miércoles, 31 de diciembre de 2008

Jimi Hendrix - Band Of Gypsys [1997 Remaster] (1970 US Rock)

Sin duda que este es el disco ideal para cerrar el año, toda vez que los temas fueron extraídos de los 4 recitales que Jimi Hendrix ofreció amparado tras el trío Band Of Gypsys entre la noche del 31 de Diciembre de 1969 y la madrugada del 01 de Enero de 1970. Si bien el corto período transcurrido con Buddy Miles y Billy Cox fue enormemente fructífero y liberador para Jimi, su formación no se debió a razones musicales sino contractuales. Resulta que en 1965 Hendrix firmó un contrato con el productor Ed Chalpin para grabar como parte de Curtis Knight & The Squires, una banda de R&B liderada por el citado saxofonista y con quien Jimi había trabado amistad. Después de un par de singles fallidos y algunos recitales, Hendrix abandonó la formación y se instaló en el Greenwich Village de New York donde a la postre fue descubierto por el ex bajista de The Animals Chas Chandler, quien se lo llevaría a Inglaterra y el resto es historia conocida. Pues bien, durante todo el período de fulgor de la Jimi Hendrix Experience, Chalpin demandó a Jimi por incumplimiento de contrato y ambos entraron en una larga batalla legal. Resuelto a sacar provecho del nombre de Jimi Hendrix, Chalpin se alió con Capitol Records y a través de ellos editó 2 albumes con jams de estudio y directos grabados durante la estancia del guitarrista con Curtis Knight (Get That Feeling en 1967 y Flashing en 1968). Jimi se sentía furioso e impotente al ver como sus discos con la Experience tenían que competir con material que estaba muy por debajo de sus altos y rigurosos estándares de calidad, no obstante sus managers Chas Chandler y Michael Jeffreys lograron un acuerdo con Capitol que lo liberaría de tan molesta situación: Capitol compraría el contrato de Jimi con Chalpin y lo cedería a cambio de un album con nuevo material. Por aquel entonces la Experience se había disuelto y Jimi formó una nueva agrupación llamada Gypsy Sun & Rainbows (Billy Cox al bajo, Larry Lee a la guitarra, Mitch Mitchell a la batería, Jerry Vélez & Juma Sultan a las percusiones) que tampoco llegó a cuajar aunque acompañaron a Jimi en el festival de Woodstock. Por fortuna para Hendrix sus amigos Billy Cox y el baterista Buddy Miles lo convencieron de formar un trío para grabar el dichoso album y fué así como nació la Band Of Gypsys. Después de muchas horas de ensayos en los Baggy's Studios de Manhattan, el nuevo trío preparó un sólido repertorio de nuevos temas. Las razones por las que este material no fue a parar a un disco en estudio sino en vivo grabado en el legendario Fillmore East de Nueva York nunca han sido del todo aclaradas, pero lo cierto es que estos recitales constituyeron todo un acto liberatorio para el guitarrista, quien buscaba desesperadamente una nueva dirección musical que le permitiera desprenderse de los clichés escénicos de la Experience. El propio Jimi expresó su enorme satisfacción al día siguiente al declarar a la prensa que "lo que hicimos ayer noche lo deseaba desde hacía tiempo, creamos nuevas canciones que son fantásticas y pasamos a dominarlas de inmediato tanto mental como técnicamente, en verdad nos divertimos muchísimo". La influencia de Cox y Miles se reveló determinante, primero porque permitieron a Hendrix confrontarse nuevamente con sus raíces de Rhythm & Blues dándole al nuevo sonido un sabor decididamente Funky, y segundo porque al contar con otro cantante (Miles en este caso) Jimi se sentía más libre para dedicarse a la guitarra. Ya desde el primer estupendo tema Who Knows escuchamos a un Hendrix más relajado y explosivo como hacía tiempo no se le escuchaba; el solo de guitarra es de los más vibrantes de Jimi, al final del cual Buddy Miles toma control del tema para conducirlo magníficamente hacia su culminación. Machine Gun es la gran joya de todo el disco, 12 dramáticos minutos donde la voz de Jimi se funde perfectamente con el más completo, desesperado y cortante solo de guitarra jamás ejecutado. La atmósfera es totalmente frenética, casi apocalíptica, con Jimi logrando una gran musicalidad a partir del más puro caos sonoro, con las perfectas pulsasiones del bajo de Cox y los redobles de batería de Miles imitando ráfagas de ametralladora; uno de los momentos cumbre de toda la historia del Rock. El resto del disco mantiene el nivel bien alto: Them Changes del repertorio personal de Buddy Miles es simplemente estupenda con Jimi haciendo el papel de acompañante de lujo. Power To Love se despliega ante los oídos como una enorme bandada de aves en psicodélico vuelo con la guitarra sonando más libre que nunca, y Message To Love es toda una novedad con un par de magníficos solos de Jimi muy cercanos al Free Jazz y un delicioso coro de aires Gospel. El broche de oro lo pone otro tema de Buddy Miles titulado We Gotta Live Together, una excelente jam cargada de Soul, con un Billy Cox magnífico al bajo y un solo de guitarra maravillosamente fluido. Si bien el repertorio de esas 4 noches incluía también algunos clásicos de la Experience, sólamente se incluyeron temas nuevos en el disco a fin de cumplir con el convenio con Capitol. Lamentablemente este proyecto no tuvo continuidad a pesar que hicieron intentos por grabar en estudio. Las enormes presiones a las que Hendrix estaba sometido y su voluble caracter hizo que esta formación se disolviera en menos de 2 meses. No obstante este album quedó para la posteridad como uno de los más grandes albumes en directo del Rock y como una obra tremendamente influyente cuyos ecos llegarían directamente hasta las bandas de Rock fusion de finales de los 80 como Red Hot Chilli Peppers, Faith No More o Living Colour.

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martes, 30 de diciembre de 2008

Gustav Holst - The Planets [Yoel Levi & The Atlanta Symphony Orchestra] (1998 US Classical)

A muchos quizá les extrañe la publicación de esta suite sinfónica en el blog, pero tuve 3 razones para hacerlo: primera porque es, sin discusión alguna, una de las piezas musicales más maravillosas de la historia de la música; segunda por ser uno de mis obras favoritas; y tercera por ser una obra con varias conexiones Rockeras que explicaré más adelante. The Planets fue compuesta entre 1914 y 1916 por el músico Inglés Gustav Holst (1874-1934), se estrenó de forma semi-privada en 1918 en la ciudad de Birgminham y vió su estreno público en el Queen's Hall de Londres pocos meses después. Holst fue un anónimo profesor de música del St. Paul's Girls' School de Dulwich y sólo había compuesto piezas corales y canciones convencionales, no obstante su fascinación por el sistema solar lo llevó a componer la que sería su única pieza larga sinfónica, una suite en 7 movimientos que describían en música y desde el punto de vista mitológico a cada uno de los 7 planetas conocidos entonces (salvo por La Tierra). Como todas las piezas musicales que de una forma u otra han roto esquemas, The Planets tuvo una fría acogida pero con el tiempo fue calando en el gusto popular hasta convertirse en una de las obras orquestales más hermosas, emotivas y brillantes de la música contemporánea y un reto para todo director que se precie dado que fue concebida para una orquesta con una cantidad de instrumentos mucho mayor a la habitual. Otra característica de The Planets es su corta duración (50 minutos) lo que ha facilitado su asimilación por el público no entendido en música clásica. Mars The Bringer Of War es el primer movimiento y una de esas piezas que todos hemos oído (y disfrutado) alguna vez sin conocer su nombre; siendo Marte el Dios de la guerra la pieza tiene un andar marcial y una atmósfera llena de intensidad y violencia que vá creciendo paulatinamente hasta alcanzar un clímax similar al choque en una batalla final. Venus The Bringer Of Peace es en contraposición al anterior un movimiento de una belleza apacible y serena con un final lleno de hermosa calma y magia. Mercury The Winged Messenger está dedicada a Mercurio, el mensajero alado de los Dioses, y para lograr el efecto adecuado Holst eliminó los instrumentos más pesados de la orquesta para darle al movimiento ese aire de "ligereza alada". Para Jupiter The Bringer Of Jollity Holst imaginó a Júpiter (el más grande de los planetas) como un bonachón y voluminoso personaje de pesado andar y afecto a los grandes placeres y es por ello que el movimiento rezuma de una gran y "pesada" jovialidad. Saturno es el más viejo de los planetas, por tanto Saturn The Bringer Of The Old Age describe el choque o la lucha interna de un ser que se debate entre el final de la juventud y el inicio de la vejez con una sucesión de fuertes y contrastantes imágenes. Uranus The Magician tiene una gran estructura dramática para simbolizar las épicas andanzas del Dios Urano y que ciertamente podrían ser adaptadas a cualquier melodrama moderno. La suite se concluye con Neptune The Mystic; como Neptuno fue el último planeta descubierto para la época y era poco lo que se sabía de el, este movimiento está envuelto en una atmósfera de "imprecisión" y de "viaje hacia lo desconocido" realzada por un etéreo coro femenino que casi imperceptiblemente se une a la música y se disuelve en un misterioso final como perdiéndose en la inmensidad del cosmos. The Planets es una obra que ha perdurado admirablemente en el tiempo y por alguna curiosa razón ha servido de inspiración a muchos músicos de Rock, especialmente por lo que se refiere al primer movimiento. La formación original de King Crimson, por ejemplo, tenía una adaptación de Mars en su repertorio que puede ser escuchada en la caja Frame By Frame y otras colecciones de temas en directo de la banda; por cierto que la obsesión de Robert Fripp por esta pieza lo llevó a plagiarla nota por nota en el tema The Devil's Triangle del album In The Wake Of Poseidon. En la giras de Led Zeppelin de 1969 Jimmy Page incluyó el motivo de Mars como parte del tema How Many More Times. Una readaptación de la melodía de Mars se encuentra en la introducción de White Room de Cream (Wheels Of Fire 1968) y en la de Eyes Of The World de Rainbow (Down To Earth 1979). Por no hablar de la versión de Mars que cierra el único album de Emerson, Lake & Powell de 1987. En cuanto a los demás movimientos, The Mothers Of The Invention usaron el motivo de Júpiter en la pieza The Invocation and Ritual Dance of the Young Pumpkin del album Absolutely Free (1966), mientras que Manfred Mann's Earth Band incluyó en su album Solar Fire (1973) una relaboración de Júpiter titulada Joybringer y una medley compuesta por Mercury y Saturn. En 1985 Rick Wakeman hizo una versión reducida de toda la suite, sé que la tocó en vivo pero no sé si llegó a editarla. Y estos son sólo algunos de los muchos ejemplos existentes. Tengo 2 versiones de esta obra en vinilo y ante la imposibilidad de conseguirla en CD me he bajado algunas de emule entre las cuales destaca esta, editada en 1998 y ejecutada por la Orquesta Sinfónica de Atlanta. Lo que más me atrajo es que está ripeada de un CD en formato Surround DTS (proceso que ignoro como lograron hacerlo) y por tanto con una calidad sonora más que óptima incluso en mp3. Que lo disfruten.

