domingo, 30 de noviembre de 2008

The Beatles - A Collection Of Beatles Oldies...But Goldies! [Ebbetts UK LP Mono & Stereo] (1966 UK Rock)


Culminado el tramo Norteamericano de su gira mundial, The Beatles informaron al mundo su intención de no volver a pisar los escenarios nunca más. La edición de Revolver dejó claro que la evolución musical del cuarteto no permitía reproducir sus canciones en vivo (de hecho, ninguna pieza de ese disco se tocó durante la gira), no obstante la razón de más peso fue el agotamiento. Fueron 5 años de duro trabajo grabando y girando sin parar, los conciertos se habían convertido en un pandemonio donde escuchar música era imposible y esta última tanda de conciertos estuvo plagada de incidentes (los problemas en Japón, Filipinas y el revuelo en EUA por las famosas reflexiones de John sobre Jesucristo). Lo único claro que tenía el grupo era dejar de funcionar durante algunos meses para descansar y pensar en el futuro. Durante un tiempo se habló de la posibilidad de que Los Beatles se separaran, por lo que EMI editó este recopilatorio para aprovechar la coyuntura en caso que los Fab Four decidieran no volver a grabar. Su manager Brian Epstein se opuso a este lanzamiento; en aquel entonces solo los artistas en el ocaso de su carrera sacaban recopilatorios y para Brian los Beatles siempre serían los más grandes, no obstante la necesidad de un disco Beatle para cubrir la demanda de fin de año lo hizo ceder y fue así como se preparó este A Collection Of Beatles Oldies...But Goldies!, el único disco retrospectivo oficial lanzado durante los años de actividad del cuarteto. Habida cuenta del impacto de los Beatles en la escena musical y de la gran cantidad de joyas grabadas, este disco sumariza muy acertadamente sus 4 años de carrera a través de una excelente selección de éxitos. Un album que incomprensiblemente fue descartado cuando se digitalizó el catálogo Beatle a finales de los 80 y que hubiese representado una buena opción para ese sector del público interesado en repasar esos primeros años previos al gran cambio de 1967 sin hacer un gran gasto. Para mí sólo por la hermosa portada de aires retro-psicodélicos y la imponente foto a color de la contraportada se justificaba su adquisición, sin embargo se trata de un disco que en lo personal me fascina escuchar por ser el segundo LP Beatle que compré en mi vida (después del también recopilatorio Hey Jude), y que con el tiempo se ha convertido en una de las piezas más buscadas por los coleccionistas, en especial la rarísima y casi imposible de conseguir mezcla en mono. Un disco supérfluo para algunos pero que inevitablemente forma parte de la leyenda de Los Beatles.

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sábado, 29 de noviembre de 2008

The Beatles - Revolver [Ebbetts Red Wax Mono] & Revolver [Ebbetts Blue Box Stereo] (1966 UK Rock)

Si quedaba alguna duda sobre la validez artística del fenómeno Beatles, esta quedó despejada con la edición del séptimo album del cuarteto titulado Revolver. En términos conceptuales el disco es una continuación de Rubber Soul pero ahondando aún más en la experimentación, llevándola hacia cotas que hasta hace poco más de 1 año resultaban inimaginables en el contexto de la música Pop. En parte esto fue producto del consumo de ácido lisérgico (LSD) en sustitución de la marihuana con su consabida "expansión de la conciencia" que permitió a muchos artistas de la época explorar su creatividad interior y extraer inspiración de la experiencia alucinógena, no obstante considero que el papel de las drogas en la música de Los Beatles fue puramente incidental pues estas no hicieron si no dejar fluir algo que ya estaba allí en su interior (no imagino a ninguna de estas repulsivas bandas de hoy haciendo una gran obra después de una viaje con LSD). Por otra parte estas vivencias fueron determinantes para que las 3 fuerzas creativas del grupo (John, Paul y George) delinearan su propia identidad musical: las canciones de John fueron el reflejo directo de su propias experiencias lisérgicas y se convirtieron en catalizadoras de la floreciente escena psicodélica Inglesa. Paul desafió su imagen convencional para dedicarse al estudio de la música de cámara y de los compositores vanguardistas contemporáneos (Kalheinz Stockhaunsen, Luciano Berio, John Cage). George profundizó en su interés por la música y la cultura de La India gracias a su amistad con Ravi Shankar, volcando sobre Los Beatles todo lo que iba aprendiendo, tanto en la incorporación de instrumentos típicos Hindúes como en la aplicación de la técnica del sitar a la guitarra eléctrica. Todo esto convirtió a Revolver en uno de los kaleidoscopios sonoros más brillantes de todos los tiempos, para muchos la más grande obra maestra de los Fab Four. En el inventario de Revolver encontramos piezas de Rock crudo y directo con guitarras metálicas perfectamente sincopadas, como las soberbias Taxman, She Said She Said, And Your Bird Can Sing, Doctor Robert y I Want To Tell You, pero con letras no exentas de ingenio y mordacidad. En el aspecto más atrevido e innovador tenemos el tema de Paul Eleanor Rigby, una oda a las personas anónimas cuyas vidas transcurren en la más cruel de las soledades conducida por un brillante octeto de cuerdas; I'm Only Sleeping y Tomorrow Never Knows son 2 brillantes collages psicodélicos de John donde, sobre todo la segunda, la palabra "previsible" pierde todo significado y el cuerpo se convierte en un simple vehículo para que la mente divague hacia lugares jamás soñados; Yellow Submarine (escrita por Paul y cantada por Ringo) es en su aparente simplicidad infantil una de las piezas más avanzadas de su tiempo con su amplia diversidad de efectos sonoros; mientras que Love You Too es una pieza absolutamente reveladora donde el mundo pudo escuchar por primera vez en un disco de consumo masivo a un ensemble de músicos Hindúes (aunque en los créditos sólo aparezca uno). En el plano más convencional Paul nos muestra su versatilidad en la evocativa Here, There And Everywhere (con una de las mejores armonías vocales de Los Beatles), la desenfadada Good Day Sunshine, la barroca For No One y los sonidos Soul de la escuela Atlantic/Stax en Got To Get You Into My Life. mención aparte merecen la confirmación de George como compositor al incluir 3 piezas destacables (Taxman, Love You Too y I Want To Tell You), Ringo con su siempre anónimo pero imprescindible drumming y la estupenda labor del productor George Martin cuya experiencia y sólidos conocimientos musicales fueron determinantes en el acabado final de piezas como Eleanor Rigby (que sin duda no hubiese sido la misma sin esa magnífica partitura de cuerdas) y Tomorrow Never Knows (suya fue la idea de pasar la voz de John por el altavoz de un órgano para lograr ese efecto de ultratumba). Como ya dije para algunos este es el mejor disco de Los Beatles, algo difícil de determinar; lo único cierto es que se trata de uno de sus discos más queridos por el público y el favorito de muchos, entre los cuales me incluyo.

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The Beatles - Rubber Soul [Ebbetts Red Wax Mono] & Rubber Soul [Ebbetts Blue Box Stereo] (1965 UK Rock)

Rubber Soul es considerado el primer disco del período "experimental" de The Beatles. Los 5 anteriores estuvieron también marcados en mayor o menor medida por el eclectisismo, por esas ansias de probar nuevos sonidos y por la búsqueda de lo diferente, pero fue aquí que todo esos deseos por experimentar se volvieron regla en la música de Los Beatles. No en balde uno de los biógrafos del cuarteto, El Norteamericano Nicholas Schaffner, comparó la aparción de Rubber Soul con la escena del Mago de Oz donde Dorothy abre la puerta de su casa y la película pasa de blanco y negro a color. Aquí todo es diferente, desde la portada de tintes psicodélicos hasta el curioso título ("alma de goma") pasando obviamente por el contenido musical. Las letras comienzan a traspasar los límites de lo convencional en el Rock y cubren la más amplia gama de temas y sensaciones: la historia críptica de Norwegian Wood (donde John narra de manera velada una infidelidad hacia su esposa), la parodia de los predicadores religiosos Norteamericanos en The Word ("¡estoy aquí para mostrarle a todos la luz!"), las canciones con mensaje como Nowhere Man (inspirada en el personaje de Mr. Jones en Ballad Of A Thin Man de Dylan) y Think For Yourself, las imágenes poéticas de In My Life y los celos paranóicos en Run For Your Life; incluso el amor es tratado desde una perspectiva diferente como en I'm Looking Through You. Las melodías mantienen esa sencillez típicamente Beatle pero están arropadas por innovadores arreglos donde la banda echa mano a todos los nuevos recursos disponibles así como a nuevos instrumentos: el sitar tocado por George en Norwegian Wood le dá una dimensión casi mística a una pieza ya de por sí excelente; la extraña manera como en You Won't See Me la pieza se vá ralentizando a medida que avanza, el fuzz bass en Think For Yourself, el solo de piano en In My Life acelerado para hacerlo sonar como un clavicordio, la guitarra eléctrica de 12 cuerdas de George apuntalando la dimensión Folk Rock del disco, el uso cada vez más prominente de los teclados... vocalmente no paran de sorprender como en los sublimes arreglos a 3 voces de Nowhere Man o The Word. George muestra su notable evolución como compositor en la ya citada Think For Yourself y en la Bydsiana If I Needed Someone (algo irónico teniendo en cuenta que el sonido rockero de Los Byrds parte precisamente de los Fab Four), mientras que Ringo demuestra que si bien no es técnicamente el mejor de los bateristas su personal estilo basado en la precisión y gran sentido del tempo es elemento vital en la dinámica y entramado Beatle. El disco fue en su momento recibido con cierta perplejidad tanto por los fans aún anclados a los esquemas de She Loves You como por los críticos que no esperaban cambios tan profundos, no así en la comunidad musical donde Rubber Soul se convirtió en una inagotable fuente de inspiración para muchos nuevos artistas en busca de una identidad, particularmente en EUA donde esta obra sería una de las piedras fundacionales del movimiento Folk Rock tocando de lleno al mismísmo Bob Dylan. Una obra maestra que ya en su momento se revalaría como atemporal e imprescindible.....y eso que aún faltaba por venir lo mejor.

