sonido es más limpio y en líneas generales es muy superior a su contraparte Norteamericana. Recomendable para los curiosos que deseen hurgar rápidamente en los incios de los Stones.

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The Rolling Stones - December's Children (And Everybody's) [2002 SACD Hybrid] (1965 UK Rock)

Retomamos la revisión a los últimos remasters de The Rolling Stones con el album December's Children. Como los Stones no tenían programado ningún lanzamiento para la época navideña de 1965, la subsidiaria Norteamericana de Decca Records se sacó de la manga este disco a fin de no desaprovechar tan lucrativa oportunidad. Para ello recuperaron los temas excluídos del Out Of Our Heads Europeo (She Said Yeah, Talkin´ About You, I´m Free, Gotta get Away) y los combinaron con singles (The Singer Not The Song, Get Off Of My Cloud, As Tears Go By) más la versión de You Better Move On proveniente del primer EP Británico de la banda. Pero para hacerlo aún más atractivo le agregaron 4 temas sólo disponibles en esta edición Norteamericana: el Blues Look What You've Done, la balada Blue Turns To Grey y 2 versiones en vivo de Route 66 y I'm Moving On, siendo este último un tema regular en los conciertos de los Stones aunque nunca hicieron una versión en estudio. A pesar de la falta de unidad el disco es una pieza indispensable para los fans que no deseen quedarse sin esos 4 temas. La portada es la misma del Out Of Our Heads Británico lo que se ha prestado a confusiones a la hora de comprar uno u otro.

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martes, 28 de octubre de 2008

The Who - The Who Sell Out [1995 Remaster] (1967 UK Rock)

Sell Out fue el tercer album de The Who y representó un paso más en la evolución musical de la banda. En este disco The Who marcan definitivamente distancia con la estética Mod y la imagen de 'banda de singles' (aunque seguirían editándolos). Sell Out confirma todo lo que hubo de bueno en A Quick One pero limando a la vez todas las asperezas de éste; el resultado es una obra madura y cohesiva desde todo punto de vista. Para reforzar esto último, Sell Out se presenta como una obra unitaria y en cierto aspecto conceptual. No hay una historia que contar pero sí hay un elemento amalgamante: los 13 temas están unidos por spots publicitarios (algunos reales pero la mayoría fueron falsos creados por John y Keith) dando la impresión de escuchar una emisora radial (Radio London) que sólo pasa música de The Who. Un concepto bastante original y que proyectaría a la banda a futuro como una auténtica fuerza creativa. Cada uno de los miembros está identificado por un producto comercial representado a su vez por una canción tal y como se ilustra en la portada (Pete publicita un desodorante, Roger frijoles enlatados, Keith pomada para el acné y John el método de Charles Atlas para desarrollar músculos). Pero al margen de estos geniales toques humorísticos el disco destaca por la brillantez compositiva del material; canciones predominantemente melódicas (Mary Ann With The Shaky Hand, Tatoo, Our Love Was, I Can´t Reach You) flanqueadas por 2 de los temas más duros de la banda, la psicodélica Armenia City In The Sky que abre el disco (escrita por John 'Speedy' Keen, chofer de Pete Townsend y futuro miembro de Thunderclap Newman), y el proto-heavy de I Can See For Miles. En el tramo final el disco se torna solemne y con matices casi oscuros: la ácida Relax, la coral Silas Stingy, la acústica Sunrise y la dramática Rael 1. Estas 2 últimas piezas son de vital importancia pues desarrollan elementos que apuntan directamente hacia Tommy, de hecho, la parte final de Rael 1 la volveremos a encontrar 2 años después en la opera-Rock bajo el título de Underture (al igual que el bonus track que cierra el CD cuya coda reaparecería en It´s A Boy). Nuevamente los bonus tracks son realmente excelentes, varios de los cuales habrían merecido aparecer en el album original (Melancholia, Someone´s Coming y Jaguar por ejemplo). Lo mejor de todo es que los temas adicionales enlazan también con pautas publicitarias originalmente desechadas, dándole al CD una continuidad de principio a fin. En resumen Sell Out es más que la antesala a la consagración de The Who, es sin duda uno de los mejores discos de la banda.

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sábado, 25 de octubre de 2008

Edgar Winter Group - Frankenstein (Live 1973)

Impresionante versión de 9 minutos la que hacen Edgar Winter y su banda del tema Frankenstein, en vivo para la TV Norteamericana. Edgar muestra su condición de prolífico instrumentista al sintetizador, el saxo y los timbales, sin olvidar el brillante hacer de sus músicos. Por cierto que Edgar utilizó un sintetizador ARP portable que era toda una novedad para la época. Que lo disfruten.


Edgar Winter Group - Frankenstein

[via FoxyTunes / Edgar Winter]

Edgar Winter - The Best Of Edgar Winter (2002 US R&B)

Para seguir en familia les dejo este buen recopilatorio de Edgar Winter, hermano menor de Johnny y leyenda por mérito propio. Al igual que su hermano, Edgar sufría de albinismo pero también compartía un talento innato por la música y una pasión por las formas musicales de los negros del sur de USA. No obstante cada uno seguía sus propios instintos: mientras Johnny se concentraba en dominar la guitarra, Edgar apredía a tocar por sí sólo los teclados, el saxo, el bajo y la batería; y mientras su hermano mayor se entregó con pasión al blues, Edgar desarrolló su propio estilo orientado al Jazz, Soul & Gospel, convirtiéndose en una versión moderna y rockera de Ray Charles, aunque con su propia personalidad. Después de participar en el primer disco de su hermano (escribiendo y dirigiendo los arreglos de viento entre otras cosas), Edgar firma su propio contrato con Columbia y graba los albumes Entrance (1970) y Edgar Winter's White Trash (1971) donde despliega todo su extraordinario talento como instrumentista, cantante y arreglista acompañado por excelentes músicos, como los no menos legendarios Jerry La Croix, Ronnie Montrose, Rick Derringer y Dan Hartman. Su gran momento llegaría con el album They Only Come Out At Night (1972) y el tema Frankenstein, un soberbio instrumental donde Edgar se revela como pionero en el uso del sintetizador dentro de un contexto no progresivo. Ese mismo año aparece Roadwork, uno de los grandes directos de los 70, y en 1974 alcanza el techo de su popularidad con Shock Treatment. De allí en adelante la carrera de Edgar se mantiene con buenos discos (excepto el horroroso y discotequero The Edgar Winter Album de 1979) pero lejos del furor de su primera etapa, alternándose como músico de sesión y acompañante (desde Meat Loaf hasta David Lee Roth) hasta llegar a nuestros días con su capacidades intactas y un muy buen reciente CD llamado Rebel Road, aunque su figura y legado estén algo infravalorados. Este recopilatorio se centra en el período 1970-1981 con especial atención en sus 3 primeros discos. Lamentablente su breve ruptura con Columbia en 1973 deja a los temas de Shock Treatment fuera de este CD, lo que explica la no inclusión de una de las más excitantes piezas de Edgar, la fenomenal Easy Street. No obstante la selección es excelente (salvo la horrible It's Your Life To Live que recomiendo pasar por alto) con la ya citada Frankenstein, la enorme carga emotiva de Dying To Live y Fly Away llenas de acentos Gospel, la mejor versión de Tobacco Road jamás grabada (y si alguien conoce alguna mejor que lo diga), el dueto con su hermano en Harlem Shuffle, la espectacular y jazzística Fire & Ice donde Edgar demuestra su magnífico dominio del saxo (para mí el mejor ejecutante de saxo en el Rock y a la altura de muchos prestigiosos Jazzistas), la dura Free Ride....en fin, una muy buena introducción a uno de los grandes de la música Norteamericana.