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lunes, 29 de diciembre de 2008

Neil Young - Decade (1977 US Folk Rock)

Hablar objetivamente de Neil Young resulta imposible, pues se trata de un artista que despierta pasiones extremas entre sus fans y detractores. Afortunadamente para la gran mayoría el nombre de Neil Young está escrito con letras de oro en los anales de la música. Como solista o como miembro de Buffalo Springfield y Crosby, Stills, Nash & Young, con la guitarra acústica o la eléctrica, cantando suaves melodías Folk o tocando punzante Rock & Roll, en sus momentos de máximo esplendor o tocando el fondo de sus tormentos, Neil Young es punto de referencia obligado para la música de los últimos 40 años. Como autor es una de las vetas compositivas más fértiles de la historia, su carisma escénico es único siendo capaz de galvanizar a 100,000 personas solamente con su guitarra acústica y su voz nasal. Como guitarrista eléctrico puede que no llegue a los niveles de excelencia de otros pero sus feroces punteos y torrentes de distorsión muestran una elocuencia y expresividad pocas veces igualado. Y en cuanto a su influencia... ¿cuántos artistas pueden vanagloriarse de haber sido ellos solos padres espirituales de todo un movimiento musical? (el llamado Grunge). A parte de esto Neil ha sido el artista de su generación que mejor ha plasmado su propia vida en su obra musical, vivencias personales suyas pero que han tocado la sensibilidad de millones de personas. Como él mismo afirmó hace años "Ya sé que estábamos bastante borrachos cuando grabamos Tonight´s The Night, pero pienso que es algo que la gente debería oír, deben oír como suena un artista bajo todas las circunstancias si quieren tener un retrato completo". Pero lo más grande de este Señor radica en que tras su etapa de oro y después una década de incertezas saltando de un estilo al otro (New Wave, Tecno, Rockabilly, Country, AOR y Blues) Neil experimentó la resurrección musical más espectacular de la historia, reivindicado en los 90 por las nuevas corrientes del Rock y ofreciendo algunos de sus mejores discos (Freedom, Ragged Glory, Harvest Moon, Mirrorball), hazaña que sólo él y Dylan han sido capaces de lograr. El presente disco fue editado originalmente en 1977 como triple LP para conmemorar la primera década de actividad de Neil (1967-1977) y ofrecía un excelente repaso a su carrera, desde Buffalo Springfield hasta The Stills-Young Band pasando por los legendarios CSN&Y y, por supuesto, su magnífica obra solista, con o sin el acompañamiento de esa gran banda que fue (y sigue siendo) Crazy Horse. Junto a todos sus temas clásicos de entonces figuran un puñado de piezas inéditas y otras difíciles de conseguir, aunque algunas han ido apareciendo en cajas y albumes póstumos. A finales de los 80 fue reeditada en formato de triple CD y poco después reapareció como doble CD que aquí nos ocupa. El libreto tiene anotaciones canción por canción manuscritas por el propio Neil con letra bastante fea y poco inteligible por cierto. Una colección imprescindible para fans y curiosos.

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viernes, 26 de diciembre de 2008

John Coltrane - A Love Supreme [2002 Deluxe Edition] (1965 US Jazz)

A pesar de estar considerado como uno de los grandes discos de la historia, A Love Supreme se ubica en el período más difícil de la corta pero densa carrera del gran John Coltrane. Su entrada al sello Impulse coincidió con el inicio de su etapa más experimental caracterizada por su deseo de romper con la ortodoxia jazzística y explorar nuevos territorios. Es la época en que buena parte de la crítica arremete ferozmente contra él llamándole transgresor y profanador, por no hablar de la legendaria crítica publicada en Downbeat donde John Tynan llamó a su música "anti-Jazz". Inteligentemente Coltrane supo acallar parcialmente los ataques grabando algunos discos standard (Ballads, y los discos a dúo con el cantante Johnny Hartman y el maestro Duke Ellington respectivamente) pero estaba claro que el hombre no iba a detenerse ahí precisamente. Fue también la época de su máximo interés por las filosofías orientales (que no era ninguna en particular sino una combinación de varias de ellas, con el Hinduísmo y el Budismo a la cabeza) que lo llevaría a explorar las formas típicas de la música Hindú y su adaptación al lenguaje del Jazz. También fue la época de su maravilloso cuarteto junto al baterista Elvin Jones, el pianista McCoy Tyner y el contrabajista Jimmy Garrison, para muchos su mejor formación y la que le permitió dar el gran salto hacia el infinito creativo. En este entorno John Coltrane grabó en una única sesión el día 9 de Diciembre de 1964 en los estudios de Rudy Van Gelder la que para algunos es su obra maestra y uno de los discos más representativos en la historia del Jazz. A Love Supreme está concebida como una suite en 4 partes dedicada a ese poder supremo que según su autor lo ayudó a superar sus problemas personales (su adicción a la heroína a finales de los 50) y lo guío encausando su talento musical en la dirección correcta. Una obra que rezuma de una gran espiritualidad pero sin renunciar a ese vigor y sensualidad típicos de la música de Coltrane; un disco atemporal que traspasó el ghetto del Jazz para erigirse como una obra universal apreciada por amplios sectores del público y alabada por músicos de todas las tendencias y que a 43 años de su edición sigue ganando adeptos. La suite se abre con Aknowledgement, pieza que tras una soberbia introducción a cargo del líder desemboca en un mantra construido alrededor del contrabajo de Garrison y recitado por el propio Coltrane primero con el saxo y al final con su propia voz. Resolution es un momento de mágica sensualidad merced de una estructura rítmica simplemente perfecta, un maravilloso solo de piano de Tyner y una de las ejecuciones de Coltrane más limpias, inspiradas y emotivas. Pursuance es un torbellino enmarcado por 2 soberbios solos a cargo de Elvin Jones (mi baterista de Jazz favorito) donde el líder y el pianista se miden en un intenso duelo. Un solo de contrabajo dá paso a la pieza de cierre, la enigmática Psalm donde Coltrane "recita" con su saxo el hermoso poema devocional incluido en la contraportada del disco, un concepto muy difícil de explicar y que el musicólogo Lewis Porter definió como "wordless recitation" (recitado sin palabras). Después de A Love Supreme, Coltrane entraría en su etapa más vanguardista iniciando una impresionante espiral evolutiva detenida sólo por su muerte en 1967, y dejando a esta magnífica obra no como un zenith sino como un nuevo punto de partida. La presente Deluxe Edition es una joya, como todas las del sello Universal. El primer CD contiene el album original remasterizado por primera vez de las cintas originales. El segundo CD incluye la única ejecución en vivo de la suite completa en el Festival Mondial du Jazz Antibes, Juan-les-Pins (Francia) el 26 de Julio de 1965 (una versión mucho más larga, menos reposada y llena de disonancias que presagian sus posteriores trabajos), además de 4 outtakes procedentes de una sesión de estudio posterior; por cierto que las 2 tomas de la inicial Aknowledgement incluyen al entonces jovencísimo saxofonista Archie Sheep y al bajista Art Davis. Una auténtica obra de arte ampliamente recomendada a cualquier aficionado a la música y el disco ideal para derribar los prejuicios hacia el Jazz.