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viernes, 28 de noviembre de 2008

The Beatles - Help! [Ebbetts Red Wax Mono] & Help! [Ebbetts Blue Box Stereo] (1965 UK Rock)


Help! fue el quinto disco de The Beatles y también la base para la banda sonora de la exitosa película homónima. Como obra Help! recoge el listón justo donde A Hard Day's Night lo había dejado, aunque en este caso sí existe una clara separación entre los temas de la película y el material restante. Las piezas de la banda sonora son un neto paso adelante hacia la consolidación musical del cuarteto, el encuentro con Dylan (marihuana incluida) comenzaba a rendir sus frutos en piezas como Help! y You've Got To Hide Your Love Away ambas escritas por John; la primera ha sido interpretada como un grito de auxilio ante el encasillamiento artístico y personal del autor consecuencia de la fama y las exigencias comerciales, aunque otros visualizan aquí una declaración de independencia individual (la frase "Now I find I've changed my mind and opened up the doors" ha sido atribuida a sus experiencias con la marihuana que le habría ayudado a "abrir las puertas" de la percepción). La segunda es de clara inspiración Dylaniana con una letra reflexiva y el genial recurso de colocar flautas donde todo el mundo esperaba una tradicional armónica. The Night Before y Another Girl ambas de Paul son más convencionales pero crean un maravilloso contraste a la crudeza de John. I Need You es la segunda composición de George en un disco de Los Beatles pero la primera en ocupar un lugar destacado, una hermosa balada conducida por una guitarra en trémolo que le dá a la pieza un eco lejanamente psicodélico. You're Going To Loose That Girl es la perfección Pop hecha canción, una pieza poco recordada pero brillante en su ejecución con un sólido drumming de Ringo y magníficas armonías vocales. Ticket To Ride es por su intensidad sonora, constantes cambios de ritmo y guitarras metálicas una pieza arquetípica del futuro Hard Rock, como muchas leyendas de ese estilo han admitido muchas veces. El resto del disco está formado por piezas más dispersas y de la más variada extracción: las últimas versiones incluidas en un disco de Los Beatles (el clásico de Buck Owens Act Naturally cantada por Ringo y la versión de Dizzy Miss Lizzy de Larry Williams que cierra el disco), baladas (It's Only Love, la otra pieza de George You Like Me Too Much y Tell Me What You See) , el Bluegrass de I've Just Seen A Face y el tema musical más versionado de todos los tiempos, la memorable Yesterday estupendamente interpretada por Paul junto a un impecable cuarteto de cuerdas escrito por George Martin, demostrando el papel cada vez más vital que el productor jugaba en el acabado final de muchas canciones. En resumen, Help! fue el disco donde los Fab Four comenzaron a marcar distancias de su etapa "adolescente" para entrar en la espiral evolutiva que los llevaría a "lo más alto de la cima del Pop", frase que formaba parte de la legendaria arenga con la que John le daba ánimo a sus compañeros durante los tiempos difíciles.

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jueves, 27 de noviembre de 2008

The Beatles - Beatles For Sale [Ebbetts Red Wax Mono] & Beatles For Sale [Ebbetts Blue Box Stereo] (1964 UK Rock)

El cuarto disco de The Beatles titulado Beatles For Sale estuvo condicionado por uno de los años más agotadores para el cuarteto de Liverpool, un 1964 marcado por la primera visita a Norteamérica, la elaboración de A Hard Day's Night (el disco y la película) y las giras por EUA, Europa del Norte (Holanda, Dinamarca, Suecia), Oceanía y las presentaciones de fin de año en Inglaterra. EMI presionó a los chicos para que el disco estuviera listo para las navidades, y el exceso de compromisos no permitió que John y Paul prepararan suficientes canciones por lo que se vieron en la necesidad de incluir nuevamente versiones, lo que supuso un retroceso respecto al disco anterior. Incluso Paul tuvo que echar mano de un viejo tema de 1960, I'll Follow The Sun, para poder completar el disco. No obstante ciertas lagunas, BFS tiene sus méritos. Cinco de las seis versiones incluidas son clásicos del Rock & Roll elegidos como homenaje a algunos de sus artistas favoritos: una apasionante versión de Rock And Roll Music de Chuck Berry donde John le imprime al tema una fuerza que no tiene el original; la personificación de Little Richard que hace Paul en la medley Kansas City/Hey! Hey! Hey! es histéricamente perfecta; Paul y John pasan revista a Words Of Love, una de las más hermosas baladas de Buddy Holly donde curiosamente Ringo hace percusión sobre una caja de madera (!); el mismo Ringo se suelta a placer en la deliciosa versión light del Rockabilly Honey Don't de Carl Perkins, mientras George elige otro tema de Carl (uno de sus héroes de la guitarra) Everybody's Trying To Be My Baby para cerrar el disco. Los temas propios son buenos mas no particularmente memorables: Eight Days A Week fue sólo un buen single; I'm A Looser era uno de los mejores temas del disco, un presagio del Dylan rockero y con una letra que mostraba los primeros atisbos de inconformismo por parte de John; Baby's In Black era extraña, con un ritmo a mitad entre el vals y el blues y una morbosa historia sobre una chica que guarda eternamente luto por su amado; What You're Doing y la ya citada Words Of Love se adelantan al Folk Rock de The Byrds merced de la guitarra eléctrica de 12 cuerdas de George. Siempre me he preguntado qué habría sido de este disco si Los Beatles hubiesen incluido el single grabado en esas mismas sesiones (l Feel Fine/She's A Woman). ¿Un paso en falso de Los Beatles?... no me atrevería a llamarlo así pero sí se trata de una obra de transición entre la brillantez de AHDN y la explosión creativa que se avistaba a la vuelta de la esquina.

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miércoles, 26 de noviembre de 2008

The Beatles - A Hard Day's Night [Ebbetts Red Wax Mono] & A Hard Day's Night [Ebbetts Blue Box Stereo] (1964 UK Rock)

Cuando se habla de la discografía de The Beatles muchos se refieren a sus primeros albumes como simples globos de ensayo, no obstante este A Hard Day's Night despuntó ya entonces como uno de sus mejores trabajos a la postre y una obra tan influyente como cualquiera de las posteriores. La diferencia entre este y los dos anteriores es abismal. Para empezar los 13 temas están firmados por Lennon/Mc Cartney quienes a su vez muestran una sorprendente madurez compositiva, y si bien los 7 primeros corresponden a la banda sonora de la legendaria película del mismo título todo el conjunto hace gala de una gran unidad. Las ejecuciones mantienen el mismo derroche de vitalidad de los primeros discos pero con mejor fluidez y mayor compenetración, haciendo ya gala de la que sería una de las grandes cualidades futuras del cuarteto: el eclectisismo. Varios temas tienen su propio toque personal que los hace diferentes, como el extraño acorde que abre el tema homónimo o la cadencia casi tropical de And I Love Her; las armonías vocales rozan la exquisitez como en I Should Have Known Better, la magnífica Things We Said Today y I'll Be Back, mientras que las piezas más rockeras suenan exhuberantes, como Can´t Buy Me Love, When I Get Home y You Can´t Do That. Poco antes de entrar a grabar el disco, George Harrison se había traído de EUA una guitarra eléctrica de 12 cuerdas, bañando varias piezas con ese sonido tan característico y conviertiendo este disco en el puente que haría el transvase del Folk al Folk Rock luego que The Byrds y otros copiaran la idea. Todas estas razones convierten a A Hard Day's Night en una obra magnífica, atemporal e importante en la evolución musical de los 60, amén de representar la confirmación de los Fab Four como fenómeno de masas. Sin duda uno de los compendios de música Pop más significativos de su tiempo.