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jueves, 23 de octubre de 2008

Johnny Winter - The Progressive Blues Experiment [2005 Remaster] (1969 US Blues)

Curioso disco este de Johnny Winter. Cuando Columbia editó su primer album en 1969 Johnny fue recibido como una de las grandes promesas del Blues eléctrico y de la guitarra. Pero pocos años antes durante su camino hacia la fama, Winter grabó para varias oscuras casas discográficas en su natal Texas, y cuando nuestro héroe alcanzó el estrellato dichas casas lanzaron todo ese material para capitalizar el momento creando una confusión descomunal entre los fans. De todos esos discos, este The Progressive Blues Experiment no sólo es el único que se sostiene musicalmente sino que es uno de los más queridos entre los seguidores de Johnny Winter. Grabado en una sesión privada en un Nightclub de la ciudad de Austin, Texas en 1967 y editado 2 años más tarde por el sello Imperial, TPBE es un disco que a pesar de la falta de una producción formal, muestra todo el alcance del talento de Winter: estupendo guitarrista con gran dominio del slide, dueño de una gran capacidad interpretativa y profundo conocedor del Blues, Johnny Winter es uno de los músicos blancos que mejor supo captar la auténtica esencia Bluesística y traspolarla al Rock & Roll. Respaldado brillantemente por el bajista Tommy Shannon (futuro miembro de los Double Trouble de Stevie Ray Vaughan) y el baterista John 'Red' Turner, Johnny Winter nos regala 10 temas que son todo un derroche de fuerza, clase y pasión; mas no obstante el torrente eléctrico que sale de su guitarra las piezas suenan auténticas y fieles a la esencia primaria del Blues, y esa es quizá la más grande de sus virtudes. Vibrantes versiones de Rollin' And Tumblin' (de su ídolo Muddy Waters), Help Me (Sonny Boy Williamson), It's My Own Fault (B.B. King) y la tradicional Broke Down Engine se alternan con piezas propias que no desmerecen junto a los clásicos y entre las que destacan sobremanera Tribute To Muddy y la acústica Black Luck And Trouble donde Johnny demuestra su dominio total del vocabulario del Blues. Sin duda un gran disco aún bajo las condiciones fortuitas en que fue grabado.

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B.B. King - King Of The Blues (1992 US Blues)

No se puede hablar de esta como la Colección Definitiva de B.B. King pues a 16 años de su edición el maestro del Blues sigue vivo, bien, grabando y actuando como siempre. No obstante sí ofrece a través de sus 4 CD's una excelente visión retrospectiva del grueso de su brillante carrera y permite a los más jóvenes (y a los no tan jóvenes que no vivimos esos tiempos) entrar en contacto con su material más antiguo para descubrir dónde están las raíces de muchos de los artistas y bandas que nos gustan. Y es que B.B. no sólo es el más grande guitarrista viviente de entre los legendarios maestros del blues, él fue quizá el que mejor sintetizó la herencia del Delta del Missisippi con los sonidos eléctricos de las grandes urbes (con Chicago a la cabeza) para producir un estilo único y original que tuvo una numerosa descendencia especialmente en Inglaterra, ayudando a definir el prototipo del guitarrista de Rock en los 60. Esta brillante colección nos pasea por la trayectoria musical del maestro desde sus mismísimos inicios a través de 77 temas tomados de LP's, singles y directos, más algunas piezas inéditas, un perfecto balance de clásicos y rarezas para satisfacer tanto a los más exigentes como a los curiosos. El único defecto de esta y otras colecciones de Blues está en que entrados en los años 80 la música se contamina de sintetizadores, percusiones sintéticas y esa atmósfera de quirófano digna de aquellos años, lo que contrasta con la mayor virtud del Blues: la naturalidad, pero eso se puede solucionar con ese maravilloso artilugio de la tecnología moderna conocido como Forward ... del resto esta colección no tiene el más mínimo desperdicio. Los 4 CD's vienen en un libro empastado con 73 páginas de texto y fotos, de las cuales sólo he incluido las relativas a las canciones más unas pocas fotos seleccionadas, pues este tipo de formato es difícil de meter al scanner sin dañarlo. Pero lo que sí está intacta es la maravillosa música del Rey del Blues, Mr. Riley B. King.

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miércoles, 22 de octubre de 2008

The Open Mind - The Open Mind (1969 UK Psycho)

Primer y único disco de The Open Mind, banda proveniente del Sur de Londres e integrada por Mike Brancaccio (Italiano residente en Inglaterra) a la guitarra y piano, Terry Martin a la guitarra y canto, Tim Du Feu al bajo y Phil Fox a la batería. Se iniciaron bajo el nombre de The Drag Set en plena efervescencia del movimiento Mod, su enérgico directo llama la atención de un cazatalentos del sello Phillips con quienes graban a finales de 1966 el single Day And Night/Get Out Of My Way de escasa repercusión (parece que a los mods no les gustaba mucho comprar discos). Para 1967 el rock estaba cambiando, la psicodelia hizo que muchas bandas se plantearan el reto de renovarse y The Drag Set no fueron la excepción, cambiando su nombre a The Open Mind. La banda se amplió con la entrada del cantante Jon Anderson (leyeron bien, el mismo que tienen en mente) pero tras pocas semanas los dejó para formar Yes. The Open Mind comenzaron a hacerse una reputación alrededor de los clubs de la psicodelia Londinense como el UFO y a finales de 1968 inician la preparación de su primer LP. Editado al año siguiente, este homónimo disco es reflejo de la transición del primitivo sonido Freakbeat de la banda hacia los nuevos territorios de la Psicodelia más Heavy. En algunos temas suenan tremendamente pop con ecos de Creation, The Who o de la segunda etapa de Small Faces, especialmente por el enfoque vocal (Dear Louise, Try Another Day, Girl I'm So Alone, Falling Again). En otras ocasiones los temas se despegan de la melodía original y alzan vuelo en sorprendentes puentes instrumentales llenos de tensión rítmica y guitarras cargadas de Fuzz (I Feel The Same Way Too, My Mind Cries, Soul And My Will), pero es en los restantes temas (sobre todo en las estupendas Can´t You See?, Before My Time y Free As The Breeze) donde la banda descarga toda su nueva personalidad: guitarras incisivas, atmósferas neo progresivas, elementos orientales ... me atrevería a asegurar que The Open Mind fueron la antesala al sonido ácido-esotérico de bandas como Hawkwind. No obstante el disco vendió muy poco y recibió frías críticas, y a pesar que el soberbio tema Magic Potion (su siguiente single) fue bien recibido y pasaría inmediatamente a ser considerado un clásico de su tiempo, The Open Mind fueron diluyéndose hasta separarse en 1972. Décadas después el revival del rock de los 60 hizo que Magic Potion apareciera en varias antologías especializadas (Rubbles, Nuggetts). De repente surgió un nuevo interés por bandas como The Open Mind y el disco fue reditado varias veces en los 90 (por Phantom Records en Australia, Acme en Inglaterra y Second Battle en Alemania) hasta que en 2006 el sello Sunbeam lanzó la edición definitiva (tanto en CD como en vinilo) que incluye el album original, el single Magic Potion/Cast A Spell y el single de The Drag Set. Una obra 100% recomendable para los amantes del clásico Rock Británico.