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miércoles, 24 de diciembre de 2008

martes, 23 de diciembre de 2008

Johnny & The Hurricanes - The Very Best Of Johnny & The Hurricanes (2001 US Instrumental Rock)

Para estos días de excesos gastronómicos, etílicos y trasnochos nada mejor para poner la cabeza a tono que una buena dosis de refrescante Rock instrumental, en especial si se trata de una de las agrupaciones más representativas del género, Johnny & The Hurricanes. Esta banda proveniente de Toledo, Ohio (EUA) fueron populares entre 1959 y 1962 gracias a una buena racha de hits formados por versiones instrumentales de canciones tradicionales Americanas en clave de Rock And Roll. Se formaron en la citada ciudad de Toledo en 1957 alrededor del saxofonista Johnny Paris, en 1958 la formación se consolida como The Orbits con el guitarrista Dave Yorko, el organista Paul Tesluk, el bajista Lionel 'Butch' Mattice y el baterista Tony Kaye (sustituído posteriormente por Don Staczek primero y por Bill Savic después); al año siguiente viajan a Detroit para servir de banda de acompañamiento en la audición de un grupo vocal llamado Freddie & The Parliaments con los productores Irving Micahnik y Harry Balk, y estos quedaron tan impresionados que firmaron a ambos. Así The Orbits pasan a llamarse Johnny & The Hurricanes y lanzan su primer single en 1959, Crossfire, que logra un prometedor N° 23 en los charts. En los años siguientes aparecen más singles: Red River Rock (su mayor éxito), Walkin', Reveille Rock, Beatnik Fly, Bean Bag, Rocking Goose... reforzando su fama con giras constantes y apariciones televisivas prestigiosas (el American Bandstand de Dick Clark). Johnny Paris tenía un sonido rasposo y excitante derivado del Rhythm & Blues no obstante la música no giraba alrededor de él pues Dave Yorko y Paul Tesluk gozaban de amplios espacios ya sea haciendo duetos con el saxofonista o llevando la batuta en algunos temas. Yorko era un guitarrista fino y versátil cuyos licks de guitarra sonaban simples pero tremendamente efectivos, mientras que Tesluk era la gran novedad sónica del grupo al usar un órgano arreglado para parecer un calíope (el calíope era una especie de órgano muy popular a comienzos del siglo XX que funcionaba con chorros de vapor). Casi 50 años después su música puede sonar demasiado elemental e intrascendente pero aún conserva mucho de su encanto y garra y tuvo cierta influencia en el Surf instrumental de los primeros 60. En 1962 la estrella de Los Hurricanes comenzaría a declinar; a finales de año Johnny cambiaría completamente de músicos y recalaría en la escena de los clubes de Hamburgo donde coincidió con Los Beatles. En 1963 el saxofonista volvió a los estudios pero ante el fracaso del tema James Bond Theme optó por retirarse (por cierto nótese como en esta pieza el nuevo organista Eddie Waganfeald usa una tonalidad que se adelanta en más de 2 décadas a ciertos tipos de sintetizador); no obstante a partir de 1970 utilizaría varias veces el nombre de Johnny & The Hurricanes para ofrecer recitales casi hasta su muerte en el 2006. Años atrás Johnny había fundado su propio sello Atila Records, responsable de un disco en vivo de The Hurricanes que data de su últimos días en Hamburgo y también de esta excelente recopilación en el 2001; 20 temas de los cuales sólo 6 pertenecen a los 3 LP's de la banda dejando así espacio para todos sus singles, caras a y b, varios de ellos en mezclas stereo inéditas. Una banda que fue producto de su tiempo, que no cambió la faz del Rock And Roll pero que al menos a mí me proporcionan 45 minutos de nostálgico placer.

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domingo, 21 de diciembre de 2008

Simon & Garfunkel - Parsley, Sage, Rosemary And Thyme [2001 Remaster] (1966 US Folk Rock)

Parsley Sage Rosemary & Thyme suele ser considerado popularmente como el primer "gran album" de Simon & Garfunkel. Si bien es cierto que en esta oportunidad Paul y Art tuvieron mayor control y libertad en su elaboración, el disco no fue tampoco el fruto de un proceso "orgánico" de gestación. Fue grabado saltuariamente entre Junio y Agosto de 1966 dada la enorme cantidad de compromisos del dúo en su nueva condición de estrellas; 2 temas provenían directamente de las sesiones del album anterior (Homeward Bound y Flowers Never Bend With The Rainfall) mientras que 3 de ellos fueron rescatados nuevamente del album "Británico" de Paul (A Simple Desultory Philippic, Patterns y la ya citada Flowers Never Bend With The Rainfall)... los tiempos caracterizados por largas horas elaborando y perfeccionando los temas en el estudio estaban aún por venir, no obstante estamos ante otra brillante colección de canciones y la confirmación de que Simon & Garfunkel eran una realidad que había llegado para quedarse. Todo el album respira una mayor seguridad en las interpretaciones y una mayor sofisticación tanto en las composiciones como en los arreglos vocales. las letras de Paul ahondan mucho más en el complejo mundo interior del hombre moderno, como en las imágenes amenazantes de Patterns o el anónimo personaje que grita al mundo sus sentimientos a través de un simple poema en las paredes del metro (A Poem On The Underground Wall). En The Dangling Conversation la dificultad para comunicarse con el prójimo es nuevamente explorada pero desde la perspectiva de 2 jóvenes que tratan infructuosamente establecer una relación. Las 2 piezas más populares del disco fueron la barroca y magistral Scarborough Fair/Canticle basada en una pieza tradicional Inglesa del siglo XVI, y la nuevamente autobiográfica Homeward Bound (aunque yo me quedo mil veces con las versión acústica de sus recitales). El resto del disco rezuma romanticismo gracias a las hermosas imágenes poéticas de Cloudy, la jazzistica The 59th Street Bridge Song, Flowers Never Bend With The Rainfall y la preciosista For Emily Wherever I May Find Her; pero también incluye 2 momentos cargados de punzante ironía y mordacidad: la parodia a la sociedad de consumo en The Big Bright Green Pleasure Machine y la sátira llena de dobles sentidos y referencias a otros personajes célebres en A Simple Desultory Philippic (Or How I Was Robert Macnamara'd Into Submission). El disco se cierra con la ingeniosamente efectiva 7 O'clock News/Silent Night donde sobre la tradicional canción de nochebuena se escucha un noticiero con titulares de la época como la escalada bélica en Vietnam, las andanzas de Martin Luther King y la muerte de Lenny Bruce entre otros con un contraste de imágenes muy bien logrado. En el plano vocal los arreglos de Art alcanzan nuevas cotas de madurez logrando con sólo 2 voces lo que otras agrupaciones alcanzaban con 3 o 4; mención aparte merece su maravillosamente intensa interpretación en For Emily Wherever I May Find Her dándole con su hermosa voz la justa dimensión a una de las más grandes creaciones de Paul. En resumen un disco excelente, no perfecto pero que dejaba ya entrever el camino a la cima del más grande dúo en la historia de la música Pop.

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sábado, 20 de diciembre de 2008

Simon & Garfunkel - Sounds Of Silence [2001 Remaster] (1966 US Folk Rock)

El segundo album de Simon & Garfunkel titulado Sounds Of Silence tuvo una gestación poco convencional. Despúes del fracaso comercial que supuso su primer album Wednesday Morning 3AM el dúo se separó: Art Garfunkel volvió a la universidad mientras que Paul Simon se estableció en Londres y rápidamente se involucró en la escena del nuevo Folk que florecía en la capital Inglesa. Gracias a su nueva fama la CBS Británica le ofreció un contrato para grabar y a comienzos de 1965 apareció The Paul Simon Songbook, su auténtico primer album solista, un catálogo de sus nuevas canciones más una regrabación de su magnífico tema The Sounds Of Silence. Casi paralelamente Tom Wilson (productor del primer album del dúo y de Dylan desde The Times They Are A-Changin' hasta el clásico Like A Rolling Stone) tuvo una genial idea con ese tema: sobregrabarle una sección eléctrica (Al Gorgoni- guitarra, Bob Bushnell- bajo & Bobby Greg- batería) convirtiendo así a la preciosa balada acústica pasada desapercibida en un potencial himno del naciente Folk-Rock. El single se editó en Septiembre de 1965 y lentamente comenzó a ascender en los charts. Cuando se hizo evidente que el tema iba disparado hacia lo más alto, Paul regresó a Nueva York para reunirse de nuevo con Art y grabar un nuevo album bajo la producción de Bob Johnston (por cierto que jamás se aclaró la razón para marginar a Tom Wilson de este proyecto así como de la producción de los discos de Dylan, quizá el hecho que un negro produjera discos de Folk para artistas blancos era algo muy poco convencional en un país dominado aún por la segregación racial). Como el tiempo apremiaba y Paul no había preparado suficiente material se regrabaron 5 piezas del album solista de éste (I Am A Rock, Leaves That Are Green, April Come She Will, A Most Peculiar Man, Kathy´s Song) junto a otras 6 nuevas canciones; el resultado se lanzó el 17 de Enero de 1966 (ya con el single en el número 1) y se convirtió inmediatamente en pieza fundamental para la difusión del Folk-Rock junto a los albumes eléctricos de Dylan y los 2 primeros lanzamientos de The Byrds. A pesar de no ser una obra cohesiva el disco tiene una unidad casi sobrenatural. Las letras de Paul muestran un abanico temático muy amplio: el tema recurrente de la incomunicación se presenta aquí como el deseo desesperado por aislarse de los demás para protegerse del sufrimiento (Somewhere They Can´t Find Me y la espléndida I´m A Rock, mi favorita de S&G), sentimientos encontrados producto de la soledad (Kathy's Song), la incapacidad para retener al ser amado (We've Got A Groovy Thing Goin') y la observación de personajes marginados e incomprendidos (Richard Cory, A Most Peculiar Man). Leaves That Are Green es puramente autobiográfica; Blessed muestra un curioso contraste entre poesía y crudeza callejera no exenta de ironía; April Come She Will con sus hermosas imágenes románticas gana kilates en la delicada voz de Art, mientras que Anji es el tributo de Paul al guitarrista Inglés Davey Graham a quien conoció y admiró durante su estancia Londinense. Musicalmente el acompañamiento eléctrico le otorga una dimensión más profunda e incisiva a los temas, con el punzante tintineo de la guitarra eléctrica de 12 cuerdas y el sonido solemne del órgano junto a la sección rítmica, dotando de una inusual aspereza a temas como Blessed o Somewhere They Can´t Find Me. La presente edición remasterizada en el 2001 tiene 4 bonus tracks: 3 demos acústicas de 1970 (cuya presencia aquí no comprendo) y una auténtica joya perdida, la versión de Blues Run The Game de Jackson C. Frank. Frank fue un Folk singer proveniente de Buffalo (Nueva York) que al igual que Paul emigró a Londres y grabó allá un único y estupendo album solista. En un intento por favorecer su carrera, S&G grabaron una de las más hermosas piezas de Jackson (la citada Blues Run The Game) con miras a incluirla en el album pero a última hora fue desechada. Con este Sounds Of Silence S&G se introducen en la élite de las más populares e influyentes bandas de su tiempo, y 40 años después no ha perdido un sólo ápice de significado y encanto.