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martes, 25 de noviembre de 2008

The Beatles - Beatlemania! [Ebbetts Canadian Mono LP] & With The Beatles [Ebbetts Blue Box Stereo] (1963 UK Rock)


El segundo disco Británico de The Beatles titulado With The Beatles es simplemente una extensión del primero, tanto en estilo como en composiciones. La estética es exactamente la misma, es decir, una colección de 14 temas entre piezas originales y versiones, no obstante es bueno hacer algunas consideraciones en ambos apartados. Los temas originales no son una mera repetición en comparación a Please Please Me, mas bien se nota como el tándem Lennon/Mc Cartney vivía una fase expansiva aún poco madura pero que dejaba traslucir todo su genio y creatividad en temas como It Won't Be Long, All My Loving, Hold Me Tight y sobre todo en Not A Second Time; el entusiasmo que The Beatles ya generaban en el mundo musical llevó a muchos críticos Ingleses a alabar la validez de sus composiciones y uno de ellos se refirió a las "hermosas cadencias aeólicas" en Not A Second Time, halago que los Fab Four recibieron entre confusión y carcajadas pues no comprendían a qué se referían ni consideraban que sus canciones tuviesen cualidades especiales. Por parte de las piezas ajenas resulta curioso que salvo el Roll Over Beethoven de Chuck Berry todas eran versiones de R&B, estilo que tuvo una marcada influencia en ellos a pesar que muchos se han empeñado por años en poner a Los Beatles de espaldas a la música negra Americana. A destacar también el debut de George Harrison como compositor en Don't Bother Me, tema en el que ya George mostraba su naturaleza reservada e introspectiva. En resumen, un disco no excelso pero que dejaba entrever la ineludible validez del fenómeno Beatle.

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Nota.
Habiendo sido imposible localizar un rip de alta calidad de este disco en mono, lo sustituí con la versión Canadiense monofónica del mismo (del Dr. Ebbetts, faltaría más) titulada Beatlemanía!, cuyo contenido y mezcla son exactamente iguales.


sábado, 22 de noviembre de 2008

The Beatles - Please Please Me [Ebbetts Red Wax Mono] & Please Please Me [Ebbetts Blue Box Stereo] (1963 UK Rock)

Basta escuchar los primeros segundos de I Saw Here Standing There para comprobar que este disco representó el advenimiento de un nuevo orden en la música popular de la post-guerra, un disco que trazó una gruesa línea divisoria que dejó en el pasado todo lo que hasta entonces se entendía por Rock & Roll y música Pop, una obra imperfecta e inmadura pero tremendamente reveladora del que a la postre sería el conjunto musical más importante de la historia. Y es que aunque The Beatles hubiesen fracasado en su conquista de Norteamérica, este disco igual hubiese quedado como un hito importante en la evolución del Rock pues partiendo de su amor por la música de los años 50 y su admiración por el Pop de los primeros años 60, Los Beatles lograron la síntesis que redefinió de manera fresca e innovadora ambos conceptos en términos de composición, arreglos, producción e interpretación, creando el arquetipo del grupo de Rock como entidad creativa independiente, y abriendo así las puertas hacia la futura independencia artística suya y de otras bandas que les siguieron, al margen de los dictámenes de las modas y las casas discográficas. Sin duda alguna este es el disco debut por excelencia y pieza clave en la historia del Rock.

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El misterioso Doctor Ebbetts .....

Entre los incontables bootlegs de Los Beatles existentes, las ediciones del Dr. Ebbetts son sin duda las más buscadas por todos los fans sin distinción. Pero ¿ quién es el Dr. Ebbetts ?. Si nos ceñimos a la leyenda se trataría de un joven fan de Los Beatles que en 1969 decidió comprarse todos los vinilos Americanos y Británicos de la banda, en mono y en stereo, y guardarlos para la posteridad, agregando a su colección con el paso de los años los discos de Los Beatles por separado, todas la ediciones póstumas del cuarteto y las ediciones limitadas especializadas (los discos del MFSL -Mobile Fidelity Sound Lab-, la caja Británica con los LP's en stereo conocida como Bluebox, la caja Japonesa con los LP's Británicos en Mono conocida como la Red Wax Mono Box) y algunas ediciones internacionales (Alemania, Dinamarca, Italia, México y Brasil, entre otros). Como todo buen fan de Los Beatles, él jamás estuvo conforme con las ediciones en CD de los discos originales, así que por una vez en el año 2000 abrió sus vinilos, los transfirió a una matriz digital y los remasterizó para luego distribuirlos por cuenta propia en ediciones estrictamente limitadas con reproducciones fieles al arte gráfico original bajo el pseudónimo del Dr. Ebbetts; versiones estas que dejan por el suelo a los CD's oficiales de EMI y Capitol. Su trabajo ha tenido tanto éxito que varios sellos piratas han imitado sus métodos (Millenium, Mirror Spock, Fabulous Sound Lab) y aunque todos han obtenidos resultados notables, los discos de Ebbetts siguen siendo los mejores por su habilidad para capturar en CD la calidez del sonido analógico. Con los años Ebbetts ha expandido su catálogo agregando a otros artistas como Hendrix, The Who, The Monkees y Bob Dylan, pero su razón de ser siguen siendo Los Beatles; incluso se ha atrevido a hacer sus propias versiones de algunos de sus CD's póstumos (Past Masters Volúmenes I y II) con resultados extraordinarios. No contento con esto cada cierto tiempo ofrece actualizaciones de su propio material, localizando vinilos vírgenes de mejor calidad a los utilizados originalmente por él mismo y aplicando nuevas técnicas de masterización y edición. Pero su inventiva no para allí y su catálogo Beatle incluye además versiones inéditas como las remezclas de Please, Please Me, With The Beatles y Rubber Soul, el Yellow Submarine Songtrack en Mono, el Rooftop Concert, las dos mezclas originales de Get Back (el abortado album que desembocó en Let It Be), The UK Singles Collection, The US Singles Collection, The EP Collection, algunos bootlegs..... todo un genio de los tiempos modernos, incansable y en constante creación. Hace unos años participó en un foro online y ante la pregunta que todos nos hemos hecho siempre "¿cuál es tu secreto?", él respondió "ninguno, sólo buen oído y mucha paciencia", aunque también confesó que jamás ha utilizado reductores de ruido ni equalizadores digitales.

En los últimos 2 años me dí a la tarea de recopilar en emule y torrents buena parte de ellos en formato lossless (FLAC y APE) y aunque existen muchas fuentes de donde descargar casi todo este material en diversos formatos de audio, se me ocurrió que podría ahorrarle el trabajo a algunos de ustedes ofreciéndoles la discografía oficial (desde Please Please Me hasta Let It Be) en mono y stereo, excepto Abbey Road y Let It Be, jamás editados en mono (en Brasil se lanzaron versiones mono de estos discos pero son 'fake', es decir, transferidas de stereo a mono, no son mezclas auténticas en mono). Para los albumes en stereo utilizaré los de la caja Británica Blue Box (remasterizados por Ebbetts, claro) con una excepción: Magical Mystery Tour, no incluído en dicha caja pues originalmente no fue un LP en Gran Bretaña sino un doble EP. Para este disco utilizaré la versión Ebbetts del LP original Alemán. Con respecto a los albumes en mono usaré los de la caja Japonesa Red Wax (también remasterizada por Dr. Ebbetts) excepto por With The Beatles y Sgt. Pepper's que no he podido localizar aún y nuevamente MMT que tampoco fue incluido en esta caja por la misma razón de la Blue Box. WTB lo sustituiré con la versión Ebbetts del LP mono Canadiense Beatlemania! (el contenido es el mismo); para Sgt. Pepper's y MMT usaré las versiones mono originales Británica y Americana respectivamente. Adicionalmente incluiré las versiones mono y stereo de A Collection Of Beatles Oldies ... But Goldies por ser el único recopilatorio editado durante la existencia de la banda; y si no se hartan tengo varios de los recopilatorios póstumos (Hey Jude, Rock And Roll Music, Love Songs, Rarities, Ballads, Reel Music) y varias sorpresas más. ¿Que no hay Beatles en el blog?, pues ¡prepárense! ...