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martes, 21 de octubre de 2008

Judee Sill - The Kiss [Live 1973]

Esta es una de las poquísimas filmaciones de Judee Sill disponibles. Se trata de una presentación en el programa The Old Grey Whistle Test de la BBC de Londres (segunda cadena) grabado durante la segunda visita de Judee a Inglaterra. En el video Judee canta el tema The Kiss de su segundo album Heart Food, y es una de las piezas más intensas de su corta pero brillante discografía. Por cierto, esta es la misma versión correspondiente al día 05/04/73 e incluida en el CD Live In London: The BBC Recordings 1972-1973 y que pueden descargar aqui. Que lo disfruten.

Judee Sill - The Kiss [OGWT, 1973]

[via FoxyTunes / Judee Sill]



lunes, 20 de octubre de 2008

The Who - A Quick One [1995 Remaster] & A Quick One [Dr. Ebbetts UK Mono LP] (1966 UK Rock)

A Quick One fue el segundo album de The Who, un disco importante pues finalizado el contrato que tenían con el productor Shel Talmy la banda se sintió libre para expresar sus propias ideas en el estudio, experimentando con diferentes instrumentos y nuevos efectos, y si bien tiene algunas imperfecciones representa una evolución respecto a su muy buen primer trabajo. Para empezar hay un solo cover, una buena versión de Heatwave del repertorio de Tamla Motown, el resto es puro material original. El co-manager de la banda, Chris Stamp, había negociado un anticipo sobre derechos de autor de 500 Libras para cada músico (una cifra exorbitante entonces), lo que obligaba a cada uno de los Who a contribuir con almenos un tema. John Entwhistle debutó con 2 temas que ya exponían su característico humor negro, la tétrica Boris The Spider, pieza que se convertiría en uno de los clásicos indiscutibles de The Who, y la cínica Whiskey Man en la que John desplegaría por primera vez su pasión por los instrumentos de viento y que pasaría a ser una constante en los sucesivos discos. Keith Moon sorprende por partida doble: I Need You no desmerece junto al material de sus colegas e incluso se atreve a cantarla; Cobwegs And Strange es puro divertimento con la banda marchando por el estudio mientras grababan (Keith tocando platillos, Pete el silbato, John la tuba y Roger el trombón) rematando con un espléndido dueto guitarra-batería. See My Way de Roger Daltrey tiene una muy buena melodía y muestra sus dotes de compositor, faceta que por razones poco claras él nunca quiso explotar. Como es de suponer es Pete Townsend quien declara su hegemonía como la principal fuerza creativa del cuarteto; de sus 4 excelentes temas el premio mayor se lo lleva A Quick One While He´s Away, una mini-opereta de 9 minutos dividida en 6 partes donde The Who narran una divertida historia de infidelidad y perdón que constituiría el núcleo de lo que más tarde sería Tommy. Como todas las ediciones remasterizadas de The Who la cantidad de bonus tracks es abundante: 4 de los 5 temas del EP Ready Steady Who (el otro ya había aparecido como bonus en la redición del primer disco), 3 caras B y 3 inéditos con mención especial a la fabulosa versión acústica de Happy Jack. El sonido es muy bueno, aunque por problemas con los masters se combinaron temas en mono y stereo, lo que a muchos fans puristas les cayó mal pues no permite recrear el disco tal y como fue concebido. No obstante son The Who, y eso ya lo justifica todo.

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Como bonus les dejo también la versión del LP en mono de A Quick One remasterizada por el legendario Dr Ebbetts en formato Flac. Tomado de Groovyfab con permiso de su autor (gracias Barrym).

A Quick One - 1995 Remaster (@320)
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A Quick One - Dr. Ebbetts UK Mono LP (Flac)
Parte 1

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domingo, 19 de octubre de 2008

Judee Sill - Abracadabra: The Asylum Years (2006 US Folk)

Este post es mi humilde tributo a una de las cantautoras más brillantes que jamás hayan existido pero también una de las más infravaloradas: Judee Sill. Guitarrista, pianista y cantante, poseedora de una magnífica voz, una sólida formación musical (egresada del Valley Junior College of Music de San Fernando, California) y de una fértil vena compositiva, Judee merece estar en el pedestal de las grandes heroínas de la música Americana junto a Joan Baez, Joni Mitchell, Judy Collins y Emmylou Harris, aunque el destino no haya sido justo con ella al respecto. Nacida en Oakland en 1944, Judee tuvo una traumática adolescencia con algunos episodios oscuros que reflejaría muy veladamente en sus canciones: escapada de su casa para huir de la violencia doméstica de su madre y padrastro, se dedicó a vagar por USA como una nómada, cantando ocasionalmente en bares y coffee-houses para ganar algo de dinero. Cuando la falta de aquél se hizo crítica llegó al extremo de perpetrar con sus compinches pequeños robos a mano armada, lo que la condujo a pasar 9 meses en un reformatorio para chicas. Allí se hizo organista en la Iglesia del reformatorio y comenzó a componer sobre una base frecuente. Una vez fuera consiguió trabajos como bajista itinerante, tocando el piano en un bar y agregando a su coctel de drogas (estimulantes, marihuana, LSD) otra más peligrosa: la heroína. Pero las cosas empezaron a cambiar cuando su viejo amigo de juergas Jim Pons (bajista de The Turtles) la llama para pedirle una canción y Judee le ofrece Lady-O, tema que la banda se encarga de poner en las listas de éxitos. Mejor aún, un día se encuentra con el viejo amigo de la familia David Geffen quien estaba en proceso de formación del sello discográfico Asylum y Judee se convierte en su primer fichaje. Geffen se la lleva pronto al estudio y graba el que sería el primer lanzamiento de Asylum, el disco Judee Sill (1971), una magnífica colección de canciones Folk arropadas por arreglos de cuerdas y vientos (escritos y dirigidos por la propia Judee) y con su maravillosa voz que a ella le gustaba realzar con múltiples overdubs. Sus temas son de una gran carga poética, con metáforas sobre el amor, la religión, la cosmología y el ocultismo; canciones memorables como Crayon Angels, The Archetypal Man, The Lamb Ran Away With The Crown, Lady-O, Jesus Was a Crossmaker (llevada al éxito posteriormente por The Hollies); canciones que al oírlas te preguntas en donde carajo tenía la cabeza el público de entonces que no le prestó la suficiente atención. A pesar de las modestas ventas aquel fue el mejor período en la vida de Judee, ganándose el respeto y la admiración de sus colegas (Joni Mitchell, Jackson Browne y su gran amigo Graham Nash entre otros), recibiendo excelentes críticas y llevando su música por todo USA en recitales íntimos como supporter de Crosby & Nash, Van Morrison y otros, incluso hizo 2 breves viajes a Londres donde dejó gratísima impresión y donde grabó unas sesiones para la BBC (editadas en 2007 como Live In London: The BBC Recordings 1972-1973). En 1973 llegaría su segundo album Heart Food, una obra más compleja con cierta inclinación hacia el Country y ambiciosos arreglos orquestales y vocales, pero manteniendo el tono brillante de las composiciones: There´s a Rugged Road, The Kiss, Down Where The Valleys Are Low, The Vigilante y 2 de sus mejores temas, The Phoenix y la inquietante (casi operística) The Donor. Lamentablemente el disco tuvo menos aceptación que el primero y una desanimada Judee Sill volvería a refugiarse en la heroína. En 1974 grabó algunos temas para su tercer disco (que aparecerían en 2005 como Dreams Come True junto a otros descartes y un video), pero sus adicciones y otros problemas hicieron que poco a poco se alejara de los estudios hasta que 1979 sus amigos recibieron la fatal noticia de su muerte por sobredosis. En los últimos 5 años el culto a la música de Judee Sill ha ido creciendo en parte gracias a las versiones que de sus temas hicieron en los 90 artistas como Shawn Colvin y Warren Zevon y a las múltiples rediciones de los sellos Rhino, MSI y Water. Este estupendo doble CD de Rhino contiene sus 2 albumes originales más 21 bonus tracks que incluyen demos, versiones alternas, inéditos y temas en vivo. Entre todo ese material hay que destacar un hermoso recital grabado en Boston en 1971 donde Judee sólo con su guitarra, su piano y su voz suple brillantemente los arreglos del disco y se mete al púbico en el bolsillo con su calidad interpretativa. Sólo lamento que Judee no esté entre nosotros para presenciar la reivindicación de su talento y de su maravillosa música.