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jueves, 18 de diciembre de 2008

Phil Spector - A Christmas Gift For You [Ebbetts Stereo LP] (2006 US Pop)

Para complementar el post anterior incluyo el famoso album navideño de Phil Spector con sonido Stereo remasterizado por el inefable Dr. Ebbetts. Para los fans del extravagante y legendario Spector, sus clásicas producciones deben ser apreciadas en mono por la sencilla razón que el "Wall Of Sound" como concepto sónico sólo adquiere sentido ante nuestros oídos con sonido unicanal. De hecho al escuchar este disco se aprecia mayor claridad de las voces y de vez en cuando saltan de los altavoces sonidos que la mezcla original mantenía sepultados... pero definitivamente no es lo mismo, las canciones suenan bien pero "alteradas" y sin esa atmósfera envolvente tan característica del clásico sonido Spectoriano. No obstante lo he incluido pues se trata de una absoluta rareza; este disco fue lanzado sólo en Gran Bretaña a finales de los 70 y desde entonces está fuera de catálogo. La portada original Británica muestra una bizarra foto de Spector vestido de Santa Claus, pero para la ocasión Ebbetts hizo una nueva versión de la portada original Americana (una reproducción de la portada Inglesa está incluida en el artwork). Musicalmente el album es una joya en mono o stereo, son las típicas canciones navideñas Norteamericanas pero pasadas por el filtro Spectoriano y brillantemente interpretadas por 4 de los consentidos de Phil: Darlene Love, The Crystals, The Ronettes y Bob B Soxx & The Blue Jeans. No sé qué opinarán los fans más ortodoxos pero pienso que vale la pena escucharlo y comparar. Que lo disfruten...

Encontrado en Groovyfab
codificado en formato Flac

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Phil Spector - Back To Mono [1958-1969] (1991 US Pop)

Sin duda alguna que Phil Spector pasará a la historia como uno de los genios absolutos de la música popular contemporánea. Ya antes de la toma de USA por parte de los Ingleses y la evolución del Rock & Roll como ente creativo, Spector había elevado la canción Pop al altar de la música dándole un sentido en sí misma, de hecho pienso que tuvo que haber un Phil Spector para que Beatles, Stones, Who, Beach Boys y Dylan pudieran mantenerse y trascender. Su plan de trabajo empezaba por la selección de las canciones adecuadas y sus intérpretes, los músicos idóneos para traducir sus ideas en música y el elemento que amalgamaba todo eso en un producto final: el "Wall Of Sound" como esquema de producción. La pared de sonido no es algo que pueda atribuírsele completamente a Spector pues se trataba de una idea que conceptualmente ya estaba en el aire desde hacía muchos años, por cierto que recientemente leí una cita del compositor Austríaco Gustav Mahler quien hace 100 años afirmó que "la música debe sonar y resonar hasta saturar el espacio", pero sin duda fue Phil quien encontró la fórmula para convertir esta idea en un modelo "tangible". En pocas palabras, la grandiosidad Wagneriana llevada al perímetro del Rock & Roll y puesta al servicio de unas canciones aparentemente desefadadas pero que atrapaban la atención en forma instantánea y se quedaban por siempre clavadas en la mente. El proceso en sí consistía en amalgamar una gran cantidad de instrumentistas, muchos de ellos replicados (2 bajistas, 4 guitarristas, varios percusionistas , secciones de cuerda y viento, etc.), y hacerlos tocar casi al unísono para así producir una pesada masa sonora. Hace pocos años Sonny Bono (asistente de Phil en las sesiones de grabación y mitad del legendario dúo Sonny & Cher) contó que uno de los más grandes recursos de Spector consistía en crear la reverberación en forma natural; para ello colocaba micrófonos en el estudio que recogieran el eco que producían los instrumentos al rebotar del techo para luego en la sesión de mezcla incorporarlo a la canción como fondo. La primera vez que Bono vió a Phil hacer esto quedó atónito, a lo que Spector le replicó: "¿escuchas esto Sonny?, esto es oro"... sin duda alguna uno de los secretos mejor guardados en la historia de las grabaciones. Pero tampoco hay que olvidar su defensa a ultranza del sistema monofónico (cuando ya todos los productores en EUA buscaban migrar al stereo) para lograr un sonido más compacto y cohesivo; existen versiones stereo de muchas de sus producciones clásicas pero definitivamente es con el sonido mono que aquellas maravillosas canciones alcanzaron la gloria. La presente caja recoge en 3 CD's algunas de sus más brillantes producciones partiendo desde 1958 con el éxito To Know Him Is To Love Him de The Teddy Bears, el trío vocal del que Phil formó parte entonces. Por supuesto son los artistas que le permitieron rozar el cielo los más representados (The Ronettes, The Crystals, Darlene Love, Righteous Brothers, Ike & Tina Turner), pero también hay espacio para aquellas producciones menores en cuanto a popularidad pero igual de brillantes (Bob B. Soxx & The Blue Jeans, The Modern Folk Quartet, Sonny Charles & The Checkmates) así como sus primeros pupilos (Ben E. King, Curtis Lee, Gene Pitney, The Paris Sisters), cuando su concepción de la pared de sonido aún no estaba del todo madura . La colección contiene un cuarto CD con el legendario album navideño de Phil Spector, A Christmas Gift For You de 1963, y que al margen de lo que muchos piensen de esta clase de discos figura entre sus más grandes logros artísticos y es considerado el más grande album en su género. Son en total 73 canciones que forman parte de la memoria colectiva del Pop.

Rip hecho con Exact Audio Copy
codificado con Flac Frontend en Flac 8 a bitrate promedio de 605 kbps


Disc 1

Disc 2
Disc 3

Disc 4


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martes, 16 de diciembre de 2008

The Beatles - Past Masters Vol. I & II [Ebbetts US Mono/Stereo] (1988 UK Rock)

Para cerrar esta revisión a la discografía Beatle del Dr. Ebbetts nada más adecuado que los conocidos Past Masters 1 & 2. Estos discos son indispensables para cualquier fan de los Beatles pues recogen todos los temas oficiales que no fueron incluídos en los LP's Británicos. Todos estos temas fueron editados en algún momento durante la carrera del cuarteto pero andaban repartidos en diversas recopilaciones ya fuera de catálogo, como A Collection Of Beatles Oldies, Beatles Forever, Rock And Roll Music, Love Songs o Rarities. Encontraremos en estos volúmenes singles históricos (She Loves You, I Want To Hold Your Hand, I Feel Fine, Day Tripper, Paperback Writer, Lady Madonna, Hey Jude), b-sides de todos los sabores y colores (This Boy, She's A Woman, Yes It Is, I´m Down, We Can Work It Out, Rain, The Inner Light, Revolution, Old Brown Shoe, You Know My Name), los temas del EP Británico Long Tall Sally de 1964 (Long Tall Sally, I Call Your Name, Matchbox, Slow Down) y la versión original de Across The Universe cedida por los Beatles para el album benéfico Our World en 1968. Una aclaratoria: contrariamente a la creencia general el Dr. Ebbetts no utilizó los CD's de 1988 como fuente sino unas ediciones limitadas en vinilo de 1990 de las cuales muy poca gente se enteró; hay que recordar que el Doctor trabaja exclusivamente con vinilos (tampoco tendría mucho sentido masterizar de un CD para obtener otro CD, supongo). Por cierto que de todos los discos de Ebbetts que he escuchado estos dos me parecen los más increíbles sónicamente, la nitidez y la separación de los instrumentos es simplemente espectacular. Esto es todo por lo que respecta a los Beatles, al menos por los momentos. Que lo disfruten.