viernes, 21 de noviembre de 2008

The Doors - Morrison Hotel [40th Anniversary Mixes] (1970 US Rock)

Quinta entrega de las nuevas mezclas conmemorativas de los albumes originales de The Doors. Después de las feroces críticas recibidas por el anterior The Soft Parade, en este Morrison Hotel la banda vuelve a las fuentes de los 2 primeros discos pero con sonido mucho más sólido que de costumbre, más cercano a la fuerza casi orgíastica de sus recitales. El disco está dividido en 2 bloques de canciones (el primero llamado Hard Rock Café y el segundo Morrison Hotel) sin embargo no se aprecia separación temática alguna. El album se abre y se cierra con 2 de las piezas más duras y vibrantes de su repertorio, Roadhouse Blues (que pasaría inmediatamente a ser uno de sus grandes clasicos en vivo) y Maggie M'Gill, piezas estas marcadas por esa áspera espontaneidad con sabor a Boogie de carretera típicamente Americano. Waiting For The Sun, Ship Of Fools, The Spy, Queen Of The Highway e Indian Summer muestran todas las facetas de la poesía Morrisoniana en una comunión música/letras fascinante, para muchos estas son algunas de las mejores letras jamás escritas por Jim. Land Ho! desborda de una inusutada alegría con su andar casi marcial (algo inédito en la música de The Doors); el abrupto corte a la mitad del tema y la cabalgata de la banda al grito de Jim es un momento sencillamente sublime. La avasallante You Make Me Real, el sorprendente Funk de Peace Frog y la parodia a Sinatra en Blue Sunday completan un disco perfecto, la gran obra maestra de The Doors junto a los 2 primeros en mi humilde opinión. Esta edición contiene la mayor cantidad de bonus tracks (10 en total) brillantemente presentados en la secuencia típica de una sesión de grabaciones de la banda.

Rip hecho con Exact Audio Copy
codificado con Flac Frontend en Flac 8 avg bitrate 805 kbps

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martes, 18 de noviembre de 2008

The Move - Anthology 1966-1972 (2008 UK Rock)

Siguen las celebraciones por el 40 aniversario de The Move, y después del EP conmemorativo Flowers In The Rain y las ediciones remasterizadas & expandidas de los 3 primeros albumes le toca el turno a la prometida caja de 4 CD's que constituye la antología definitiva de una de las grandes bandas Británicas de todos los tiempos. La caja está dedicada a la memoria de Carl Wayne, el cantante original muerto el 2004 de cáncer, y que a comienzos de milenio dió los primeros pasos para la revisión masiva del catálogo Move y su adecuada remasterización (el triple CD de 1997, Movements: The 30 Anniversary Anthology, tenía una selección excelente pero con pobre presentación y un sonido no a la altura). Los resultados hablan por sí sólos: 62 temas de los cuales 31 completamente inéditos, una cuidadísima presentación gráfica, estupendo libreto y excelente sonido. Los CD's están ordenados cronológicamente para cubrir en forma sistemática toda la historia de la banda. El primer CD se abre con las primeras grabaciones oficiales de 1966 localizadas en un acetato que estuvo perdido por casi 40 años; You're The One I Need, I Can't Hear You No More, Is It True y Respectable muestran una banda muy influenciada por el movimiento Mod en cuanto a estética y a The Who en cuanto a música, de hecho en esos primeros años The Move fueron la réplica a The Who en escena superando el acto de demolición de guitarras de Pete Townsend al destrozar televisores en cada recital, un truco para llamar la atención y poner a la prensa a escribir sobre ellos, sólo que los curiosos que comenzaron a acercarse para ver a Carl Wayne empuñar su hacha se encontraron también con una estupenda banda. The Move exhibían entonces su formación original con Carl, el líder y genio compositivo Roy Wood (guitarras), Trevor Burton (guitarras), Chris '"Ace" Kefford (bajo) y Bev Bevan (batería). El resto del CD cubre las sesiones de los primeros singles y el primer album titulado simplemente Move, donde destaca sobremanera la soberbia versión acústica de su clásico Flowers In The Rain y que por sí sóla justifica la compra de esta colección. En Febrero de 1968 The Move tocan en el legendario club Marquee de Londres y el recital se graba con miras a un EP en vivo; lamentablemente la cintas resultantes adolecen de fluctuaciones en el sonido y poca fidelidad de las voces por lo que la banda vuelve al mismo club 3 meses después y repiten el recital (en el interín Ace deja Move por sus excesos con las drogas y Trevor se pasa al bajo). El EP resultante se edita meses después con 5 temas de esos conciertos bajo el título de Something Else By The Move; pues bien, con lo que se pudo recuperar de las cintas sobrevivientes se ensambló casi todo el repertorio usado en ambos recitales mezclado en stereo por primera vez, y es eso lo que contiene el segundo CD, un recital soberbio, donde The Move demuestran su enorme calidad en vivo y con un repertorio de lo más inusual con sólo 2 temas propios (Flowers In The Rain, Fire Brigade), versiones de sus contemporáneos (Stephanie Knows Who de Love, So You Want To Be a Rock And Roll Star de The Byrds, Sunshine Help Me de Spooky Tooth) y viejos clásicos donde destaca la magnífica interpretación de Piece Of My Heart de Irma Thomas (el mismo tema versionado también por Janis Joplin), Something Else de Eddie Cochran y The Price Of Love de The Everly Brothers. El tercer CD inicia con 2 temas del ya citado EP en su forma original (mezclados en mono) y sigue con los primeros singles de 1969 tras lo cuales Trevor Burton, inconforme con el sonido Pop de estos, deja su puesto a Rick Price; toda una ironía pues tras su partida The Move abandonan el Pop psicodélico en favor de un Rock con ecos progresivos plasmado en su segundo y excelente album Shazam. El útimo tema de este CD y el primero del siguiente son dos de las joyas más esperadas por los fans, la versión de Open My Eyes de The Nazz (la banda de Todd Rundgren) y una I Can Hear The Grass Now de 10 minutos grabadas ambas en vivo en el Fillmore Auditorium de San Francisco (EUA) en 1969 durante los únicos conciertos de The Move en Norteamérica y que demuestran lo fantásticos que eran sobre el escenario y el poco valorado talento guitarrístico de Roy Wood (estos 2 temas son sólo un adelanto de un doble CD con el recital completo prometido para el 2009). El resto del cuarto CD documenta la etapa final de la banda, con la salida de Carl Wayne y la entrada del guitarrista y cantante Jeff Lynne; con él la música de la banda muta en un potente Heavy Rock con toques barrocos y complejas armonías vocales tal y como queda asentado en su tercer disco Looking On. Tras éste la banda queda reducida a trío por la salida de Rick Price y graban 2 años después el disco Message To The Country donde siembran las semilla de la Electric Light Orchestra como proyecto paralelo a The Move pero que al final terminaría por suplantar definitivamente a estos últimos cerrando así la carrera de una de las formaciones más brillantes e infravaloradas del Rock. Al igual que con los 2 primeros albumes remasterizados, el primer CD de esta caja trae una pista CD ROM que permite descargar temas adicionales (codificados en formato mp3 a 192 kbps) y que inlcuyo también en este rip. No me resta sino augurarles a todos una feliz audición con esta joya.

Rip hecho con Exact Audio Copy
codificado con Lame 3.98 Frontend 1.2 a 320 kbps

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lunes, 17 de noviembre de 2008

Roxy Music - Live (2003 UK Art Rock)