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viernes, 17 de octubre de 2008

Spring - Spring [2002 Remaster] (1971 UK Prog Rock)

A comienzos de los 70 bandas como ELP, Yes, Genesis o King Crimson eran sólo la punta del iceberg del vasto movimiento Rock progresivo que dominaba Gran Bretaña y se expandía por toda Europa, pero tras ellos coexistían cientos de bandas que ante la excesiva oferta fueron incapaces de abrirse camino a pesar de la calidad de algunas de ellas. Una de esas agrupaciones fue Spring formados en 1970 en la ciudad de Leicester y que al año siguiente editaría este su único album. Integrados por Pat Moran (cantante), Ray Martínez (guitarras), Adrian Maloney (bajo), Pique 'Pick' Withers (batería) y Kips Brown (teclados), Spring tenían varios puntos a su favor que los hacían diferentes del grueso pelotón progresivo de entonces: primero, el uso de 3 melotrones (tocados por Moran, Martínez y Brown) que le daba a su sonido esa típica atmósfera sinfónica pero sin caer en saturaciones; segundo sus canciones nada complicadas en el plano melódico que se movían dentro de coordenadas bien concretas y sin exibiciones gratuitas de virtuosismo; y tercero el caracter decididamente 'Soft' de su propuesta, con la aterciopelada voz de Moran y las claras y muy relajadas ejecuciones instrumentales. Quizá fueron estos 2 últimos factores los que los hizo poco atractivos a los oídos de un público capturado por la fantasía sónica y los excesos de las bandas punteras del género. No obstante son precisamente esos factores los que, a 38 años de su edición, hacen que este disco suene sorprendentemente fresco y vital, a diferencia de algunas obras de las vacas sagradas del progresivismo (me reservo nombres para no herir suceptibilidades) que hoy en día suenan terriblemente envejecidas. Temas deliciosamente mágicos como Grail o Song For Absent Friends se alternan con piezas más dinámicas como Shipwrecked Soldier, Golden Fleece o Inside Out con buenos interludios de guitarra y órgano. A pesar del limitado protagonismo me gusta mucho el estilo sobrio y preciosista de Ray Martínez, pero todos los músicos hacen una gran labor. Spring tenían ya preparado un segundo album para 1972 pero las malas ventas del primero bloqueó su edición y la banda se separaría; de sus miembros sólo 'Pick' Withers lograría la fama al fundar años después Dire Straits junto a los hermanos Mark & David Knopfler y al ser invitado por Bob Dylan para tocar en su album Slow Train Coming. La presente edición remasterizada fue lanzada por el sello Italiano Akarma en 2002 y contiene 3 bonus tracks, 3 excelentes temas de su abortado segundo album y en los que Spring sonaban algo endurecidos y más arriesgados en el plano instrumental. Sin lugar a dudas una gran banda que merecía mejor suerte.

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jueves, 16 de octubre de 2008

Love - Forever Changes [2008 Collector's Edition] (1967 US Psycho)

Coincidiendo con el 40 aniversario del grandioso Forever Changes de Love, el sello Rhino preparó esta edición para coleccionistas de 2 CD's con magnífica presentación gráfica y un completísimo libreto. El primer CD contiene el album original nuevamente remasterizado, y aunque no hay indicios de que se hayan usado cintas de mayor calidad lo cierto es que hay una notable mejora respecto a la edición expandida de hace 7 años atrás, por lo menos algunos puntos de distorsión presentes con anterioridad ya no están aquí. Pero la razón de ser de esta colección es el segundo CD, con mezclas alternas de los 11 temas del disco más 10 bonus tracks entre outtakes, demos y singles. Las remezclas no fueron hechas expresamente para esta ocasión sino que datan de las sesiones originales, lo que les dá un mayor valor histórico; en general contrastan agradablemente con el disco original, el sonido es más directo y rockero si cabe, con mayor claridad vocal y mejor definición de bajos. No obstante entiendo por que fueron desechadas, pues simplemente no entraban del todo dentro de la estética sofisticada y elegante que Arthur Lee buscaba entonces. Los bonus tracks son también excelentes, aunque algunos ya venían de la edición anterior. Dos notas curiosas: el aparente defecto al final del tema The Good Humor Man... sigue en su lugar, no obstante la remezcla del mismo tema no lo trae, lo que confirma que fue algo hecho a conciencia y no una falla como muchos pensábamos; por otra parte esta edición no anula por completo a la anterior pues el tema Wonder People es diferente en ambas. A pesar de la gran calidad de este lanzamiento pienso que está lejos de ser considerado como la edición definitiva del clásico album de Love pues para ello debieron haber hecho un triple CD que incluyera la muy buscada mezcla en mono ... pero no perdamos las esperanzas, quizá para la edición 50 aniversario...

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Disco 1
Disco 2 - Parte 1
Disco 2 - Parte 2
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miércoles, 15 de octubre de 2008

10cc - How Dare You! [1997 Remaster] (1976 UK Art Rock)

El que 10cc fue una de las mejores bandas Británicas de los 70 es algo tan cierto como que existe un sol. En una época marcada por la música progresiva y el hard rock (me refiero al período 1972-1976), ellos fueron una bocanada de aire fresco con su ecléctico estilo, magníficas composiciones y sólidos discos. Muy pocas bandas desde Los Beatles fueron capaces de triunfar artística y comercialmente a la vez tanto en singles como en albumes. Después de 2 magníficos discos debut para el sello UK Records propiedad de Jonathan King (decubridor de Génesis entre otros) el siguiente paso obvio era fichar para una multinacional que les diera proyección mundial, fue así como la banda firmó con Mercury Records y con ellos editaron en 1975 el disco más brillante de su carrera, el excelso The Original Soundtrack, que contenía además uno de los mejores singles de la historia: la archiconocida I'm Not In Love, tema en apariencia intrascendente pero que llevó muchas horas de estudio para hacerlo, perfeccionando el arreglo y creando esa atmósfera tan característica para las cual las voces de los 4 miembros de la banda se multiplicaron en la cónsola hasta obtener un sutil coro de 90 voces!!!. El enorme éxito los llevó a girar agotadoramente por el mundo durante todo un año, y el cansancio hizo aflorar las diferencias musicales existentes entre los 2 polos de la banda: Graham Gouldman/Eric Stewart (más orientados hacia el Pop) por un lado y Lol Creme/Kevin Godley por el otro (más orientados hacia la experimentación). Fué así como en 1976 ambas partes acordaron amistosamente tomar rumbos diferentes, no sin antes grabar un album final (con su respectiva gira), el aquí presente How Dare You!. El disco es un compendio de todas las virtudes de 10cc, un Rock de estampa puramente Británica con canciones melódicamente simples pero que esconden una elaboración meticulosa, donde el Pop se entrelaza con elementos puramente vanguardísticos, toques progresivos, referencias a los años 50, grandes armonías vocales y mucho humor ... humor e ironía típicamente Ingleses. Aunque con esta clase de discos hacer elenco de temas resulta supérfluo no puedo dejar de citar el excelente instrumental de apertura How Dare You, las elegantes y soñadoras Lazy Ways y I´m Mandy Fly Me, y las divertidas e irónicas I Wanna Rule The World, Iceberg y Head Room. Edición remasterizada en 1997 contiene un bonus track.