Vol. 1
Vol. 2


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lunes, 15 de diciembre de 2008

The Beatles - Let It Be [Ebbetts Brazilian Mono LP] & Let It Be [Ebbetts Blue Box Stereo] (1970 UK Rock)

Aunque editado en Abril de 1970, el material incluido en Let It Be fue producto de las tristemente célebres Get Back sessions, 30 días de grabaciones y filmaciones a lo largo de todo el mes de Enero de 1969 donde la ruptura de la relación artística entre Paul y los otros tres se hizo palpable. El resultado final fue horas y horas de música e imágenes que reflejaban toda la acritud, la virulencia y la tensión de esas sesiones, como comentó John años después, el recuerdo de lo mal que la pasaron era tan doloroso que nadie se atrevía ni a tocar las cintas. El ingeniero de esas sesiones Glyn Johns preparó 2 versiones de referencia del disco (Get Back Glyn Johns' Mix 1 & 2) para someterlas a la aprobación del cuarteto, pero al no quedar estos satisfechos con ninguna, el proyecto fue tácitamente archivado. En Febrero de 1970 John grabó como solista el single Instant Karma producido por Phil Spector; tan contento quedó John con la labor de Spector (y el sorpresivo éxito del tema) que le entregó a aquel las cintas de Get Back para que hiciera un disco con ellas. El resultado retitulado como Let It Be fue el album más polémico y criticado de los Beatles. Echarle toda la culpa a Phil Spector (como históricamente siempre se ha hecho) me parece algo exagerado; de entrada hay que reconocer que varias de las canciones elegidas no estaban al nivel de los estándares Beatlescos: los 2 temas de George, I Me Mine y For You Blue son buenos pero no se acercan a la calidad de While My Guitar Gently Weeps y Something; Two Of Us y Dig A Pony son muy buenas (en especial la primera con John y Paul replicando el estilo de los Everly Brothers) pero les falta ese "algo" que las convierta en memorables; y One After 909 (relaboración de un viejo tema de 1963) simplemente no funciona, al menos para mí. Donde Spector definitivamente no acertó fue en los arreglos orquestales que hace que algunos temas suenen "sobreproducidos", no por el uso de la orquesta per sé, sino porque esta rompió con el concepto de disco "grabado en vivo en el estudio" que fue el espíritu original del proyecto (un disco con los 4 tocando cara a cara sin overdubs de ninguna clase). Particularmente The Long And Winding Road quedó para la posteridad como ejemplo de los excesos Spectorianos, una de las más hermosas canciones de Paul ahogada en un maremagnum de vientos, cuerdas y voces femeninas. Lo mejor del disco lo constituyen la versión de Let It Be (diferente a la editada en single un mes antes) con un nuevo solo de George que pone en evidencia su talla como guitarrista, la nueva mezcla de Across The Universe (ligeramente desacelerada y que en mi opinión es el único tema que se beneficia plenamente del trabajo de Spector), la toma de Get Back proveniente del célebre recital en la azotea de Apple, y la magnífica I've Got A Feeling que no solo es la joya del disco sino la canción mejor lograda de todas esas sesiones. El tema es de Paul (quien ofrece una de sus más apasionantes vocalizaciones llena de inflexiones Soul) pero a la mitad se inserta el estribillo de otro tema inacabado de John (titulado Everybody Had A Hard Year); el tramo final con las partes de Paul y John que se sobreponen al unísono es simplemente espectacular. El disco es el único de los Beatles que ha generado a lo largo de los años sentimientos encontrados entre los fans, quienes jamás se han puesto de acuerdo sobre sus virtudes y defectos ni sobre su utilidad real como obra de cierre en la discografía Beatle. Lo mismo ocurre con el reciente Let It Be...Naked, la revisión del disco original lanzada en 2003 y despojada de todo el tratamiento Spectoriano. Lo cierto es que este Let It Be es parte de la historia Beatle, e independientemente de su validez no puede ser remplazado pues para bien o para mal es la versión con la que todos sus fans hemos crecido.

Mono
Stereo
Booklet


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PD. la edición Inglesa original de Let It Be venía en una lujosa caja junto con un libreto lleno de fotos y diálogos. Como bonus he incluido las dos copias del mismo que circulan por el ciberespacio, una en formato pdf y otra en formato interactivo tipo slideshow.


domingo, 14 de diciembre de 2008

The Beatles - Abbey Road [Ebbetts Brazilian Mono LP] & Abbey Road [Ebbetts Blue Box Stereo] (1969 UK Rock)

1969 fue el año en que Los Beatles comenzaron la lenta curva descendente que los llevaría un año después a la disolución. Las sesiones del mes de Enero (en los estudios de Twinckelman y en sus estudios privados de Saville Row donde funcionaba Apple) para el proyecto Get Back (su siguiente disco reforzado por una película documental) se revelaron tensas y llenas de roces por la actitud autoritaria de Paul quien unilateralmente tomó el liderazgo tratando a sus amigos como si fuesen su banda personal. Después de 30 días de grabaciones y filmaciones y tras un sospresivo recital en la azotea del edicifio de Apple, el proyecto es puesto en el congelador. Apple perdía dinero a manos llenas por la mala administración e inexperiencia financiera de los Beatles y su personal, surgieron desacuerdos sobre quien debía dirigir la nave (John, George y Ringo contrataron a Allen Klein, ex representante de los Stones mientras Paul se puso bajo los consejos de suegro y cuñado, Lee y John Eastman), cada uno de los 4 empezó a trabajar en proyectos solistas (albumes y singles individuales, colaboraciones, producciones, películas y la hilarante campaña por la paz de John & Yoko)... en este marco Los Beatles se reunieron el 1 de Julio en los estudios de EMI nuevamente bajo la dirección de George Martin para grabar su último disco titulado Abbey Road. Quizá conscientes de que no había futuro para Los Beatles, John Paul George & Ringo decidieron hacer una tregua y trabajar nuevamente como una auténtica banda; el disco mostraba la misma variedad temática del doble blanco pero con 2 atributos que este no tuvo: concreción y homogeneidad. Ciertamente en Abbey Road cada uno desplagaba su personalidad pero el resultado mostraba una cohesión y espíritu colectivo que parecían perdidos; esto junto a la enorme calidad del material convirtió a Abbey Road en un trabajo excelso y quizá en la obra más grande de Los Beatles. El disco arranca con Come Together pieza que en su cínica dureza presagia la nueva actitud (personal y musical) de John convirtiéndose en una de sus canciones más populares; la sección rítmica es excelente con el bajo compulsivo de Paul y la batería de Ringo llenando los espacios y portándose casi como un instrumento melódico más (estos 2 atributos de Paul & Ringo se repiten a lo largo de todo el disco dándole a Abbey Road una exuberancia y solidez rítmica que fueron y son aún toda una escuela). Something es la consagración defintiva de George como autor, una maravillosa balada que se convertiría en una de las piezas más exitosas de los Beatles; la ejecución es simplemente sublime con un emotivo solo de guitarra y la orquesta creando una atmósfera majestuosa. En Maxwell's Silver Hammer Paul define su preferencia por las melodías simples con letras intascendentes y estribillos coreables pero que a la vez esconden un meticuloso trabajo a nivel de arreglos; el tema tiene el extraño sonido de la última adquisición tecnológica del cuarteto: un sintetizador Moog (tocado por George), siendo este uno de los primeros discos de Rock en usuarlo profusamente. Oh! Darling de Paul data de las 'Get Back Sessions' y refleja su admiración por los grupos vocales masculinos de los 50. Octopus's Garden es en su sencillez un gran tema, con Ringo dueño absoluto de la situación tocando y cantando muy bien una canción escrita por él mismo que es una especie de continuación temática de Yellow Submarine (muy bueno el interludio instrumental con los coros recreando el ambiente subacuático sobre un buen punteo de guitarra). I Want You (She´s So Heavy) es una de las piezas más sorprendentes de los Beatles, 8 minutos de atmósferas dark y progresivas, andar lento y agónico, guitarras infecciosas, órgano amenazante, bajo pulsante, cambios de ritmo, la voz de John en un canto deseseperado y un final macabro con los sonidos atonales del sintetizador sobre el motivo instrumental del tema que se repite hasta el infinito pero que repentinamente se corta como quien despierta sudoroso de una pesadilla; una de esas piezas para ponérselas a cualquier detractor de los Beatles y disfrutar con satisfacción de su estúpida cara de sorpresa. Pero si hasta ahora el recuento resulta magnífico, el resto del disco es simplemente antológico. La segunda cara se abre con Here Comes The Sun, otro maravilloso aporte de George, un canto a la alegría representado por la salida del sol que derrite los hielos del frío invierno con un magnífico trabajo instrumental. Because está inspirada en la Sonata del Claro de Luna de Beethoven, una balada con un hermoso y escueto acompañamiento de guitarra-bajo-Moog sobre el cual se despliegan las voces de John Paul y George al unísono multiplicadas por 3 dando la impresión de un coro 9 voces, otro momento mágico. You Never Give Me Your Money tiene una letra de Paul que refleja el deterioro de su relación con los demás debido a los problemas financieros en Apple, la música está elaborada al estilo del Good Vibrations de los Beach Boys con 5 fragmentos diferentes unidos en una sóla pieza con un desarrollo instrumental impecable. El resto de Abbey Road lo componen 7 piezas incompletas pero que Paul y George Martin juntaron para formar con ellas una magistral mini-suite que resultó ser más que la suma de sus partes; difícil escoger alguna pero sería injusto no destacar las hermosas y descriptivas escalas ascendentes de Sun King, la dramática belleza de Golden Slumbers y la jam de The End con un breve solo de Ringo seguido por un trepidante duelo de guitarras (Paul George y John en ese orden) y un texto ("y al final el amor que das es igual al amor que recibes") que cierra con broche de oro la carrera de la agrupación musical más grande de la historia... pero aún queda algo en el tintero y cuando ya dábamos por terminado el disco, Paul salta por los altavoces con la brevísima Her Majesty, un fragmento de 26 segundos pertenciente a una pieza descartada que se coló al final de la cinta y que a su autor no le pareció mal dejarla en su lugar como sorpresa. Abbey Road fue sin duda el último gran esfuerzo colectivo de Los Beatles, una auténtica obra maestra y la prueba de lo grande que pudo seguir siendo el cuarteto de haber logrado superar sus diferencias... pero en fin, así se escribe la historia.