El año 2001 cuatro de los miembros originales de Roxy Music (Bryan Ferry, Phil Manzanera, Andy McKay y Paul Thompson) decidieron unirse 22 años después para una extensa gira mundial de la cual resultó este fantástico doble CD (además de un DVD) que a mi juicio es el album en vivo definitivo en la discografía de Roxy. Para lograr la máxima perfección en escena Roxy Music se convirtió en una espectacular macro banda que incluía 5 músicos adicionales más un coro de 4 chicas. Entre este conglomerado destacaban particularmente el legendario guitarrista Inglés Chris Spedding (un músico que inexplicablemente jamás tuvo el éxito que merecía en los 70 y que desde mediados de los 80 se convirtió en el brazo derecho de Bryan en su carrera solista) y una hermosa rubia también Inglesa llamada Lucy Wilkins; esta chica no sólo tocaba el violín como Eddie Jobson sino que poseía un auténtico sintetizador VCS3 (el mismo que usaba Eno en Roxy) lo que le permitía reproducir con pasmosa fidelidad todos los sonidos futuristas de los 2 primeros discos. El repertorio es simplemente sublime, con temas de los 8 albumes de estudio y rescatando montones de joyas olvidadas como Ladytron, If There Is Something, Editions Of You, In Every Dream Home A Heartache, For Your Pleasure o Mother Of Pearl; incluso los temas de los discos menos buenos (Manifesto, Flesh + Blood, Avalon) suenan maravillosos intercalados entre sus más añejos clásicos. Las versiones no se limitan a calcar los originales sino que incluyen muchas sorpresas como el excelente solo de Phil Manzanera al final de Ladytron, la introducción de Colin Good con el piano en A Song For Europe rematada a su vez con un soberbio solo de saxo de Andy McKay, la versión extendida de Tara con el dueto McKay/Wilkins o la impresionante My Only Love que casi se erige como lo mejor de la colección. Los 4 Roxy's hacen un trabajo impecable: Phil y Andy añadiendo la experiencia de los años a su ya más que probada calidad, Paul Thompson mostrando la misma potencia pero una mayor versatilidad y finura, y nuestro crooner favorito Mr. Bryan Ferry llenado el escenario con su desbordante carisma. Su voz muestra obviamente el desgaste producto de los años pero con la misma capacidad de seducción de siempre. La edición es todo un lujo con una esmerada presentación gráfica e impecable sonido. Sé que me estoy dejando llevar por mi fanatismo pero este es uno de los mejores directos que he escuchado en este nuevo milenio y sé que todos los fans de Roxy estarán de acuerdo. Viva Roxy Music!.

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sábado, 15 de noviembre de 2008

The Jimi Hendrix Experience - Electric Ladyland [1997 Remaster] (1968 US Rock)

Electric Ladyland fue el disco crucial de la Jimi Hendrix Experience, por ser el broche de oro de la magnífica trilogía de albumes que cambiaron la faz del Rock pero también por marcar el fin de una de las formaciones más influyentes de su tiempo. Para empezar este es el primer disco producido por Jimi; Chas Chandler había hecho un brillante trabajo con los 2 primeros pero habiendo sido miembro de The Animals (cuya carrera en su primera etapa estuvo orientada a los singles), tenía una visión convencional de la producción y Hendrix necesitaba expresar sus ideas dentro de un contexto más amplio. Por otra parte la banda estaba física y mentalmente agotada por las largas giras (en EUA llegaron a pisar 47 ciudades en 54 días) y siguiendo el ejemplo de Los Beatles, Hendrix deseaba concentrarse más en los estudios de grabación; además él buscaba deshacerse de la imagen de clown escénico (las piruetas y rituales que ejecutaba con su guitarra) y ansiaba ser apreciado por su validez artística y no por su imagen. Y por último la relación con sus compañeros se había deteriorado, en especial con Noel Redding quien se molestó cuando Hendrix dió unas declaraciones donde habló de expander la banda con la incorporación, entre otros, de su amigo Billy Cox. Bajo estas premisas resultaba obvio que no habría otro disco de la Experience, aunque al año siguiente se reunieron para tratar de hacer un cuarto disco. Por tanto esta obra queda para la posteridad como el cierre de una etapa y un punto de inflexión importante en la carrera de Jimi. Estamos ante un disco que aporta más clásicos al ya amplio catálogo de joyas Hendrixianas como Crosstown Traffic, con una letra llena de alegorías y donde Jimi adopta magistralmente el estilo de los 'talking-blues' de Bob Dylan al cantar. Voodoo Chile es un magnífico blues eléctrico con Jack Cassidy (Jefferson Airplane) al bajo y Stevie Winwood (Traffic) al órgano, donde Jimi traspasa los límites prestablecidos para ofrecer uno de los más impresionantes solos de guitarra de la historia y muestra además su talento para escribir letras llenas da ácida fantasía (La noche que nací, Señor/juro que la luna se tiñó de rojo vivo/mi pobre madre gritó "¡Dios, la gitana tenía razón!"/y la ví caer al suelo muerta/los leones de la montaña me encontraron allá a la espera/me pusieron sobre las alas de un águila que me llevó más allá del infinito/y tras haberme llevado de vuelta/ me dió el anillo de la hechicera de Venus). El tema Burning Of The Midnight Lamp posee una maravillosa aureola casi mística y es el momento más emotivo del disco. En House Burning Down Jimi coloca la letra por encima de la música para contar una historia que podría calificarse de Western psicodélico, un recurso inusual en él y que demuestra su eclectisismo. En All Along The Watchtower Jimi logra de manera magistral "apropiarse" de un tema de su ídolo Dylan para ofrecer la que seguramente es la versión "definitiva" de este tema. Pero los méritos de Electric Ladyland no terminan aquí y es en varias de las restantes piezas donde destaca el Jimi Hendrix buscador de nuevos horizontes, como en la inicial And The Gods Made Love, pieza hecha a base de fragmentos de cintas reproducidas a diferentes velocidades y que se adelantó en varios años al concepto electrónico de Tangerine Dream y demás bandas por el estilo. En la magnífica Rainy Day, Dream Away y su secuela Still Raining, Still Dreaming, grabadas con la ayuda de músicos externos a la Experience, Jimi explora el terreno del Jazz con la misma liberatoria inventiva de Ornette Coleman o John Coltrane. Pero Jimi no quiere dejar de sorprendernos y lo demuestra en la mejor pieza de este trabajo, la magistral 1983...A Merman I Should Turn To Be; aquí se funden el Free-Jazz, la experimentación electrónica y el más puro vanguardismo para ilustrar la historia sobre un mundo del futuro al borde de la destrucción en la cual el protagonista y su mujer tienen una visión donde se imaginan viviendo en el fondo del mar para huir del inminente holocausto; Chris Wood de Traffic toca aquí la flauta ayudando a crear con ella un delicioso ambiente submarino. Mención especial merecen los imprescindibles aportes del apenas fallecido Mitch Mitchell, quien con sus grandes dotes para la improvisación y perfecto sentido del tempo se erige como pieza vital para el logro de temas como Voodoo Chile y 1983. También destacable la sobria pero excelente prestación de Noel Redding, alcanzando aquí su cenit como bajista, algo loable teniendo en cuenta que se trata de un instrumento que tuvo que aprender a tocar a la carrera para poder unirse a la Experience. En resumen, este es uno de esos discos obligados para llevarse a la concurridísima isla donde cualquiera de nosotros iría en caso de naufragio.

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viernes, 14 de noviembre de 2008

Judee Sill - Live In London: The BBC Recordings 1972-1973 (2007 US Folk)

Esta edición de 2007 supone el colofón de las obra discográfica de Judee Sill después de sus 2 únicos discos oficiales (Judee Sill y Heart Food) y los temas de su inconcluso tercer album (incluidos en Dreams Come True). El CD recoge las 3 breves presentaciones que hizo Judee para la BBC de Londres durante 2 visitas a Inglaterra en Marzo de 1972 y Febrero de 1973 y en las que el público Inglés pudo comprobar en primera persona la magnitud de su talento artístico. Quizá los que conozcan el set acústico de Judee incluído tanto en la edición expandida de su primer disco como en el doble CD Abracadabra piensen que quizá este se trate de una repetición de aquel; nada más alejado de la realidad. Ciertamente son las mismas canciones, ejecutadas con los mismos recursos (guitarra, piano, voz), pero si hay algo que caracterizó a esta mujer y que la hizo tan especial fue su capacidad para convertir cada interpretación en un momento único e irrepetible. Incluso cada una de las piezas que se repiten en este CD tiene su propia atmósfera y sus propios matices lo cual es demostración de su enorme personalidad en escena. Son canciones bellas, intimistas, melancólicas y etéreas, con una gran carga emotiva y espiritual y que te dejan al final con la sensación de haber asistido a una experiencia casi mística. No creo necesario el recuento detallado de los temas mas no puedo dejar de citar las hermosas armonías vocales de Down Where The Valleys Are Low (inspirada según ella misma cuenta en los grupos vocales femeninos de los 60), la improvisación de piano en Enchanted Sky Machines y la manera magistral como resuelve sólo con piano y voz uno de sus temas más sónicamente complejos como The Donor. El CD contiene además una entrevista donde Judee manifiesta su satisfacción por encontrar en Europa mayor sensibilidad y receptividad hacia su música que en EUA. Un disco indispensable para los fans de Judee.

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jueves, 13 de noviembre de 2008

¡ Murió Mitch Mitchell !

El baterista Inglés John 'Mitch' Mitchell, último sobreviviente del legendario trío The Jimi Hendrix Experience, fue hallado muerto ayer en la habitación que ocupaba en un Hotel de la ciudad de Portland, Oregon (EUA). Lea aquí la nota de prensa de Yahoo noticias.