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martes, 14 de octubre de 2008

Alice In Chains - SAP [EP] (1992 US Rock)

Tiempo antes de la edición de Dirt, Alice In Chains lanzan este soberbio EP de 4 canciones con la finalidad de calmar la inquietud de los fans ante la demora de aquel. Con excepción de Got Me Wrong se trata de canciones acústicas y relajadas con ese tono oscuro y esa sensación de desesperanza que era ya común no sólo en AIC sino en la mayoría de las bandas de Seattle. Colaboraciones de Ann Wilson (Heart), Chris Cornell (Soundgarden), Mark Arm (Mudhoney) y un repertorio de temas "desechados" pero por el que otras bandas hubiesen vendido su alma. El EP trae además un track oculto sin título (pero que EAC lo identifica como Love Song) no apto para escuchar durante la hora de las comidas...

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Alice In Chains - Dirt (1992 US Rock)

La primera mitad de los años 90 fue el último período de esplendor real que vivió el Rock, con la aparición de ese fenómeno pintorescamente etiquetado como Grunge o Rock Alternativo que tuvo su epicentro en la ciudad de Seattle en USA. A diferencia del Punk 15 años antes (para quien todo lo que se hizo en los 70 era basura), las noveles bandas de entonces miraban el período clásico del Rock (finales de los 60, principios de los 70) con gran respeto y veneración, sacando inspiración directa y favoreciendo el proceso de reivindicación de muchas leyendas semi-olvidadas (Doors, Velvet Undeground, Neil Young, Led Zeppelin, Black Sabbath). Una de esas bandas fue Alice In Chains. Integrados por Layne Staley (cantante), Jerry Cantrell (guitarras), Michael Starr (bajo) y Sean Kinney (batería), AIC fue una de las grandes bandas de su tiempo con un radio de influencia que llega hasta nuestros días; Dirt fue su segundo disco en 1992 (tras el prometedor debut con Facelift en 1990) y es, en pocas palabras, el mejor disco de Heavy Rock de los años 90 y quizá uno de los mejores de todos los tiempos. El sonido es brutal, con aluviones de Riffs por parte de Cantrell que te envuelven como un vendaval, más la vibrante y compacta sección rítmica de Starr/Kinney, pero con canciones muy bien construidas desde el punto de vista melódico, lo que permite que puedas escuchar el disco una y otra vez sin cansarte (y lo dice un servidor poco adepto al Heavy Metal monolítico). Como todos los mártires del Rock & Roll el cantante Layne Staley utiliza sus dramas personales como fuente de inspiración para los temas, y es así como Dirt se convierte en un viaje de pesadilla a través de su adicción a la heroína. El viaje se inicia con 3 bombazos sin pausa ni respiro, y repentinamente la atmósfera se ralentiza simbolizando quizá el descenso a los infiernos del protagonista. En el tramo final del CD la banda vuelve a pisar el acelerador pero esta vez el sentido de urgencia de los primeros temas genera sensaciones encontradas, entre la falsa euforia y la desesperanza. Muchos han querido ver en este desarrollo las 3 fases por las que pasa el adicto en su ritual diario de autodestrucción, mas yo prefiero no inmiscuirme en estas cosas y limitarme a la música. Si bien varios de estos temas son recordados individualmente como clásicos de AIC (Them Bones, Down In A Hole, Rooster, Junkhead, Would?), Dirt debe ser escuchado y apreciado en todo su conjunto para captar su verdadera escencia. Este fue sin duda el disco que puso a AIC en el mapa mundial y una obra que a 15 años de su edición aún suena fresca y sorprendente. Por desgracia el éxito no hizo sino reforzar el aislamiento de Staley lo que afectó profundamente el futuro de la banda, que sólo produciría un album más en estudio en 1995 hasta su disolución en 1997 y la lamentable pero previsible muerte de Layne en 2002 por sobredosis.

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sábado, 11 de octubre de 2008

Lenny Kravitz - Are You Gonna Go My Way (1993 US Rock)

Lenny Kravitz ha sido y sigue siendo un artista polémico. Sus fans lo ven como el continuador de la dinastía de los grandes innovadores de la música negra junto a Miles Davis, James Brown, Jimi Hendrix, Sly Stone, George Clinton o Prince, pero para sus detractores no es más que un charlatán, exhibicionista y oportunista. Yo no me inclino por ninguno de los 2 bandos, pienso que el tipo tiene talento real pero los parangones (sobre todo con Hendrix) me parecen exagerados y fuera de lugar. Musicalmente sus 3 primeros discos fueron excelentes, mas una vez alcanzado el status de Rockstar el tipo perdió la brújula (o más bien la encontró, según como se mire) entregándose dichoso al mundo de las fiestas mundanas, las portadas de las revistas, los paparazzis y los desfiles por la alfombra roja, dejando su ambiciones artísticas en segundo plano. Este Are You Gonna Go My Way fue su tercer disco, el cierre de su magnífica trilogía inicial y su mejor obra; el disco que le abrió las puertas del estrellato y su techo creativo pues casi nada de lo que grabaría después se le acercaría ni por casualidad. Un excelente catálogo de Rock retro donde se dan cita todas sus influencias: el Hard Rock, la psicodelia, el Soul, el Funk y el Reggae. Flanqueado estupendamente por 2 músicos blancos, el guitarrista Craig Ross y el bajista Tony Breit (hecho este que llevaría a las infelices comparaciones con la Jimi Hendrix Experience), Lenny nos dá una muestra de su capacidad tocando batería (su instrumento primario), guitarra, bajo y teclados, cantando, componiendo, arreglando y produciendo. Las 11 canciones que componen este trabajo suenan convincentes y sin artificios, aunque la sucesión de los temas (fuerte, suave, fuerte, suave...) lo haga sonar un poco rutinario. El disco arranca con el arrollador y espectacular tema homónimo donde es el guitarrista Ross quien se lleva la mitad de los laureles. Le sigue Believe, una estupenda balada envuelta en una atmósfera onírica que contrasta con la dureza anterior. Come On And Love Me es el regreso al Rock más duro, con mucho Funk y claras deudas con su ídolo Prince. Heaven Help es el único tema no firmado por Kravitz, un midtempo cargado de Soul y magnífico trabajo vocal. El resto del disco sigue en la misma tónica, destacando la Zeppeliniana Is There Any Love In Your Heart? y el Reggae ligeramente salpicado de ácido de Eleutheria que cierra el registro. Este obra, de más está recordarlo, se vendió como pan caliente, Kravitz se convirtió en la vedette de MTV y Rolling Stone y más nunca volvería a ser el mismo; salvando parte del siguiente disco (Circus), todo lo que vino después no ha sido más que una contínua repetición de clichés y la más exasperante falta de inspiración que pueda uno encontrarse, aunque las ventas digan lo contrario. Si alguien se siente tentado a escuchar a Lenny Kravitz sea por curiosidad o nostalgia, este es el disco a buscar.