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Nota:
Abbey Road fue el primer disco de Los Beatles editado exclusivamente en stereo, no obstante en Brasil prepararon una versión mono de este (y del siguiente Let It Be). No se trataba de una auténtica mezcla monofónica sino de un simple 'transfer' de stereo a mono (proceso conocido en el medio musical como downmixing); la razón se debió a que en ese país los tocadiscos portátiles de un sólo altavoz eran muy populares entonces y los discos en mono tenían aún buena demanda, de hecho, toda la discografía Beatle hasta 1972 (juntos y separados) fue lanzada en Brasil de esa manera, es decir, cada disco stereo tuvo su réplica en mono 'falso' (fake mono). No tenía pensado publicar estas versiones pero después de escucharlas cambié de opinión pues muchos de los temas de Abbey Road y Let It Be tienen una textuta diferente en mono, especialmente aquellos donde el efecto stereo crea dispersión (Oh! Darling, Here Comes The Sun y You Never Give Me Your Money, por ejemplo). Espero estén de acuerdo conmigo al respecto.

sábado, 13 de diciembre de 2008

The Beatles - Yellow Submarine [Ebbetts Red Wax Mono] & Yellow Submarine [Ebbetts Blue Box Stereo] (1969 UK Rock)

Editada en Enero de 1969 Yellow Submarine fue la banda sonora de la cuarta película de The Beatles. El proyecto concebido y dirigido por el Canadiense George Dunning ya había sido planificado estando Brian Epstein en vida; la idea era hacer un film animado inspirado en la serie televisiva animada de Los Beatles escrita por Al Brodax, el homónimo tema cantado por Ringo en Revolver y parcialmente en el album Sgt. Pepper's Lonely Heart Club Band. Cuando Brian les planteó el proyecto al cuarteto estos quedaron atónitos, les pareció una completa locura, pero Brian siempre visionario y apasionado por todo lo relacionado con Los Beatles los convenció que se trataba de una gran inversión a futuro y que con el tiempo la película sería reconocida como un clásico del cine de animación, como efectivamente ocurrió. La película se estrenó en Junio de 1968 y el disco con la banda sonora se pospuso para el siguiente año a fin de no chocar con el lanzamiento del doble blanco y evitar confundir al público. La película contenía 15 temas de los Beatles (4 de los cuales inéditos) más 7 piezas orquestales escritas por George Martin; el disco contenía sólo 6 temas del cuarteto más el material instrumental de Martin. Para los fans era obvio que el atractivo del disco eran las 4 canciones nuevas: All Together Now de Paul fue hecha expresamente para la película y constituía una de las piezas más comerciales y pegajosas de los Beatles con ese estribillo que se quedaba en la mente a los pocos segundos, una pieza de sing-a-long que con los años se convirtió en himno de barras en partidos de football. It's All Too Much de George fue concebida también para la película y era reminescente de las atmósferas psicodélicas de Sgt. Pepper's, la pieza se abre con una ácido feedback de guitarra en la línea de Jimi Hendrix y del primer disco de Velvet Underground (2 artistas que casualmente debutaban por esa misma época) y demostraba la inventiva de George como guitarrista y la habilidad de los Beatles para, de una forma u otra, ponerse siempre a la vanguardia de lo que sucedía en el Rock. Only A Northern Song (también de George) era un descarte del Sgt. Pepper's que se ubica entre las piezas más psicodélicas del cuarteto gracias al aluvión de efectos sonoros que la adornan; lamentablemente para el momento de la edición del disco esta pieza y la anterior sonaban casi como reliquias del verano del amor, pero si las ubicamos en su contexto original de 1967 pueden considerarse como 2 de las más avanzadas y arriesgadas piezas de su tiempo. El último tema original era Hey Bulldog, compuesto por John y procedente de las sesiones para Lady Madonna; un tema que como otros del cuarteto se anticipaba al Heavy Rock con ese obsesivo riff de guitarra y el estupendo y pulsante bajo de Paul. Por otra parte tenemos las piezas instrumentales de George Martin, 7 piezas que suelen considerarse como simple relleno pero que a mí me parecen absolutamente brillantes, una extensión a gran escala de los maravillosos arreglos de cuerda y orquesta con los que Martin adornó tantas canciones memorables de sus pupilos y que dán fé de su enorme talento como músico (el tema Sea Of Time, por ejemplo, con su combinación de aromas de La India y romanticismo clásico es de una belleza indescriptible). Por cierto que estos temas fueron utilizados por la NASA para un documental sobre el proyecto Apollo 9 que terminaría con la puesta del primer hombre en la Luna. En resumidas cuentas un disco menor para algunos pero que de haber sido editado en un momento más propicio (a continuación de MMT) habría complementado de manera más lógica y perfecta la etapa psicodélica de los Beatles.

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viernes, 12 de diciembre de 2008

The Beatles - The Beatles [Ebbetts Red Wax Mono] & The Beatles [Ebbetts Blue Box Stereo] (1968 UK Rock)

A comienzos de 1968 The Beatles junto a sus mujeres y otros invitados se trasladan al poblado Rishikesh en La India para seguir un curso de meditación trascendental dictado por el Maharishi Mahesh Yogi, encerrados en un Ashram (una especie de monasterio) y aislados del mundo por varias semanas. La experiencia se reveló un fiasco en el plano personal mas no así en el artístico pues el cuarteto regresó a Londres con un gran cúmulo de nuevas canciones escritas allá. En Marzo de ese mismo año Los Fab Four se reúnen en la casa de George Harrison para grabar demos de esos temas y el 31 de Mayo comienzan las sesiones de grabación formales que se prolongarían hasta Octubre, dando como resultado un doble album (uno de los primeros albumes dobles en estudio de un artista Pop) llamado simplemente The Beatles, mejor conocido como el "white album" o el "double white album" por su austera portada con el nombre del grupo en relieve gris sobre un fondo blanco y un número de serie único. Durante esos 5 meses ocurrieron muchas cosas que marcaron dichas sesiones: la formación de Apple Corps (su imperio financiero), la apertura y quiebra de la Apple Boutique, el lanzamiento de las primeras grabaciones bajo su propio sello Apple Records, la presencia de Yoko Ono en la vida de John y el subsiguiente divorcio de este y su esposa Cynthia, la separación temporal de Ringo al sentirse excluído por los demás... sobre todo la presencia de Yoko en el estudio sentada junto a John y acompañándolo hasta en el baño fue motivo de fuertes tensiones pues ponía en tela de juicio el pacto más celosamente guardado por los cuatro: nadie (salvo sus asistentes Neil Aspinall y Mal Evans) podía estar en el estudio mientras ellos trabajaban. Por otra parte habiendo Los Beatles alcanzado la madurez personal y artística empezaron lentamente a dejar de funcionar como una entidad colectiva y a seguir cada uno sus propios instintos; esta fue la razón por la que para poder sacar el disco adelante cada uno se dedicó a trabajar exclusivamente en sus propios temas para luego grabarlos usando a los demás como acompañamiento. El resultado fue un disco variado, alejado de la estética psicodélica de los anteriores, sin unidad cohesiva y que mostraba en cierta manera las fricciones cada vez más frecuentes entre ellos pero musicalmente brillante. Precisamente esa falta de cohesión se revelaría fructífera al permitir el desarrollo de una amplia gama de estilos y tendencias diferentes: Rock And Roll (Back In The USSR, Birthday), Hard Rock (Everybody's Got Something To Hide Except Me And My Monkey), Blues (Yer Blues), Country (Rocky Racoon, Don´t Pass Me By), Folk (Blackbird, I Will, Julia, Mother Nature's Son, la versión acústica de Revolution aquí llamada Revolution N°1), Pop (Martha My Dear, Cry Baby Cry), Vaudeville (Honey Pie) y Vanguardismo (Revolution N°9), incluso el cuarteto se muestra premonitor anticipándose en varios años al boom del Ska (O-Bla-Di-O-Bla-Da) y al Trash Metal (Helter Skelter). En el plano personal los temas son un reflejo de la personalidad de cada Beatle; Paul con su omnipresencia acapara buena parte del material y se muestra inclinado por las melodías sencillas expresadas con acompañamiento instrumental mínimo (Blackbird, Why Don´t We Do It In The Road?, I Will) pero sin renunciar del todo a elaborados arreglos de viento (Martha My Dear, Mother Nature's Son, Honey Pie) y dejando salir de vez en cuando su lado más genial e imprevisible (la sorprendente Helter Skelter). John revela nuevas facetas de su creatividad gracias a la influencia de Yoko: juega con su vena poética non-sense (Glass Onion), exorcisa sus demonios internos (sus depresiones en I´m So Tired, el recuerdo de su madre en Julia), se erige observador de la sociedad (la violencia gratuita en Happiness Is A Warm Gun), asume posturas políticas (Revolution N°1), ajusta cuentas con el Maharishi (Sexy Sadie) y dá rienda suelta a su lado más experimental (Revolution N°9, una pieza polémica pero que a mi juicio tiene sus méritos). George se confirma como autor de talento a la par de John y Paul, y aunque sólo se incluyen 4 de sus temas, estos no dejan lugar a dudas: While My Guitar Gently Weeps (con Eric Clapton a la guitarra solista) es su cumbre compositiva y una de las mejores piezas del disco, Piggies es mordaz en cuanto a letra y delicadamente barroca en cuanto a la música, la acústica Long Long Long suena como un eco lejano tras la cacofonía eléctrica de Helter Skelter pero crea un contraste absolutamente brillante, y la rockera Savoy Truffle (dedicada a Eric) demuestra su buen gusto en cuanto a arreglos. Ringo debuta como autor en la Country Don´t Pass Me By y ofrece una delicada interpretación vocal en la pieza orquestal de cierre, Goodnight. El disco fue todo un éxito con pedidos adelantados de 2 millones de copias y reseñas unánimemente halagadoras por parte de la prensa; para un amplio sector de los fans esta es su obra maestra; sin duda alguna se trata de una gran obra y uno de los discos de los Beatles que mejor suena con los años, lástima que sea también el disco donde el cuarteto planta las primeras semillas que germinarían en su disolución 2 años después.