Mitch Mitchell fue pieza fundamental del sonido Experience. En mi humilde opinión The Jimi Hendrix Experience fueron el power trio más completo y equilibrado del Rock pues a pesar de la gran sombra de Jimi, ellos tenían un estilo muy "orgánico", todo lo contrario de Cream, por ejemplo, donde cada músico se ocupaba únicamente de su instrumento y no había un real trabajo colectivo. A diferencia de otros tríos en el Rock, la Experience funcionaba de una manera muy diferente: tanto Jimi como Mitch antagonizaban mutuamente mientras el bajista Noel Redding (muerto en el 2003) hacía de perno, esa fue la razón por la que el trío tenía un sonido tan personal y sonaba en escena como un grupo mucho más numeroso, y dentro de ese esquema Mitch fue pieza vital. Por esta razón Mitch Mitchell siempre será recordado como uno de los más grandes bateristas de toda la historia del Rock.

Por otra parte, Jimi siempre tuvo un enorme aprecio por Mitch como músico, de hecho, y salvo el corto paréntesis con Buddy Miles en Band Of Gypsys, Mitch siempre fue su baterista. En los recitales Mitch solía hacer de apagafuegos para Jimi, llenando el espacio con imprevistos solos de batería cuando a Hendrix le iban mal las cosas con su guitarra (véase como ejemplo el DVD de la Isla de Wight). No sé si los que han visto la actuación completa de Hendrix en Woodstock (con la banda bautizada para la ocasión como Gypsy Sun & Rainbows) se han percatado de un detalle: cuando Mitch comienza con su solo de batería, el percusionista Jerry Vélez no paraba de tocar, entonces Jimi se le acerca y le pide que se calle y no interrumpa a Mitchell, una escena que yo siempre he interpretado como un gesto de respeto hacia su amigo.

Paz a sus restos .....


Finalmente la Experience juntos en el cielo .....

Duane Eddy - Have 'Twangy' Guitar Will Travel [40th Anniversary Edition] (1958 US Instrumental Rock)

Junto a los grandes Link Wray y Dick Dale, Duane Eddy pertenece a la crema de los músicos que a finales de los 50 revolucionaron la guitarra eléctrica, convirtiéndose en los padres espirituales del Rock instrumental de los primeros 60 y allanando el terreno para la irrupción de los grandes guitarristas de los años venideros. Nacido en New York en 1938, Duane fue un niño precoz que a los 5 años ya tocaba la guitarra imitando a su ídolo, el guitarrista Country Gene Autry. En 1954 su familia se muda al oeste y Duane conoce a un DJ de Arizona llamado Lee Hazlewood quien se convertiría en su mentor, productor y co-autor. Con la ayuda de Lee, Duane Eddy desarrolló su propia técnica que consistía en tocar notas básicamente sobre las cuerdas graves, agregando dosis de trémolo y vibrato y filtrando el sonido a través de una cámara de eco. Este sonido fue bautizado como 'Twang' y se convirtió en la marca de fábrica de Duane Eddy, y si bien sus ejecuciones no sonaban tan espectaculares como las de Dale ni tan vibrantes como las de Wray, su estilo fue ampliamente imitado, con un rango de infuencia que abarcó el naciente Surf, las bandas sonoras de los Spaghetti-Westerns compuestas por Ennio Morricone y una larga lista de ilustres fans que incluye a George Harrison, Paul Mc Cartney, John Entwistle, Dave Davis, John Fogerty, Bill Nelson y Mark Knopfler entre otros. Este Have "Twangy" Guitar Will Travel fue su primer disco y la obra que puso el nombre de Duane Eddy en el mapa, un extraordinario compendio instrumental con elementos de Jazz, Blues, Country & Rockabilly, respaldado brillantemente por su banda The Rebels formada por futuros ases del mundillo de los estudios (Steve Douglas, Larry Knechtel, Al Casey) y un repertorio que es prácticamente un greatest hits por la presencia de 5 de sus más grandes clásicos: Rebel Rouser, Cannonball, The Lonely One, Ramrod y Moovin´& Groovin´. El disco pasó 2 años en los charts lo que le valió a Duane la distinción de ser el artista de Rock instrumental más vendedor de la historia, además de ser el primer album de la era del Rock & Roll lanzado en stereo. Con el paso de los años Duane supo mantenerse en la brecha con inteligencia, alternando su carrera musical con la producción, componiendo para bandas sonoras y grabando con gente tan dispar como Art Of Noise y Ravi Shankar (su asociación con Art Of Noise le produjo su último gran hit, una nueva versión de Peter Gunn gracias a la cual Duane es el único artista que ha entrado al top 10 en 4 décadas diferentes). Al igual que otros artistas de su estilo, el cine fue el detonante que despertó el interés por su música entre las nuevas generaciones, me refiero específicamente a la inclusión de Rebel Rouser en una de las escenas más memorables de Forrest Gump. La presente es la edición 40 aniversario que incluye 3 b-sides como bonus tracks, y si bien no todos los temas están en stereo como en el album original, el sonido es excelente.

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miércoles, 12 de noviembre de 2008

Roxy Music - Viva! [1999 HDCD Remaster] (1976 UK Art Rock)

A comienzos de 1976 Roxy Music anunciaban su separación para dedicarse sus miembros a diversos proyectos solistas en los próximos años. No fue una separación definitiva aunque tampoco se puso fecha de regreso. El Siren Tour fue el más largo y agotador de su carrera y los infructuosos intentos para penetrar el mercado Norteamericano los llevó a tomar la sana decisión de seguir rumbos separados para recargar las baterías y replantear el futuro de la banda. Y como colofón a 4 años de intensa actividad lanzan este album en vivo, la pieza que faltaba en una de las discografías más influyentes de los 70. El único defecto de este Viva! es la cantidad. Dada la trayectoria de Roxy Music lo mínimo que se esperaba era un album doble, cualquier fan medianamente familiarizado con los bootlegs de Roxy sabía de muchos excelentes conciertos de donde escoger, pero por razones inexplicables el lanzamiento quedó en un disco sencillo. En varias entrevistas concedidas entonces por Andy McKay y Phil Manzanera, ambos criticaron la decisión y dejaron bien en claro que no tuvieron nada que ver con ella, de hecho ni siquiera se les consultó al respecto. Pero para bien o para mal este es el único registro oficial de Roxy Music en directo durante su etapa clásica. Los ocho temas incluidos cubren 3 ciudades Británicas (Glasgow, Newcastle, Londres) en un período de 2 años (1973-1975) y demuestran que la grandeza de Roxy no era sólo producto de los estudios de grabación. A excepción de la versión de The Bogus Man (buena pero realmente había otras mucho mejores), los temas igualan o superan a los originales: Out Of The Blue suena tan efectiva y majestuosa como siempre, Chance Meeting conserva todo el misterio de la original, Both Ends Burning deja a la incluída en Siren por el suelo, y las versiones alargadas de If There Is Something y In Every Dream Home A Heartache son muy buenas, especialmente la primera gracias a la soberbia labor de Eddie Jobson. El CD se cierra con un Do The Strand tocado a toda prisa y que termina a secas, sin aplausos ni nada. A pesar que los temas fueron seleccionados de las 3 fuentes ya citadas, todas las fotos de la carátula provienen del último concierto del Siren Tour en el Wembley Empire Pool de Londres en Noviembre de 1975, considerado como uno de sus mejores recitales y en el que por primera vez (al menos en Inglaterra) se utilizó una gigantesca pantalla en circuito cerrado para que todo el público pudiera apreciar los detalles del concierto (de ahí la estética de las fotos). Un disco que se hace muy corto pero indispensable para cualquier fan de Roxy Music.