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viernes, 10 de octubre de 2008

Stray - Time Machine: Anthology 1970-1977 (2003 UK Rock)

Formados a finales de los 60, Stray pertenecen a la categoría de bandas Inglesas de Rock que suelen llamar 'beautiful losers', es decir, bandas que no saltaron a la primera división del Rock, y no precisamente por falta de calidad. Editaron 8 albumes entre 1970 y 1977, recibieron excelentes críticas por parte de la prensa, se hicieron una gran reputación como banda de directo (de hecho se desempeñaron en la época en que los festivales abundaban como el arroz en Europa), telonearon a bandas de primera fila (lo que teóricamente les beneficiaba pues les daba amplia exposición a los grandes públicos) ... no obstante sus ventas fueron muy modestas. La formación clásica de aquellos años la componían Del Bromham (guitarra y teclados), Steve Gadd (guitarra y voz solista), Gary Giles (bajo) y Ritchie Cole (batería), su estilo inicial oscilaba entre el hard rock y la psicodelia pero era lo suficientemente flexible para absorber otros elementos y mostrar diversos matices. Dejan de existir en 1977 pero gracias al proceso de reivindicación del Rock de los 70 que caracterizó a la escena Grunge en los 90, se puso el nombre de Stray nuevamente en el tapete. Del Bromham aprovecharía la oportunidad para armar unos nuevos Stray en formato trío (con él como único miembro original) que se dedicarían a recorrer Europa y grabar nuevos albumes. Discos que irónicamente tuvieron mejor aceptación que el material original de sus primeros años. Curiosamente sus 8 discos originales se mantenían descatalogados por problemas legales con los masters (un vinilo original se valoraba en 60 Euros), cuestión que el sello Castle subsanó parcialmente en 2003 con esta estupenda antología doble que recoge 32 temas representativos de su etapa clásica más 3 rarezas: 2 temas que aparecieron sólo en un recopilatorio colectivo (Get Out Right Away y Georgia) y una B-side inédita (Mamma's Coming Home). El material ofrece una excelente panorámica de la evolución de Stray a lo largo de esos años, comenzando con la larga y psicodélica All In Your Mind (versionada por Iron Maiden). Time Machine está conducida por un duro riff que contrasta con una melodía casi Pop. Las estupendas Son Of The Father y Jerichó son temas de corte 100% progresivo. Suicide habría calzado a la perfección en el Master Of Reality de Black Sabbath. Our Song inicia con sabores Country para luego desembocar en un Rock pseudo Hendrixiano. Come On Over y Give It Up tienen arreglos orquestales ... y así el resto de la colección, mostrando un gran abanico de estilos y tendencias: Boogie Rock estilo Sureño, sólido Hard Rock con riffs densos, midtempos con armonías vocales y guitarras acústicas, temas con vocación de singles. Toda la banda trabaja en bloque predominando el colectivo sobre el protagonismo, aunque Del Bromham demuestra claramente ser un guitarrista de muchos recursos. En 1975 Steve Gadd es remplazado por Peter Dyer, quien inyectó nuevos bríos a la banda como puede apreciarse en el tramo final del segundo CD donde Stray recupera el sonido más vibrante de sus primeros discos. En resumen una gran edición, el sonido es excelente y la presentación gráfica impecable, con un desplegable que incluye un largo texto biográfico, nuevas entrevistas con la banda, fotos y memorabilia. Y aunque la discografía de Stray vuelve a estar disponible por primera vez en CD, esta colección mantiene su vigencia.

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miércoles, 8 de octubre de 2008

The Action - Rolled Gold (2002 UK Psycho)

The Action se forman en Londres en 1963 bajo el nombre de The Boys como banda de acompañamiento de la cantante Sandra Barry. Después de 2 singles sin éxito (uno con Sandra y otros solos) se cambian el nombre a The Action y son descubiertos por el productor de Los Beatles George Martin, quien los contrata para su productora independiente Air. Su vibrante sonido con influencias del Soul Norteamericano les dió popularidad entre los Mods quienes los consideraban una alternativa a The Who y Small Faces. entre 1965 y 1966 graban 6 singles producidos por Martin y distribuidos por Parlophone que por uno de esos inexplicables misterios de la historia fueron un fracaso comercial a pesar de su gran calidad y de la legión de seguidores que llenaban sus recitales. Integraban entonces la banda el cantante Reggie King, los guitarristas Peter Watson y Alan King, el bajista Mike Evans y el baterista Roger Powell. Ante los malos resultados Parlphone les rescinde el contrato y Watson los abandona, siendo sustituido por Martin Stone. Para 1967 su postura musical se torna más ambiciosa con la inclusión de elementos psicodélicos y neo-progresivos; incorporan a Ian Whitman (teclados, flauta) como nuevo miembro y graban demos con miras a su primer album, el cual pensaban producir ellos mismos, pero ante la falta de interés por parte de las casas discográficas el proyecto es abandonado. Durante los siguiente 2 años (ya sin Reggie King) la banda pasa a llamarse primero Azoth para posteriormente grabar un disco de orientación psicodélica bajo el nombre de Mighty Baby. El presente CD editado en 2002 por el sello independiente Reaction recoge esas demos de 1967, canciones que a pesar del poco formalismo con que fueron hechas y el tosco sonido dán fé del talento e inventiva de esta banda. Escuchando este disco resulta inevitable imaginarse qué hubiese sido de temas como Something To Say, Love Is All, Icarus, Things You Cannot See, Climbing Up The Wall o In My Dream en las manos de un George Martin dotándolas de la magia de sus brillantes arreglos de cuerda y efectos sonoros. Dá alegría descubrir a una banda como esta pero a la vez tristeza pensar en lo pudo ser de ellos y nunca fué. Lamentablemente el éxito es un carro en el que solo unos pocos caben, y cuando no quedan puestos libres nisiquiera el talento resulta suficiente.

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Them - Time Out! Time In For Them [2003 Remaster] (1968 Irlanda Psycho)

Para los historiadores del Rock la carrera de los Irlandeses Them termina con la separación de su líder Van Morrison y el inicio de su brillante carrera como solista que lo convertiría en uno de los grandes íconos de la música popular contemporánea. Algunos (muy pocos) hacen referencia casual a los Them post-Morrison pero sin ahondar lo más mínimo, casi como una nota a pié de página recordada a última hora. Lo que todos ignoran fué que Them siguió adelante por casi 3 años dejando como legado 2 brillantes discos: Now And Them (1967) y éste Time Out! Time In For Them (1968). Pero volvamos al comienzo: tras una exitosa gira Norteamericana culminada en California (dónde la banda dió mucho de que hablar por el doble cartel que protagonizó con The Doors en el Troubadour de Los Angeles) Van Morrison se marcha. De vuelta en Irlanda los restantes músicos reclutaron a un tal Kenny Mc Dowell como cantante y marcharon de vuelta Los Angeles, allí el prestigio que aún gozaba el nombre Them hizo que Capitol Records les ofreciera un contrato, editando un single y un LP, el ya citado Now And Them. Los cambios que se cocinaban en la escena Angelina movieron a Them a replantear su estilo e inspirados en bandas como Electric Prunes y Chocolate Watchband, Them abrazan la psicodelia sin rubor. Now And Them fué un prometedor disco que recibió buenas críticas pero Time Out! Time In fué la consolidación de los nuevos Them renacidos de sus cenizas combinando los retazos de su sonido original de Rhythm & Blues Británico con fuertes tintes ácidos, pinceladas de Jazz e instrumentación Hindú (sitar en especial). Si bien su nuevo rumbo no arrasaría los charts, Them tuvieron una meritoria carrera que terminaría en 1969. Nuevamente de los restos de Them nacería una nueva banda llamada Truth que dejaría como recuerdo un buen y poco conocido disco, pero esa ya es otra historia (aunque hace poco me enteré que el guitarrista de Them hizo 2 discos en los 70 utilizando el nombre de la banda). La presente edición remasterizada en 2003 contiene el album original + 8 bonus tracks, incluído el último single que grabaron ya sin Mc Dowell antes de su abrupto final.