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lunes, 8 de diciembre de 2008

The Beatles - Magical Mystery Tour [Ebbetts US Mono LP & German Stereo LP] (1967 UK Rock)

Magical Mystery Tour apareció en un momento crítico en la historia de The Beatles. Pocos meses antes su mánager, mentor y amigo Brian Epstein fue encontrado muerto por sobredosis de anfetaminas. Estando Brian en vida Los Beatles podían darse el lujo de desentenderse de los aspectos organizativos y administrativos de su imperio para concentrarse únicamente en la música; gracias a Brian ellos jamás tuvieron las preocupaciones de otras bandas (mala administración, pérdidas, contratos con cláusulas comprometedoras, contables ladrones, etc.), pero sin él al frente se sintieron por primera vez desamparados y confundidos. Les tocaba ahora la dura tarea de dirigir ellos mismos la nave, y como según se dice, sumergirse en el trabajo es la mejor panacea para el dolor, Paul tomó las riendas y planificó el siguiente proyecto de los Beatles: una película elaborada, dirigida y producida por ellos mismos con su respectiva banda sonora. Si bien la película fue un sonoro fiasco (hay que amar profundamente a los Beatles para poder ser indulgente con ella) la banda sonora fue la confirmación del período de gracia que el cuarteto vivía como innovadores intérpretes y autores. En su formato original Magical Mystery Tour fue un doble EP (Extended Play) con los 6 temas de la película, pero como este formato no era popular en EUA, Capitol hizo un LP agregando 5 piezas lanzadas en single ese mismo año y que con el tiempo se convertiría en la versión definitiva de MMT. Los temas del EP se inspiran en el concepto original del album anterior, sólo que el espectáculo de Sgt. Pepper's se transforma aquí en una gira donde el público es conducido por los Beatles hacia lugares más allá de la imaginación. Si bien los temas Magical Mystery Tour y Your Mother Should Know son derivativos de Sgt. Pepper's y When I'm 64 respectivamente, los otros 4 son simplemente magistrales, ahondando aún más en la psicodelia pero dentro de una atmósfera marcadamente onírica cumpliendo a cabalidad su función de soporte a las imágenes de la película: The Fool On The Hill es una de la más grandes creaciones de Paul con ese contraste entre una melodía fácilmente asimilable y un arreglo complejamente trabajado; Flying es un instrumental corto y que suele pasar desapercibido pero que a mí me parece magnífico, la manera como se funde con las imágenes que describe en la película es un momento lleno de magia; en Blue Jay Way George utiliza por primera vez el recurso de establecer analogía entre el mundo material y el espiritual a través de una letra aparentemente simple y un arreglo surreal y amenazante; I´m The Walrus de John es una de las cumbres de esta etapa ácida del cuarteto, la letra toca el techo de la temática non-sense de su autor y el arreglo caracterizado por diversos efectos sonoros, voces demenciales y una brillante sección de cuerdas escrita por George Martin le otorga un toque genialmente delirante, una pieza premonitoria del 'rock orquestal' que desembocaría años despúes en bandas como la Electric Light Orchestra. El resto del disco se completa con la maravillosa explosión creativa del single Strawberry Fields Forever/Penny Lane, el single post-Pepper All You Need Is Love/Baby You're A Rich Man y la más que agradable Hello Goodbye (cara b de I´m The Walrus). Un disco que suele considerarse como un apéndice de Sgt. Pepper's pero que es parte fundamental de ese multicolor collage sonoro que marcó la carrera de los Beatles a todo lo largo de 1967.

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The Beatles - Sgt. Pepper's Lonely Heart Club Band [Ebbetts UK Mono LP & Blue Box Stereo] (1967 UK Rock)

Sgt. Pepper's Lonely Heart Club Band de The Beatles es un disco que hay que valorar desde una perspectiva particular. No es el mejor album de los Beatles (pienso que Revolver antes y Abbey Road después fueron superiores), no es el disco más grande de la música Pop (algo de por sí imposible de determinar), tampoco fue el primer album conceptual (algo que los mismos Beatles se han encargado de aclarar). Pienso que sí es una obra maestra y un disco rompedor pero que hay que analizar dentro del contexto de su tiempo. 1967 fue año de cambios profundos dentro de la cultura Pop y que invariablemente terminaron reflejándose en la música. En San Francisco surgían los Hippies con su postura anti-establishment y su estilo de vida comunitario basado en el pacifismo, el amor libre y las drogas alucinógenas; la escena musical de la ciudad se sacudía con las primeras bandas de Rock ácido como Grateful Dead, Great Society, Jefferson Airplane o Beau Brummels cuyos conceptos apuntaban tanto a la búsqueda de nuevas sonoridades como a la revisión retro de su propio pasado; el Rock superada su etapa inicial de aprendizaje se enfilaba hacia la madurez persiguiendo el tan ansiado reconocimiento artístico y los jóvenes en general buscaban una nueva espiritualidad ante la incapacidad de las religiones tradicionales para dar respuestas acordes a los nuevos tiempos. Ante este panorama resulta sorprendente como Los Beatles a pesar de no tener una idea concreta de lo que ocurría a su alrededor hicieron un disco que era el reflejo de todo eso: Sgt. Pepper's Lonely Heart Club Band. En otras palabras, ellos no crearon la contracultura pero el disco que hicieron constituyó su mejor retrato. En plano conceptual Sgt. Pepper's nació de una idea de Neil Aspinall (asistente y colaborador de Los Beatles) a partir de la cual Paul concibió una especie de espectáculo circense donde tras la presentación de rigor iban desfilando uno a uno los personajes (representados por una canción) hasta llegar a la despedida y cierre con el número final. No obstante como los mismos Beatles reconocen en el documental Anthology, el concepto fue descartado después de sólo 2 piezas (el tema homónimo de apertura y el primer personaje, Billy Shears). Sin embargo, y aquí entra el segundo aspecto sorprendente de la obra, las piezas subsiguientes se amoldan perfectamente a la idea unitaria original, dándole a Sgt. Pepper's ese perfil conceptual del que tanto se ha hablado. Donde sí que no hay dudas es en la enorme calidad y trascendencia de la obra, con Los Beatles llevando sus ansias de experimentación hacia cotas altísimas, revalorizando el papel del estudio de grabaciones como un instrumento más y redefiniendo el concepto del album como obra unitaria y no una mera recopilación de singles, concepto este que ya otros habían explorado pero que no fue sino a partir de este disco que comenzó a ser reconocido masivamente. Parafraseando uno de sus temas, Sgt. Pepper's es un amplio caleidoscopio de personajes, situaciones y experiencias; el tema homónimo sirve tanto para dar incio al show como para anunciar su clausura. With A Little Help From My Friends (cantada por Ringo) rezuma el sentimiento de solidaridad y fraternidad de su época. Lucy In The Sky With Diamonds y Fixin' A Hole (aunque esta en un plano menor) son la trasposición en música y letra de la experiencia ácida. Gettin' Better refleja el optimismo típico de 1967. Being For The Benefit Of Mr. Kite es un auténtico circo psicodélico y muestra la afición de John por el non-sense de Lewis Carrol (autor de Alicia en el País de las Maravillas, una de sus novelas favoritas). Within You Without You, escrita por George, es la sublimación de su pasión por la música Hindú y un momento de profunda reflexión filosófica. En When I'm 64 Paul dá un salto retro a los años 20 pero con una letra orientada al futuro creando un curioso contraste. Los Beatles también se erigen en cronistas de la realidad de su tiempo, como la chica que se escapa de casa en She´s Leaving Home o la oda al aburrimiento cotidiano en Good Morning Good Morning. La alegre Lovely Rita, inspirada en una mujer policía que le puso una multa a Paul, podría situarse también en este último apartado. El disco finaliza con la epopéyica A Day In The Life, un tema de John que de por sí sólo resume todo el camino evolutivo recorrido por el cuarteto, una pieza grandiosa caracterizada por 2 apocalípticos interludios orquestales y la yuxtaposición de una segunda pieza de Paul que es como "un sueño dentro de otro sueño"...habían pasado menos de 5 años desde la aparición de Love Me Do y los Fab Four sonaban como una banda rencarnada en una vida y una era diferentes mientras otros artistas se han pasado el doble de ese tiempo haciendo siempre lo mismo. En resumen, un disco que es la consolidación del fenómeno Beatle como ente artístico y una obra altamente influyente pero que en mi humilde opinión es más un producto de su tiempo que una pieza de caracter universal.