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Roxy Music - Siren [1999 HDCD Remaster] (1975 UK Art Rock)

Siren fue el quinto album de Roxy Music y representó una ruptura respecto a la dispersión de estilos y tendencias que caracterizó al anterior Country Life. El fracaso comercial de éste en EUA (entrar en la parte baja del top 40 en EUA no es nada malo pero obviamente Bryan Ferry aspiraba a más) condicionó la dirección de Siren, el cual resultó un disco más sobrio y homogéneo, más comercial pero también más compacto musicalmente y con mayor esmero en los detalles a nivel de arreglos; no en vano Siren, si bien no es uno de los mejores, sí es uno de los más apreciados por los fans de Roxy. Tomando como referencia el vinilo, cada una de las caras tiene una estética diferente. La primera cara es soberbia: Love Is The Drug en uno de los singles más impecables de Roxy, para mí el mejor desde Do The Strand, con su punto justo de comercialidad. End Of The Line es una emotiva balada donde la lacrimógena historia que cuenta Bryan contrasta con un acompañamiento lleno de vida, casi como si fueran 2 temas diferentes superpuestos; en la mitad Eddie Jobson ejecuta un hermoso solo de violín. Esta pieza enlaza inmediatamente con lo mejor del disco, Sentimental Fool, tema este que nos transporta a los Roxy Music de 1972: una densa y tétrica introducción sobre la cual se ván sumando uno a uno los instrumentos, la pieza cobra forma con la entrada de la voz de Bryan y justo a la mitad la melodía se ensombrece y se desliza hacia su final en una inquietante coda, sin duda una de las grandes piezas del repertorio Roxy. Whirlwind es un torbellino marcado por la histriónica vocalización de Bryan y un corrosivo solo de guitarra de Phil Manzanera. La segunda cara está completamente dominada por las ideas de Bryan, casi parecen piezas de un disco solista suyo, canciones más convencionales pero que suben de nivel gracias a la prestación de la banda, aunque vale la pena mencionar la delicada Nightingale con un logrado interludio de oboe y violín. Por tercera vez en un disco de Roxy Johnny Gustafson toca el bajo y suena plenamente integrado a la banda ... Ah!, y la sirena de la portada es nada menos que Jerry Hall, la entonces novia de Bryan y futura Señora Jagger. En resumen, Siren es el cierre de la mejor y más clásica etapa en la carrera de Roxy Music, luego vendría el largo hiato de 3 años durante los cuales los gustos cambiaron lo suficiente para que en los 80 Roxy fuera por fin recibido en EUA con los brazos abiertos aunque a costa de sacrificar su esencia original, pero esa ya es otra historia.

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lunes, 10 de noviembre de 2008

Afterglow - Afterglow [1995 Remaster] (1968 US Psycho)

Afterglow pertenecen al nutrido pelotón de bandas surgidas en la floreciente escena psicodélica Norteamericana de mediados de los 60. Procedentes de Oregon donde se forman en 1965, se estabilizan al año siguiente con el bajista Ron George, el organista Roger Swanson, el baterista Larry Alexander, el cantante Gene Resler y su líder el guitarrista Tony Tucumseh. En Octubre de 1966 su manager Bill Glenn los lleva a San Francisco a grabar unas demos en los estudios Golden Gate Recorders propiedad de un tal Leo Kulka, y es este mismo quien impresionado con ellos les ofrece un contrato para grabar un LP. Los 5 miembros de Afterglow eran muy jóvenes y la dificultad para compaginar sus estudios de secundaria con la banda hizo que las sesiones se alargaran hasta Noviembre de 1967. El disco se editó a comienzos de 1968 y rápidamente cayó en el olvido, quizá ahogado entre los copiosos lanzamientos discográficos de la época. Pero con el paso de los años el album adquirió status de culto convirtiéndose en una preciada pieza para coleccionistas hasta que el sello Sundazed accedió a las cintas maestras y lanzó en 1995 esta edición remasterizada junto a 4 bonus tracks. El estilo de Afterglow es derivativo de la música del momento, con ecos de The Byrds, Electric Prunes, The Doors o The Zombies (a veces parecen unos Blues Magoos místicos); suenan inexpertos, no obstante el disco tiene ese "algo" único que te engancha y te hace ponerlo una y otra vez. Quizá sea el hecho que bandas como Afterglow son fieles representantes de una era perdida en el túnel del tiempo donde los jóvenes músicos tenían entusiasmo, espíritu y una fé ciega en su presente sin pensar mucho en el futuro; bandas unidas por el puro placer de tocar, grabar una demo, un single y sentirse la banda más afortunada del mundo si lograban hacer un LP, sin pensar si con ello hacían dinero o no. Nada que ver con estos soberbios y prepotentes mocosos de ahora seleccionados por castings, que por grabar un CD y un video clip se creen Dioses con derecho a tratar a los fans como una mierda, más preocupados por salir en la portada de una revista que en mejorar como músicos y disertando torpemente sobre el "futuro" del Rock. Yo me quedo un millón de veces con estos Afterglow, con su inocencia casi Pop, sus ácidas vibraciones, el sonido rancio del órgano Farfisa típico de la época, y con buenas canciones como Morning, Dream Away, Chasing Rainbows, Riding Home Again y Meadowland Of Love, canciones que demuestran que con un poco de más de trabajo y de suerte estos chicos quizá hubiesen llegado a ser algo grande.

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The Doors - The Soft Parade [40th Anniversary Mixes] (1969 US Rock)

Cuarta entrega de las nuevas mezclas de los discos originales de The Doors editadas en conmemoración del 40vo aniversario de la banda, tocándole el turno en esta oportunidad al más polémico y criticado de sus trabajos. Muchos culpan del fracaso de The Soft Parade a los arreglos orquestales, lo cual a mi juicio no es del todo cierto. Si bien las secciones de vientos y cuerdas le hacen un mal favor a la música de The Doors, aquí la verdadera falla estuvo en la calidad del material, por debajo de sus estándares habituales. Hay que recordar que los 3 primeros discos se alimentaron básicamente de la enorme reserva que la banda tenía acumulada desde 1965, y para The Soft Parade tuvieron que escribir material 100% nuevo por primera vez. Las sesiones se desenvolvieron en uno de los períodos más turbulentos de la banda, con los recitales convertidos en un auténtico caos, con Morrison metido en toda clase de problemas y en general con la banda pagando las consecuencias de los excesos que la fama conlleva. No obstante el disco contiene 4 temas para la posteridad: la jazzística Shaman´s Blues con los 4 Doors trabajando magníficamente, Wild Child donde la banda despliega todo el peso de su clásico sonido en una de las más brillantes letanías de Jim, la apacible Wishful Sinful hermosamente realzada por la orquesta y la épica The Soft Parade, una mini-suite en 5 partes donde Jim expresa (o desahoga) la frustración artística que comenzaba a corroerlo producto del encasillamiento al cual se sentía sometido por los mass-media y que, a su juicio, propagaba más la imagen del escandaloso sex-symbol que del artista multifacético. Las nuevas mezclas le dán una dimensión más cálida a los temas "menos buenos", lo que redunda en una percepción más agradable del disco en su conjunto. 6 bonus tracks, de los cuales la b-side Who Scared You? habría quedado muy bien en el album original en sustitución de la sosa Tell All The People o de la ridícula Runnin' Blue.

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viernes, 7 de noviembre de 2008

Judee Sill - Dreams Come True: Hi ° I Love You Right Heartily Here ° New Songs (2008 US Folk Rock)

Este doble CD fue lanzado originalmente en 2005 por el sello Water en edición limitada y con un libreto de 72 páginas. La presente es la redición 2008 con portada diferente, sin el libreto original pero con el mismo contenido. El proyecto estuvo a cargo de Jim O'Rourke, productor de artistas como Sonic Youth y Wilco y admirador de la obra de Judee, y la verdad ha hecho un gran trabajo compilando, organizando y mezclando el material en lo que constituye la pieza faltante del trabajo de Judee Sill en los estudios. El núcleo lo componen los 8 temas que Judee grabó en 1974 para su tercer disco jamás terminado. Quizá condicionada por el fracaso de Heart Food (su segunda obra) Judee quiso hacer un disco más accesible, englobado en la onda Folk-Rock Californiana de entonces (ya esbozado en el tema Soldier Of The Heart de Heart Food) pero con la misma calidad interpretativa y compositiva. De hecho, si se escuchan las demos originales de 3 de estos temas (ubicadas al final de primer CD) es fácil comprobar que se trata de las típicas canciones de Judee, sólo que arregladas en forma diferente sin el barroquismo que caracterizó sus 2 obras anteriores. El personal acompañamiento de guitarra/piano y los preciosistas arreglos orquestales dan paso aquí a un sonido compacto de banda, integrada por el bajista Bill Plummer, el baterista Kevin Kelly y los guitarristas Marc McClure & Art Johnson dándole a la música de Judee una dimensión diferente. La colección se completa con las ya citadas demos, grabaciones caseras (hechas en casa de Tommy Peltier, un folk singer amigo de Judee en cuyo disco Chariot Of Astral Light esta participó profusamente) y un video en directo, material que no brilla por su calidad sonora pero que resulta imprescindible para tener un retrato completo de esta gran e infravalorada artista. Basta escuchar la demo instrumental Oh Boy The Magician que cierra el segundo CD para comprender la fuerza expresiva de Judee, quien con sólo un piano es capaz de evocar las mismas emociones que transmite cuando canta, y eso es algo que sólo los grandes talentos son capaces de lograr.