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martes, 7 de octubre de 2008

Dick Dale - King Of The Surf Guitar: The Best Of Dick Dale & His Del-Tones (1989 US Surf)

Dick Dale no sólo fue el inventor del Surf como variante dentro del Rock & Roll sino también uno de los grandes guitarristas de todos los tiempos. Nacido en Boston en 1937, Dick fue un músico precoz que aprendería por sí sólo a tocar el ukulele y seguidamente la guitarra (posteriormente aprendería también a dominar la trompeta y el saxo). Podía abordar prácticamente cualquier estilo (del Country al Jazz pasando por el Flamenco); siendo de padre Libanés y madre Polaca recibió influencia de las músicas Arabe y Centroeuropea, y su admiración por el baterista de Jazz Gene Krupa lo llevaría a adoptar un toque "percusivo" al tocar. En 1954 la familia se traslada a California donde Dick se involucra con varias bandas locales de Rockabilly y graba varios fallidos singles como guitarrista-cantante editados por el sello discográfico propiedad de su padre llamado Del-Tone. Su vida cambia cuando Leo Fender (fabricante de las legendarias guitarras que llevan su nombre) lo escucha tocar e impresionado lo contrata como "guitarrista de pruebas"; su trabajo consistía en, valga la redundancia, probar los nuevos adelantos técnicos y mejoras incorporados a las guitarras Fender. Dick Dale era también un ávido practicante del Surf, e inspirado por los sonidos que obtenía de las guitarras se le ocurrió desarrollar un estilo que evocara la sensación de desplazarse sobre las olas. De este modo Dick amalgamó sus influencias con los recursos técnicos y su propia habilidad y creó una forma de tocar única basada en furiosos punteos en staccato y vertiginosas subidas y bajadas por el mástil con slide y fuertes dosis de vibrato y fuzz: había nacido el surf instrumental. Inmediatamente Dick forma su propia banda llamada The Del-Tones y su peculiar estilo atrae a cientos y cientos de chicos que impresionados se aprestan a imitarlo. En 1961 graba el tema Let´s Go Trippin' para el mismo sello de su padre, tema que si bien no muestra aún su arsenal de recursos sería el inicio de su leyenda. En los siguientes 2 años Dale siguió lanzando singles (Jungle Fever, Misirlou, Surf Beat) que expanderían su prestigio y rango de influencia sobre las noveles bandas de Surf, dándole al estilo proyección nacional. En 1963 firma para Capitol aumentando aún más su fama que se mantendría intacta aún con la llegada de Los Beatles. Lamentablemente en 1966 se le diagnostica cáncer rectal y Dick deja su carrera para luchar contra la enfermedad. Logra curarse pero los cambios en la escena musical lo llevan a abandonar la música y a dedicarse a otros intereses como el cuidado de animales abandonados y las artes marciales. En 1979 casi pierde una pierna al herirse con piezas de metal desechadas mientras surfeaba en una playa, y desde entonces se convirtió en activista en grupos para la preservación del medio ambiente. Pero "los viejos rockeros nunca mueren" y en 1986 Dick regresa con un tema grabado para un album benéfico, el estupendo One Double One Oh!. en 1987 Dick aparece en una película dedicada al Surf llamada Back To The Beach y graba para la banda sonora una versión de Pipeline (tema de The Chantays que se considera el más grande clásico del Surf) a dúo con Stevie Ray Vaughan quien era fan de Dale. Posteriormente el tema sería nominado para los premios Grammy como mejor tema instrumental de Rock. Pero lo que lo puso nuevamente en órbita en el mundo de la música fue la inclusión de Misirlou en una de las escenas cumbre de la película Pulp Fiction de Quentin Tarantino. Desde entonces Dick Dale ha reactivado su carrera grabando estupendos discos, tocando por todo el mundo y guiando la carrera de su hijo Jimmy Dale quien debutó discográficamente al lado de su padre con tan solo 11 años, demostrando haber heredado todo el talento y la inventiva de su progenitor. En 1989 el sello Rhino lanzó esta pequeña pero buena recopilación de éxitos en respuesta al renovado interés en la figura de Dick Dale, seguido años después por otro recopilatorio doble (Better Shred Than Dead: The Dick Dale Anthology) y en tiempos recientes por la redición masiva de todos sus albumes originales por primera vez en 40 años. Que lo disfruten.

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Roy Wood - You Can Dance The Rock 'N' Roll [The Roy Wood Years 1971-1973] (1989 UK Rock)

Roy Wood es una de las grandes mentes creativas del Rock, aunque muchos lo pongan en duda. Quizá sea el mismo Roy el causante de la poca valoración que se le tiene a nivel masivo, merced de una carrera solista con altibajos y que en muchas ocasiones sólo ha resaltado su lado más estrafalario, pero no podemos olvidar que él fue el líder y motor de una de las mejores bandas Británicas todos los tiempos (The Move), además de fundador y padre del concepto de una de las agrupaciones más exitosas de los 70 (Electric Light Orchestra). Sólo por esos 2 aportes Roy debería estar en el Olimpo de los grandes creadores del Rock junto a Lennon/Mc Cartney, Pete Townsend, Ray Davies, Bob Dylan o Jimi Hendrix. Este recopilatorio es un muestrario de la labor de Roy durante los primeros años 70, años de transición en los que Wood buscaba reinventarse a sí mismo para sobrevivir a su propia leyenda: en primer lugar tenemos el album Message From The Country, último trabajo de The Move totalmente desmarcado de su producción anterior y donde germinaría una de las más productivas semillas de cambio, la ELO. El siguiente paso fue la fundación de la ya citada Electric Light Orchestra, que en realidad nació como un proyecto paralelo a The Move y que explotaría el concepto de rock + secciones de cuerda inspirado en Los Beatles y que Roy ya había esesbozado en los 3 primeros discos de The Move; posteriormente surgieron divergencias artísticas entre Roy y Jeff Lynne, y Wood se marcharía tras el primer album. Por último tenemos el primer trabajo como solista de Roy que desembocaría en la formación de Wizzard, banda en la que, excentricidades y bizarrerías sónico-visuales aparte, Roy no dejaría de mostar su genio como autor y arreglista. Este rip me lo proporcionó nuestro amigo Jose y está muy bien hecho (EAC MP3 @320), aunque obviamente el sonido refleja la opaca producción pro-Spectoriana a la que Roy se había vuelto tan afecto. Además se trata de un CD descatalogado (el sello Harvest lo remplazó por otro similar mejor presentado pero más corto llamado Harvest Shodown) e ideal para los que deseen explorar una de las etapas menos conocidas de Mr. Roy Adrian Wood.