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domingo, 7 de diciembre de 2008

Iron Butterfly - In-A-Gadda-Da-Vida [1995 Deluxe Edition] (1968 US Rock)

Disco que necesita de muy pocas presentaciones entre los seguidores del Rock clásico de los 60, este In-A-Gadda-Da-Vida de Iron Butterfly es una de las obras más influyentes y significativas de su tiempo. Obviamente el disco gravita alrededor de la larga pieza homónima que ocupaba toda la segunda cara en el vinilo original, no sólo por ser la más exitosa (artística y comercialmente) sino por el gran impacto que tuvo en los nacientes géneros del Hard Rock y el Rock Progresivo, además de constituir la piedra fundacional para la propia reconstrucción de Iron Butterfly como banda y su techo creativo. Tras la edición de su primer album Heavy (1968) la banda se rompió quedando solos el organista Doug Ingle y el baterista Ron Bushy. Ambos compartían un apartamento y mientras Ron trabajaba de día repartiendo pizzas, Doug componía canciones. Una tarde Ingle ensayaba la idea básica de un tema nuevo llamado In The Garden Of Eden mientras bebía su vino favorito, un tinto Californiano llamado Red Mountain. Cuando el baterista regresó en la noche encontró que Doug se había bebido 2/3 de galón de vino con el estómago vacío. Cuando Bushy le preguntó a Doug el título del tema que estaba tocando este le respondió en medio de su trabalenguas etílico "In A Gadda Da Vida", y a Ron le pareció tan cómico que anotó el título en un papel. A la mañana siguiente Doug no recordaba nada del episodio pero al leer la anotación de Ron le gustó y fue así que In The Garden Of Eden pasó a llamarse In-A-Gadda-Da-Vida. Poco después Doug y Ron reclutaron al joven guitarrista de 17 años Erik Brann y al bajista Lee Dorman y comenzaron a ensayar el nuevo material. Inicialmente el tema en cuestión duraba no más de 3 minutos para disgusto de Brann quien lo encontraba demasiado Pop para su gusto, pero en la medida que la iban puliendo (tanto en estudio como en el escenario) la pieza sufrió una transformación radical hasta convertirse en una larga jam de casi 18 minutos que entremezclaba sonidos ácidos, duros riffs, elementos clásicos y barrocos, escalas orientales, misticismo, disonancias guitarrísticas y un solo de batería inspirado en percusiones tribales Africanas; toda una fantasía sónica que le daría a Iron Butterfly su identidad definitiva, catapultando al disco hasta lo más alto de las listas donde permaneció todo un año vendiendo 4 millones de copias (la RIAA tuvo que crear expresamente el galardón del disco de platino para poder premiarlo). Si bien el grupo Love ya habían incluído 2 años antes una pieza similar en su album Da Capo llamada Revelation, fue In-A-Gadda-Da-Vida que mostró la viabilidad comercial de este tipo de temas y abrió una senda que sería transitada por muchas bandas de Rock. Pero la cara A del disco contenía otras piezas estupendas que, si bien fueron opacadas por la legendaria cara B, daban fé también de la gran compenetración y calidad musical de esta formación, como la inicial Most Anything You Want con toques a lo Doors y excelente puente instrumental, Termination (única pieza no firmada por Ingle) con ese corrosivo riff de guitarra, sólido tandem bajo-batería y un sorpresivo cambio de ritmo al final, y la magnífica Are You Happy?, pieza compacta, densa y con aires progresivos que resume en sus 4 minutos y medio toda la grandiosidad del tema estelar. La presente Deluxe Edition fue lanzada por el sello Rhino en 1995, posee una espectacular presentación con una psicodélica composición holográfica en la portada y un completísimo libreto. El sonido es muy bueno aunque con distorsión en el canal izquierdo del stereo que a veces se torna molesta. He leído por ahí que dichas fallas provienen de las cintas maestras por lo que lamentablemente no hay nada que se pueda hacer al respecto; no obstante la he comparado con la edición Japonesa que suena más clara pero con mayor distorsión, por lo que la presente edición luce más recomendable. Lo único realmente negativo son los bonus tracks: la versión en vivo de In-A-Gadda-Da-Vida es la misma del album oficial Live (¿por qué no una versión inédita?), y el single-edit del mismo tema sólo sirve como curiosidad. De todos modos se trata de una de esas obras fundamentales que no debería faltar en la colección de cualquier aficionado al Rock que se precie de serlo.

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codificado con Lame 3.98 a 320 kbps

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Aldoux

sábado, 6 de diciembre de 2008

The Beach Boys - Endless Harmony [Soundtrack] (2000 US Pop)

Encasillar a The Beach Boys dentro del fenómeno del Surf es un acto terriblemente simplista que denota ignorancia y la más absoluta falta de respeto hacia el alcance de su legado. Gran parte de la responsabilidad recae en la manera como Capitol Records ha promocionado la banda a lo largo de su carrera, empeñados en explotarlos como "la banda Surf N°1 del país" cuando los BB ya estaban a años luz de sus inicios. Baste decir que los Beach Boys son la más grande leyenda de la música Americana junto a Elvis Presley y Bob Dylan, el más grande grupo vocal de la música Pop y uno de los mejores entes creativos en la historia del Rock & Roll. La visión de 3 hermanos (Brian, Dennis y Carl Wilson) que junto a uno de sus primos (Mike Love) y un amigo (Alan Jardine) comenzaron en un suburbio a las afueras de Los Angeles, California, imitando las complejas armonías vocales de sus ídolos The Four Freshmen. Pero sobre todo los BB fueron el vehículo expresivo de ese genio de la música contemporánea que es Brian Wilson. Si Dick Dale le dió al Surf su sonido, Brian le dió su identidad a través de piezas que hablaban de la experiencia de desplazarse sobre las olas, playas, chicas y carreras en carros modificados, pero tocó también otros temas que poco llamaron la atención entonces como la soledad, el aislamiento y la insignificancia del hombre ante la grandeza de la naturaleza expresada en el mar. Pero los BB no fueron un mero producto de su tiempo, cuando en 1964 Los Beatles arrasaron EUA como un tornado, Los BB fueron uno de los poquísimos que quedaron en pie logrando inlcuso su primer single N°1 en plena Beatlemanía. Ese mismo año Brian tuvo que abandonar las actuaciones en vivo tras un colapso nervioso concentrándose en trabajar en el estudio, dejando atrás el Surf y dando un giro a la música del grupo inspirado en la grandiosidad Pop de Phil Spector y su Wall Of Sound, mientras los demás se dedicaban a las giras con Bruce Johnston como sustituto. Este período de profunda investigación y creatividad alcanzó la cúspide con el maravilloso album Pet Sounds (una de las obras maestras indiscutibles de los tiempos modernos) y el single más grande y sorprendente de la historia: Good vibrations. Pero los obstáculos que enfrentó para culminar en 1967 su ansiada obra maestra Smile sumió a Brian en la depresión y en un discreto segundo plano. Es en este momento que los restantes miembros toman control del grupo y demuestran a través de una excelente secuencia de albumes su genio individual y que no eran las marionetas de Brian (como la prensa los definió en la época de Pet Sounds/Good Vibrations). A partir de mediados de los 70 los BB se limitaron a producir obras buenas pero discretas, concentrándose en las giras. Tras la muerte de Dennis en 1983 los BB aparecen intermitentemente en la escena musical, pero la muerte de Carl en 1998 fue el detonante de la ruptura definitiva, con disputas legales por el uso del nombre Beach Boys que en definitiva quedaría en manos de Mike Love y con el incio por parte de Brian de una segunda juventud musical que lo llevaría a terminar en 2004 su ansiado proyecto Smile, cuya gira de presentación y nueva versión en estudio fueron recibidas con los brazos abiertos por público y crítica, poniendo a Brian en el alto sitial que merece como artista. Este CD es un resumen de todo lo anteriormente expuesto. Se trata de la banda sonora de un documental de 1998 sobre la vida, obra y milagros de los BB, compuesta por 25 temas de los cuales 24 son completamente inéditos. Una magnífica panorámica de una de las discografías más brillantes de la música Pop que incluye demos, mezclas alternas, versiones diferentes, piezas no utilizadas y recitales, con un sonido soberbio, bonita presentación gráfica y un conciso libreto con anotaciones canción con canción. Entre tanto excelente material podríamos citar las versiones stereo de Kiss Me Baby y California Girls (temas donde tras la aparente intrascendecia de las letras se esconden 2 de las más grandiosas producciones de Brian), la nueva mezcla de Surfer Girl con las voces separadas de la música para apreciar mejor sus magníficas armonías vocales, versiones de ensayo de Good Vibrations y God Only Knows, las joyas neo-psicodélicas Sail Plane Song y Loop De Loop y una mezcla alterna de 'Til I Die que no hay palabras para describirla. Un compendio de la mejor música hecha en los últimos 45 años.

Rip hecho con Exact Audio Copy
codificado con Lame 3.98 a 320 kbps

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Aldoux