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The Who - Live At Leeds [2001 Deluxe Edition] (1970 UK Rock)

Para 1970 The Who se encontraban en total estado de gracia, girando el mundo con un repertorio a toda prueba donde figuraba su más reciente y mejor disco (el legendario Tommy), arrasando los escenarios donde se presentaban con su incendiario espectáculo y dejando su huella en eventos históricos como los Festivales de Woodstock y la Isla de Wight. Pero lo que ocurrió el día 14 de Febrero de ese año en el auditorio de la Universidad de Leeds no tuvo parangón. Esa noche todo absolutamente todo salió perfecto: la ejecución de la banda, el sonido, la comunicación con el público, la grabación ... Un concierto redondo que dió como resultado uno de los grandes discos en vivo de la historia. Aquella noche The Who hicieron un repaso a su discografía a través de 13 temas, más la versión "reducida" de Tommy preparada para la gira (20 temas con algunos cambios en el orden). Lamentablemente el album original Live At Leeds, a pesar de su calidad y estatus legendario, sólo contenía 6 temas. A fin de parodiar el creciente mercado pirata que florecía en USA y Europa, el disco fue preparado para que pareciera un bootleg, desde la portada hasta el sello del vinilo pasando por los abruptos cortes entre tema y tema. No obstante el disco sabía a poco, más aún cuando empezaron a circular bootlegs con el concierto casi completo. en 1995 se lanzó la versión 25 aniversario que rescataba los 13 temas antes citados mas uno sólo de Tommy (Amazing Journey/Sparks). Por fortuna en 2001 el sello Universal puso en circulación la edición definitiva como parte de su serie Deluxe Edition: un doble CD con todo lo que ocurrió aquella gloriosa fecha, remasterizado y eliminando los cracks existentes en las cintas originales que sonaban tan molestos en la versión anterior. El primer CD arranca por todo lo alto con Heaven And Hell (sólo The Who podían darse el lujo de abrir un concierto con una "b side") y toca varias veces el cielo en temas como la magnífica Tatoo, la demoledora Young Man Blues (con John Entwistle & Keith Moon sentando cátedra), una extraordinaria A Quick One While He's Away que pone por el suelo la versión en estudio (divertida la larga introducción de Pete explicando el contenido del tema más los mordaces comentarios de John y Keith), la ultra larga My Generation con una coda donde empalman varios otros temas y el soberbio final con la catártica Magic Bus. El segundo CD contiene una de las mejores versiones en directo de Tommy existentes, con la banda super inspirada cubriendo magníficamente con sólo 4 instrumentos todos los arreglos del original. La presentación, de más está decirlo, es una maravilla. Con esta edición Live At Leeds se transforma definitivamente en uno de los mejores discos en vivo de la historia del Rock (para mí el mejor).

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miércoles, 5 de noviembre de 2008

The Who - Tommy [2005 Deluxe Edition] (1969 UK Rock) + Symphonic Tommy (1972)

No voy a comentar un disco que ha sido múltiples veces comentado, diseccionado y analizado; en su lugar intentaré una sinopsis personal de esta célebre ópera-rock, y subrayo personal porque Tommy es una obra abierta a la libre interpretación de cada quien, cualquiera que haya oído el disco media docena de veces letras en mano o que haya visto la película podría dar su propia versión, de hecho, el propio Pete Townsend ha dicho que le costaría explicar de manera definitiva la temática de Tommy, y John Entwistle, a pesar de aportar 2 temas a la misma, dijo una vez que nunca entendió completamente Tommy sino hasta que leyó el guión que hizo Ken Russell para la versión cinematográfica.

Con Overture se prepara el ambiente para el desarrollo de la obra, ubicada en la 1era Guerra Mundial donde el Sr. Walker ha ido a combatir y su esposa recibe la noticia de su muerte en pleno estado de gravidez, Nace el bebé y los médicos le participan que es un niño (It's a Boy). Pocos años después (1921) la Sra. Walker vive con un amante y con Tommy cuando sorpresivamente el Sr. Walker reaparece vivo y tras una acalorada discusión el amante lo mata delante del niño, Tommy queda traumatizado y cae en un estado de autismo severo. Tommy vive encerrado en su propio mundo interior y a los 10 años tiene una visión donde un ser superior le dice que lo guiará en su camino hacia metas más elevadas (Amazing Journey/Sparks). Un día el padrastro de Tommy se topa con un charlatán (Eyesight To The Blind - The Hawker) quien al notar que el muchacho no vé ni oye ni habla le recomienda que vaya a ver a su esposa quien es curandera. El padrastro siente pena por Tommy al ver que en plena Navidad él se abstrae de todo mientras los demás niños viven la ilusión de los juguetes y regalos (Christmas). Entra en escena otro curioso personaje, el primo Kevin (Cousin Kevin) quien goza perversamente torturando a Tommy de varias maneras (a este punto el tema Underture funge como separación entre los 2 actos de la obra). Tommy es llevado hasta la curandera antes citada (The Acid Queen) cuya costumbre es ingerir ácido y caer en un trance en el que supuestamente se liberan sus poderes curativos cuando en realidad lo que hace es violar al muchacho. Para poner la guinda al pastel de sus penurias, el padrastro y su madre salen de viaje y dejan a Tommy al cuidado del Tío Ernie (Do You Think Is Alright ?), un pervertido que en realidad aprovecha para abusar de él (Fiddle About). En todo este tiempo el único contacto de Tommy con el mundo exterior es jugar como un autómata al Pinball (o maquinita, no sé como se llamará en otros países); Tommy le gana al campeón de la especialidad y se convierte en un ídolo de masas (Pinball Wizard). Tommy es llevado a un médico (There's a Doctor) quien propone una curiosa teoría: poner a Tommy frente a un espejo para confrontarlo consigo mismo y hacerlo salir de su trance (Go To The Mirror). Desesperada, la madre lo increpa para que reaccione (Tommy Can You Hear Me ?) hasta que pierde los estribos y de pura impotencia rompe el espejo (Smash The Mirror). El impacto hace que milagrosamente Tommy se cure, entonces sale a la calle y camina con todos sus fans del Pinball siguiéndolo cual Mesías (Sensation) mientras un pregonero (voceador de diarios) anuncia a la gente su curación (Miracle Cure). En el camino una chica llamada Sally (Sally Simpson) se enamora locamente de Tommy, abandona su hogar y decide seguirlo como a un mesías, vá junto con todos los demás que lo siguen a una especie de templo donde Tommy vá a dar un sermón, pero en el interín Sally resulta herida al tratar de abrazar histéricamente a Tommy y este termina empujándola violentamente; finalmente Sally renunciará a su amor por Tommy y se casará con un músico Californiano. Tommy pronuncia su sermón donde hace apología a su propia libertad (I'm Free) y promete a sus seguidores ser el vehículo para que ellos encuentren la suya. Como su séquito lo sigue hasta su casa, Tommy les invita a pasar (Welcome) y hace planes imaginarios para convertirla en su templo. Tommy congrega a sus seguidores en un campamento de vacaciones hasta que descubre que el mismo es manejado por una de las pesadillas de su niñez, el perverso Tío Ernie (Tommy's Holiday Camp). Este encuentro lo afecta profundamente, Tommy revive los traumas de su infancia y quiere compartir su calvario personal con sus seguidores, pretendiendo convertirlos en el niño autista que él una vez fue. Sus seguidores se niegan a caer en este juego (We´re Not Gonna take It) y lo abandonan, Tommy se queda solo, desquiciado y repitiendo maquinalmente las palabras que repetía interiormente mientras jugaba al Pinball de niño (See Me, Feel Me).

La presente Deluxe Edition apareció por primera vez en el 2003 y fue reditada en el 2005 con correcciones en el libreto; el primer disco contiene el album original y el segundo disco ofrece 17 outtakes de las sesiones. Al igual que las demás ediciones de lujo del sello Universal Groups, todo aquí está esmeradamente ciudado y presentado. Como bonus he incluido un link para la banda sonora de la versión teatral de 1972 (no la película de 1975) ejecutada por la Orquesta Sinfónica de Londres más la participación de Roger Daltrey, Pete Townsend, John Entwistle, Stevie Winwood, Richie Havens, Rod Stewart, Sandy Denny, Maggie Bell, Ringo Starr y otros. Codificado también en Ogg Vorbis con bitrate promedio de 259 kbps. Tomado del blog Sakalli, dedicado exclusivamente a música en formato Ogg.

Rip hecho con Exact Audio Copy
codificado con Oggenc 2.85 Generic en formato Ogg ( Avg. bitrate 460 kbps )

Deluxe Edition
Symphonic Version

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