Rip & Scans by Jose - Asturias (Spain)

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domingo, 5 de octubre de 2008

Donovan - Greatest Hits [1999 Remaster] (1969 UK Folk)

Edición remasterizada en 1999 de este recopilatorio de Donovan lanzado originalmente en 1969, y que ofrece una panorámica fiel y honesta de esa primera etapa de su carrera. Inicialmente se le comparó con Dylan, un parangón completamente absurso y tirado de los cabellos pues a la rabia, la introspección y la ácida ironía de Bob, Donovan contrapuso un mayor lirismo y una filosofía de vida optimista; su transición del Folk al Rock lo llevó a identificarse con el Hippismo y las filosofías Orientales, al contrario del cínico pragmatismo de Dylan, quien a su vez se convirtió al más visceral Rock & Roll mientras Donovan se arropaba con sofisticados arreglos orquestales. No obstante Donovan también fue a su manera un cronista de su tiempo que reflejó en sus canciones lo que acontecía a su alrededor, unas veces con humor como en Mellow Yellow (basado en una leyenda urbana de la era Hippie según la cual uno podía "elevarse" aspirando el humo de las cáscaras de banana quemadas !!!) y otras con inquietante sentido premonitorio como en Season Of The Witch (una observación sobre la "cacería de brujas" que comenzaba a emprenderse en Inglaterra contra las Rockstars, usando la posesión de drogas como pretexto). Pero lo más llamativo de su etapa más clásica aquí representada es la policromía temática de sus canciones: el purismo folk de Colors y Catch The Wind, las hermosas metáforas amorosas de Lalena y Jennifer Juniper, la parábola Budista pasada por ritmos exóticos de There´s A Mountain, la psicodelia de Sunshine Superman y Hurdy Gurdy Man (esta última con la sección instrumental de Led Zeppelin como acompañamiento), la grandiosidad de Atlantis, el torbellino de Barabajagal (acompañado aquí por el Jeff Beck Group), los sabores Jamaiquinos en Riki Tiki Tavi ... y así hasta completar este excelente muestrario de 15 temas. Si buscas un sólo disco de Donovan, este es el ideal.

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sábado, 4 de octubre de 2008

Various Artists - Cowabunga! [The Surf Box] (1996 US Surf)

Esta caja editada por el sello Rhino en 1996 en edición limitada es la colección definitiva dedicada a la música Surf. Obviamente vá mucho más allá que los estupendos 4 CD's de Sundazed dedicados al Surf instrumental, al abarcar un rango de tiempo mayor (1960-1995) e incluir también a los artistas más representativos del Surf vocal. Como muchos de los lanzamientos de este fabuloso sello, esta caja se origina en una serie de 3 LP's editados a comienzos de los 80 pero corregida y ampliada gracias a las bondades que ofrece el medio digital. La colección está dividida en 4 CD's temáticos: el primer CD cubre el período de crecimiento y maduración del estilo, iniciando simbólicamente con The Fireballs, banda que si bien no hacía Surf sí tuvo ascendiente directo sobre muchas otras, y evidenciando la enorme influencia que tuvo el gran Dick Dale como padre del género. El segundo CD y parte del tercero se centran exclusivamente en el año 1963 cuando el Surf, gracias al éxito de The Beach Boys y Jan & Dean, se convierte en un fenómeno nacional y alcanza su máxima cota de popularidad, caracterizada por la aparación de un sinfín de nuevas bandas y también por la presencia de algunos oportunistas que simplemente se apuntaron a la onda como Jack Nitzsche (legandario arreglista de Phil Spector) y la cantante Pop Annette Funicello. Este tercer CD marca también el lento declinar del género que se produciría con la llegada de la British Invasion a Norteamérica con The Beatles a la cabeza y el estancamiento progresivo de las bandas punteras incapaces de adaptarse a la evolución del Rock & Roll. Por último el cuarto CD documenta el fenómeno del Surf Revival que se inció a mediados de los 70 y que se ha mantenido hasta nuestros días, empezando con los estupendos Jon & The Nightriders, los fabulosos Malibooz (guiados por el guitarrista Walter Egan) y Surf Raiders, hasta los años 90 con un sinfín de nombres más o menos actuales que le sonarán muy conocidos a los Europeos (donde este revival ha calado más hondo) como Laika & The Cosmonauts (unos de los mejores de toda esta nueva camada Surf), los divertidos freaks Man Or Astro-Man? o The Mermen. El balance entre material clásico y rarezas de la colección es bueno y se complementa muy bien con los CD's de Sundazed. Esta caja la tomé del sitio Groovyfab con permiso de su autor (gracias Flipbud); dudé en ponerla pues está ripeada a sólo 192 kbps y no tenía portadas, pero me decidí a hacerlo por 2 razones: primero, está completamente descatalogada y las pocas copias usadas que ofrecen en tiendas online oscilan entre los US$ 88-150; y segundo porque el rip está muy bien hecho a pesar del bitrate y quizá esta sea la única posibilidad que muchos tendrán para oírla. Los scans frontales y de los CD's individuales los encontré en Amazon.

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Parte 3
Parte 4


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viernes, 3 de octubre de 2008

Joe Cocker - Mad Dogs & Englishmen [1999 Remaster] (1970 UK Rock)

Después de la legendaria performance de Joe Cocker en el festival de Woodstock, su popularidad y prestigio se dispararon de manera espectacular; sus 2 primeros albumes, With A Little Help From My Friends (Abr 69) y Joe Cocker! (Nov 69) se convirtieron en discos de oro en EUA y Joe pasó en convertirse en toda una personalidad allá, el cantante que todos querían conocer y con el que todos deseaban colaborar. Fue así como Leon Russell (legendario músico, productor y cazatalentos) se ofreció a organizar su primer tour masivo por Norteamérica, con un despliegue humano de casi 40 personas entre músicos, roadies y técnicos. La gira y la megabanda fueron bautizadas con el curioso nombre de Mad Dogs & Englishmen, y los conciertos realizados en el Fillmore East de Nueva York los días 27 y 28 de Marzo quedaron plasmados en una película documental y un doble album que al poco de su edición ya tenía su puesto en el altar de los grandes discos en vivo de la historia del Rock. La banda es de lujo, parte de la crema y nata de los músicos de sesión Sureños dirigidos por Leon Russell con el agregado de Chris Stainton, amigo y brazo derecho de Joe. De más está decir que el repertorio es impresionante, con vibrantes versiones de clásicos del Rock y el Rhythm & Blues (más algunos temas originales) pasados por el estilo revisionista y la fantástica voz de Joe, y entre los que inexplicablemente no figura su reinterpretación de With A Little Help from My Friends. Una de esas versiones fue The Letter, el éxito de los Box Tops lanzado en single y que alcanzó junto al doble album sendos discos de oro en pocas semanas. Lamentablemente tras este aplastante éxito la popularidad de Cocker comenzaría a declinar, debido a su carácter difícil y a sus problemas con el alcohol, aunque con su sitial de honor en la historia ya garantizado y con una carrera más que digna que llega hasta nuestros días. Esta edición remasterizada de 1999 la obtuve de un site privado en el que ocasionalmente colaboro, en formato Ape Cue pero que recodifiqué con Lame 3.98 a 320 kbps y separé en temas individuales. No es la Deluxe Edition que trae 7 bonus tracks, pero suena bastante bien.

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